Tributo A La Mejor Banda

"Optimus" John Norum (Glenn Hughes)

2011-12-15T14:25:00.013-03:00

Esta entrada se me había pasado por alto en su momento, se trata del 5º album solista de John Norum y fue editado en 2005, yo lo habré comprado allá por 2007 y grande fue mi sorpresa cuando vi que uno de los temas era "Time To Run" y llevaba la firma de Glenn Hughes, necesite de un par escuchadas y mucho hacer memoria para localizar el recuerdo del tema que me daba vueltas en la cabeza pero no terminaba de saber de dónde lo conocía hasta que finalmente di con lo que buscaba y era que se trataba del tema que The Voice Of Rock había co-compuesto en los 90's para Phantom Blue y que se editara en su segundo album, "Built To Perform" de 1994 (tanto lío se hubiera simplificado con un poco de búsqueda por internet, pero en aquel momento en vez de trabajo de oficina trabajaba haciendo tribunales y cuando me quedaba tiempo libre no se me pasaba por la cabeza sentarme ante la PC así que con hacer memoria me conformaba).

Tras un parate de seis años en su producción solista (su anterior lanzamiento había sido "Slipped Into Tomorrow" en 1999), y con la reunión de Europe en el medio (que después de algunos guiños durante años, y con recital de año nuevo incluido compartiendo la primera guitarra con Kee Marcello en 1999 se había consumado en 2003 con la coposición, grabación y edición de "Start From The Dark", ya sin Marcello que adujo estar muy ocupado para reunirse de manera contínua y tener unas miras musicales diferentes de las del grupo), lo cierto es que Norum, a diferencia de sus colegas; unos por falta de vuelo suficiente en sus trabajos, casos de Joey Tempest y Kee Marcello; y otros por haberse dedica a ser pertenaires de otros músicos, casos de Ian Haugland, Mic Micaeli y John Levén; a los que podemos agregar a los anteriores Peter Olsson que en realidad nunca llego a grabar con la banda pero fuera miembro fundador y luego pasara por los Rising Force de Malmsteen, el casi desconocido primer baterista de la banda, Tony Reno y tal vez con la única excepción de Marcel Jacob (R.I.P.) que tampoco grabaría con Europe pero dejaría su firma en un clásico de la banda como "Scream Of Anger" y luego pasaría por la banda de Yngwie, como su antesesor en el puesto, crearía Talisman, sería el principal colaborador compositivo en la primer banda de John Norum además otros muy buenos proyectos como Eyes o W.E.T., ambos con Jeff Scott Soto, hasta su lamentable muerte), en el caso de John paso del glam comercial de Europe, donde destilaba un estilo clásico deudor de Ritchie Blackmore (no nos podemos olvidar que Norum decidió ser músico tras descubrir a Deep Purple y eligió la guitarra por The Man In Black) a un estilo más basado en el blues sobre todo a partir del muy buen album "Another Destination" de 1995, luego de su trabajo con Glenn Hughes "Face The Truth" de 1992 y su paso por la banda de Don Dokken.

Norum ha oscurecido su sonido, ahora de tonos graves y oscuros (inéditos para sus trabajos con Europe en los 80's e inclusive como solista hasta el mencionado "Another..."), el sonido es sucio y rockero con fuertes raices blues, con la técnica apareciendo solo en los momentos indicados, lo que ha dado a muhos críticos en decir que es el mejor reemplazo para los amantes de Gary Moore (R.I.P.) de hoy en día. Norum tiene, cuando se lo propone, uno de los sonidos rockeros más apabullantes en el estilo de John Sykes o Zakk Wylde.

Para este trabajo conto con la compañía de Thomas Torberg (Snakes In Paradise, con quienes había colaborado Glenn Hughes en los primeros 90's con la composición de temas) en el bajo y Hux Flux en la batería, más la colaboración de Fredrik Åkesson (Talisman) en guitarra, Mats Lindfors en teclados y Leif Sundin en voz pero solo para la edición japonesa. El nombre del trabajo fue "Optimus" y refiere a la calle de Estocolmo donde se crio Norum, que una vez más se hace cargo de la voz y si bien no es malo como cantante y logra mejores resultados que colegas como Joe Satriani o Steve Vai, no se puede comparar a los resultados de Göran Edman, Glenn Hughes, Kelly Keeling o incluso el poco conocido (y suerte de comodín de Norum que siempre lo llama para algo, como en la versión japonesa de este trabajo donde canta en el bonus, tomado de los temas no utilizados en el vivo "Face It Live '97" o para el tema "Center Of Balance" de "Slipped Into Tomorrow") Leif Sundin cuando trabajaron con el.

La producción fue de Norum y se editó el 21 de febrero de 2005 por Mastertrax en Estados Unidos, el 5 de marzo por Mascot Records en Europa y finalmente lo edita Victor Entertainment en Japón ya en 2006 y con el cover de UFO "Natural Thing" realizado en vivo como bonus (tapas a la derecha e izquierda, con la única diferencia del agregado de "Europe Guitarist" en la edición de Mascot).

El inicio es con "Chase Down The Moon" (compuesto junto a Torberg), un inicio con un riff potentísimo, al mejor estilo de los Black Label Society de Wylde, que es ablandado por los fraseos hasta que la entrada de la voz forzosamente baja los decibeles (pese a que no desentona no tiene la potencia necesaria para bancarse el tema como debiera si matuviese la fuerza inicial), la base rítmica realiza un muy buen acompañamiento pero como en todo el trabajo lo fundamental de todo es la guitarra, excelentes solos. "Nailed To The Cross" tiene la colaboración de Åkesson en las rítmicas y la composición, es otro hard rock potente, algo más rápido, con un machaque constante de las guitarras. "Better Day" baja los tiempos y propone un riff bien a lo Black Sabbath se suman buenos aportes de los teclados. "One More Time" es un balada llevadera, con un sonido más claro y un buen solo. Luego llega la nueva versión del tema "Time To Run" y las diferencias con la versión de las Phantom Blue es la misma que tiene el Norum actual con el que escuchamos hasta su época con Don Dokken, un sonido oscuro, más cercano a Tony Iommi que a Blackmore, podríamos decir que la versión original es bien heavy pero con el sonido soleado Califormiano, ésta también es heavy pero con sonido nublado Escandinavo. Lueog es el turno del primer instrumental del album, el tema que le da nombre al trabajo, "Optimus", otra excelente tarea de Norum sin voz que hace pensar por qué no se decide de una vez y en vez de poner dos o tres instrumentales por disco no realiza uno completamente instrumental, como extra este tema lo solía incluir como parte de su solo en las gira de "Last Look At Eden" de Europe. "Takin The Blame" tiene un estilo más cercano al de los 80's pero manteniendo las distoriciones y tonos bajos de esta etapa, gran trabajo de la batería destacándose en varios "rulos" interesantes. "Change Will Come" es otra balada, más delicada y pegadiza que la anterior. "Forced" es un hard rock de tiempos más rápidos y solos vertiginosos, nuevamente tiene un estilo a los 80's pero modernizado. El final es con "Solitude", el segundo instrumental del album, donde nuevamente Norum nos muestra que a la hora de mostrar técnica no es ningún guitarra del montón.

El bonus de la edición japonesa es el cover de U.F.O. (de la época de Michael Schenker en la guitarra, que no podemos dejar de ponerlo como otra de sus influencias) "Natural Thing", versión tomada de los mismos shows en Japón utilizados para editar "Face It Live '97", es una muy buen versión, cruda y directa, con el guitarrista dedicado a su instrumento y la voz en muy buen nivel.

Un buen album (por algunos momentos tirando a muy bueno pero creo que le faltó un compañero de peso en la composición, no en vano casi unánimente se considera su mejor trabajo a "Face The Truth" con Hughes) del guitarrista Noruego más famoso, aunque normalmente se lo confunda con sueco por su historia musical y se lo ponga detrás de Malmsteen.

"Crosswinds" Billy Cobham (Billy Cobham - Tommy Bolin)

2011-12-14T16:09:00.010-03:00

Billy Cobham se había afirmado como uno de los mejores bateristas de fusion (en una competencia que en los últimos 60's y primeros 70's tenía como principal contrincante al cetro a otro conocido de la familia purpura como Alphonse Mouzon) a través de sus trabajos con el guitarrista George Benson ("Giblet Gravy" en 1968); el pianista Horace Silver ("Serenade To A Soul Sister" de 1968 y "You Gotta Take A Little Love" de 1969) y fundamentalmente con el trompetista Miles Davis en dos de los albums de la trilogía que dio forma al género ("Bitches Brew" y "A Tribute To Jack Johnson" ambos grabados durante 1969/1970 y editados en 1970 y 1971 respectivamente, solo falto al que inicio el camino del genero, "In A Silent Way" de 1969).

En 1970 formaría junto al trompetista Randy Brecker, el guitarrista John Abercrombie y el jovensísimo Michael Brecker una superbanda de fusion llamada Dreams que se completaba con el guitarrista, tecladista y cantante Jeff Kent; el bajista y cantante Doug Lubahn y el cantante Edward Vernon, la banda no logró un gran suceso, sin embargo su primer album, el homónimo "Dreams", logra ingresar en el Billboard 200 (el segundo, "Imagine My Surprise", no tendría esa suerte) y serviría de lanzamiento definitivo de las carreras deCobham, los hermanos Becker y Abercrombie.

Pese al fracaso comercial de Dreams (musicalemnte son excelentes), en 1971 trabaja en "My Goal's Beyond", el tercer album solista de su compañero en las filas de Miles Davis, el guitarrista John McLaughlin y sentarían las bases de lo que sería luego la Mahavishnu Orchestra que debutaría ese mismo año y donde se ocuparía de los teclados Jan Hammer, antiguo compañero de Tommy Bolin. Cobham abandonaría la banda en 1973 para iniciar su carrera solista (y sería reemplazado por otro ex-Tommy Bolin como Narada Michael Walden) y el debut sería impactante, "Spectrum" se convertiría en la biblia de la fusion (ese mismo año es parte del album "Love Devotion Surrender" de Carlos Santana/Mahavishnu John McLaughlin, un tributo a otro ex-Miles Davis como el inmenso John Coltrane, album que sería certificado oro por la R.I.A.A. ese mismo año pero con el correr del tiempo y pese a su inmensa calidad se perdería en el monton), con un sonido inigualable, incluso para Cobham que no lograría repetir un trabajo de la magnitud de su debut, tal vez por la falta de Bolin en las guitarras (por esta época estaba muy atareado con James Gang, una banda que si bien hoy no es tan popular en los 70's era uno de los platos fuertes del hard rock americano), con quien pensaban seguir grabando pero la muerte del guitarrista en 1976 lo impidió.

En su segundo trabajo solista llamado "Crosswinds" (tapa a la derecha), del que trata esta entrada, toma las guitarras su compañero de Dreams, John Abercrombie, en tanto sus otros compañeros de la banda, los hermanons Brecker también participan más Garnett Brown (The Crusaders, Herbie Hancock, Lionel Hampton) en trombón; Geroge Duke (Alphonse Mouzon, Miles Davis, Michael Jackson, Frank Zappa) en teclados y Lee Pastora (Don Ellis) en percusión latina y John Williams (Ella Fitzgerald) en bajo.

Se grabo en los Electric Lady Studios de Nueva York con la producción fue del dos veces nominado al Grammy, Ken Scott (The Beatles, Jeff Beck, Pink Floyd, The Rolling Stones, Procol Harum, Elton John, Mahavishnu Orchestra, America, George Harrison, David Bowie, Supertramp, Dixie Dregs, Missing Persons, Kansas, Level 42) y se edito por Atlantic Records/WEA en 1974. Fue reeditado en CD por Atlantic; el 29 de enero de 2001 en Estados Unidos y Cnada y por Wea/Warner Special Marketing un día después, el 30 de enero de 2001 para el resto de mundo. Por Wounded Bird Records el 11 de abril de 2000 y por Atlantic Records (UK) el 4 de abril de 2001. Alcanzaría los puestos Nº 2 del Jazz Albums, Nº 19 del r&b albums y el Nº 23 del Billboard 200 (es decir bajo un puesto en lo que a jazz se refiere pero subió tres en la consideración general, todo gracias a la fama del debut, como alguien dijo "una vez escuchado "Spectrum" tu vida no sera igual", esto se puede ver en que "Spectrum" primero charteo en los albums de jazz y un año después ingresa en el Billboard 200, en tanto que éste ingresa de manera simultánea en los charts).

En este segundo trabajo de Cobham se ven lo que marcaría su carrera de allí en adelante, un nivel de ejecución excelente, siempre rodeado de grandes intérpretes, pero siempre lejos, sin siquiera acercarse a los niveles de excelencia alcanzado apenas un año antes. Tal vez penando en las comparaciones que podía irremediablemente llegar, Cobham realizó un trabajo muy distinto, bien alejado de la rabia rockera que impregna "Spectrum", con una primera parte centrada en él mismo, de una suite de cuatro partes donde una es un monumental solo de su parte y ritmos que van de lo latino al jazz más bailable y unos momentos introspectivos y delicados. Algunos se aventuran a suponer que una vez afirmado y consolidado por las ventas de "Spectrum" Cobham decidió no continuar con el estilo rockero y retomar una senda más clásica y con tonos funk.

El inicio y tema 1, o en la versión original lado "A" del LP, es con "Spanish Moss - "Sound Portrait", una suite de cuatro partes y diesisiete minutos que arranca con la sección que le da nombre, "Spanish Moss", comienza con sonido ambiental de viento, luego se suma la percusión y finalmente tenemos un tema ligero, comandado por los vientos y una muy entretenida base conformada por la batería y la percusión, los teclados realizan un constante aporte de calidad. "Savannah The Serene" se inicia con Brown en soledad en una melodía muy introspectiva que comandara el tema, muy lento y melancólico, digamos que para el fina de una noche pasada de Jack Daniels, Duke tendrá también su momento para aportar con un gran solo. "Storm" es un solo en completa soledad de Cobham, que para algunos exigentes no tiene toda la inventiva que Billy puede entregar, para el resto de los mortales es sensacional. El final de la suite es con "Flesh Flood", un tema más funk, en la onda de los Brecker Bros., con Randy comandando con la trompeta y Abercrombie dejando un excelente trabajo y su solo. El segundo tema, o el que comenzaba el lado "B" del LP, es "The Pleasant Pheasant" y encontramos un tema con una percusión tan fantástica como la batería, solo incluido, con Michael Brecker, Abercrombie y Duke batiéndose a duelo con demostraciones de al tísimo nivel. "Heather" con sus ocho minutos veinticinco segundos es el tema más extenso del album (si contamos las cuatro partes de la suite como temas separados) tiene una introducción lenta de los teclados, otra vez el clima es tranquilo e introspectivo, con los teclados comandnado, Duke y Michael Brecker vuelven a deleitarnos con sus solos. El final es con el tema que le da nombre al trabajo, "Crosswind", un funk rock excelente con un Abercrombie en esplendor.

Pese a que en general se lo cataloga como simplemente bueno, para mí es un muy buen album, claro que hay que escucharlo sin caer en comparaciones con "Spectrum", las comparaciones aparecen inevitablemente pero a la hora de valorarlo hay que dejarlas de lado y hacerlo por su peso propio y no en comparación a otro trabajo.

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"III" Chickenfoot (Joe Satriani)

2011-11-25T18:34:00.009-03:00

Para la grabación del segundo album de la superbanda Chickenfoot (foto de promoción del album a la derecha con Michael Antonhy, Joe Satriani, Chad Smith y Sammy Hagar de izquierda a derecha) trajo la inclusión como invitado en tres temas de Mike Keneally (quien venía trabajando con Satch intermitentemente desde la época del primer G3 en 1996 grabando "G3 Live In Concert" en 1996, "Live In Paris: I Just Wanna Rock" en 2010 y "Black Swans And Wormhole Wizards" también de 2010; y ya antes había compartido las grabaciones de "American Matador" de Mark Bonilla en 1993; además de haber sido parte de la banda de Frank Zappa) en piano en tres temas. Además, aunque no hace al album, se confirmo que Kenny Aronoff, quien había trabajado con The Voice Of Rock y Tony Iommi formando un impresionante power trio en "Fused" será el reemplazante de Chad Smith en la gira de promoción, pues éste por esas fechas estará de gira con los Red Hot Chilli Peppers.

En un principio hasta se dudo de la participación de Smith en el album por sus compromisos contractuales y hasta se tento a Jason Bonham para el puesto, pero el hijo de Bonzo se nego prefiriendo quedarse en Black Country Communion con Hughes, Bonamassa y Sherenian y poco después Chad confirmaba que participaría de la grabación del este trabajo.
Monique Creber, Joani Bye y Linda Bye aportan los coros en "Come Closer".

Uno, o yo por lo menos, suponía que el nombre del album "III" (tapa, diseñada por Todd Gallopo, a la izquierda, con y sin el efecto 3D que hizo que la portada sea nominada al Grammy del año próximo como mejor arte de tapa) venía por ser el tercer lanzamiento oficial de la banda (luego de "Chickenfoot" y "Get Your Buzz On Live", ambos ya comentados en el blog), pero Hagar había dicho el 11 de marzo de 2011, en la semana de la música en Canada mientras promocionaba su autobiografía "Red: My Uncensored Life In Rock", que pensaban ponerlo "IV", simplemente como una broma pues IV no necesariamente tenía que significar que es el cuarto de algo.

En lo musical se trata de un redoble de la apuesta del primer album, más duro, pero en la misma estética, claro que es casi unánime en la crítica el que en este nuevo trabajo hay mejores riff, mejores arreglos y mejores letras pero... las ventas no son las mismas que en el debut (recordemos que alcanzo la certificación de oro de la R.I.A.A.) y esperemos que esto no provoque un final en un proyecto tan complicado como lo es Chickenfoot, donde dos de sus miembros deben repartir su tiempo entre su carrera solista (Satriani) y con un banda principal (Smith).

La producción fue nuevamente de la banda junto a Mike Fraser y se editó el 27 de septiembre de 2011 por eOne. Alcanzó el puesto Nº 10 del Top Digital Albums de Billboard, el Nº 9 del Billboard 200, el Nº 4 del Top Rock albums, el Nº 2 del Top Independent Albums, el Nº 1 del Top Hard Rock Albums y el Nº 19 del Top Canadian Albums. EL single "Big Foot" alcanzó el Nº 40 Rock Songs de Billboard.

El inicio es con "Last Temptation", un hard rock potente, de raices bluseras, con fraseos típicos de Satch y armonías vocales a lo Van Halen, pero como un crítico comentó, este es el album que uno esperaba saliera de Van Halen con Sammy de haber continuado. "Alright, Alright" es otro hard rock potente, pero de tiempos más pausados y más tinte blusera, eso sí, con un estribillo que aprendemos y salimos cantando desde la primera vez que lo escuchamos, muy buen solo de Satriani y buenos aportes de Mike Keneally en el órgano. "Different Devil" es una balada suave y emocional, con fuerza en los estribillos y un solo magnífico de Satch, en otra época hubiera sido hit, Keneally vuelve a aportar en el órgano. "Up Next" es un hard rock de estilo 70's con uno de los mejores riff plenamente rockeros que haya sacado de la galera Satriani, ggran trabajo de Anthony, un putno altísimo en un trabajo sin fisuras. "Lighten Up" si en el tema anterior la banda sonaba con un sonido más clásico, aquí hace una de sus reproducciones más fieles del estilo de Van Halen, fantástico solo de Satch en medio de una base rítmica asombrosa; otro gran tema en este gran album de rock. "Come Closer" es una power ballad muy emotiva y excelentes aportes del piano de Mike Keneally y se nota el aporte adicional de los invitados en los coros. Luego de la suavidad del tema anterior llega un herd rock rabioso y potente como "Three And A Half Letters", rock durísimo tanto en lo musical como en la letra donde Sammy habla de los sin casa, los desocupados y veteranos que regresan tras la guerra, ¿Satriani?, simplemente intratable, fantástico. Es el turno del single del album, el funk rockero "Big Foot", un tema más cercano a los trabajos de Smith con Glenn Hughes que a los de los Chilli Peppers, otro solo de otro planeta a cargo de Satriani. "Dubai Blues" se inicia con la base rítmica y una demostración de Anthony con el bajo, luego ingresa la guitarra formando un excelente tema, con funk, blues y rock, con arreglos excelentes y un feeling que los hacen uno de los mejores temas de la banda. "Something Going Wrong" es un blues rock pausado con raices plenamente en los 70's, un final a pura orquesta. Luego hay un bonus o más precisamente un hidden track llamado "No Change" que es un muy buen hard rock que parec un tema clásico de Satch con el agregado de voz.

Un muy buen trabajo de Satriani, Haggar, Smith y Anthony.

"Hit It" The Slam (Glenn Hughes)

2011-11-20T18:22:00.009-03:00

The Slam es una banda servia fundada por el cantante y guitarrista Serge Simic, y su sonido es una mezcla de los gutos de Simic, los que incluyen una gran porción de Kiss (su estilo para cantar es similar al de Simmons con una pizca del glamour de Stanley), y buenas dosis de Black Sabbath, Boston, Rolling Stones, AC/DC y también algo de Led Zeppelin y Lynyrd Skynyrd.

Acompañan a Simic: Nik Marcos en bajo, George Breed en guitarras y Mike Blacksmith en batería (foto de promoción a la derecha con Breed, Simic, Blacksmith y Marcos de izquierda a derecha).

La banda realizó gran cantidad de presentaciones haciéndose de una buena base de fans y llegando a los oídos Glenn Hughes quien primero los toma como teloneros y luego los presenta a su amigo y productor de trabajos como "Soul Mover", además de varias veces nominado al Grammy, Fabrizio Grossi (Steve Vai, Alice Cooper, Joe Bonamassa, Billy Gibbons/ZZ Top, Dave Navarro, Paul Stanley/Kiss, Slash, Joe Lynn Turner, Graham Bonnet, Appice-Travers-Stevens, Eric Martin entre muchísimos otros) quien les consigue un contrato con el sello italiano Scarlet Records y realiza la mezcla del album en el Sound Of Pisces Studio de Los Angeles.

La historia del album sin embargo comienza con la banda en 2008, allá por el mes de octubre, Simic ingresa en el Boom Studio y graba los demos de los tres primeros temas compuestos por él: "Little Angel", "Kisser" y "Push On". En ese momento lo acompaña en batería Johnny Dunkic y el productor Boban Nedeljkovic. Satisfecho con el resultado, Simic sigue componiendo más temas para un album.
En enero de 2009 Simic y Marcos son presentados por amigos en común y luego de unos días con Simic mostrando sus demos e ideas surge la necesidad de crear una banda, nacía The Slam. En marzo de 2009 se realizan las audiciones para el puesto de baterista y Blacksmith resulta elegido. En abril comienzan las sesiones de grabación y composición para las que Simic convoca a su viejo amigo George Breed como guitarra rítmica y la banda queda conformada definitivamente. Ese mismo mes Glenn Hughes llega a Belgrado como parte de la gira de "First Underground Nuclear Kitchen" y los toma como teloneros para su show del 13 de mayo en el Dom Omladine Beograd.
Ese mismo mes The Voice Of Rock se acerca a los estudios SSL Pink de Belgrado y graba las voces de "Little Angel", el que fuera el primer tema compuesto por Simic. En julio la banda llega a los estudios Sky y con el productor Vlada Negovanovic dan forma al sonido del tema que acompañara a la voz de Hughes. En octubre labanda pasa a los estudios Moby y de la mano del porductor Ritchy Z Bogdanovic graban los bajos, primeras guitarras y voces.

En febrero de 2010, con todo ya grabado convocan a un viejo amigo de la banda, Nebojsa Bojkovic, para los coros y pasan todo el material a Grossi quien a lo largo de tres meses pule el sonido hasta quedar conforme, Maor Appelbaum se encarga de la masterización y finalmente "Hit It" (tapa a la izquierda) queda terminado.

Solo faltaba el contrato discográfico que es dado por Scarlet Records en 2011. Es editado el 19 de septiembre en Europa y el 11 de octubre en los Estados Unidos.

El inicio es con "Wild Ride", un tema bien rockero y movido que de movida nos trae a la mente a Kiss y alguna reminiscencia al southern rock de Lynyrd Skynyrd o los más modernos Black Stone Cherry. Luego llega The Voice Of Rock y su participación en "Little Angel", un tema más pausado pero igual de rockero, con unos aportes de Hughes fantásticos, en el nivel altísimo que nos tiene acostumbrados con Simic en un completo segundo plano pero haciendo una excelente segunda voz, muy buenos aportes de las guitarras, que además de un buen riff dejan interesantes fraseos. "Bad Blood" es pura potencia, hard rock a todo volumen, en los tiempos y los riff escuchamos claramente el estilo de los 70's, con algún recuerdo de AC/DC. "Kisser" desde el nombre y estilo nos recuerda a Kiss. "Tears In The Rain" es una blada acústica que luego toma fuerza y tiene los estribillos más pegadizos del trabajo. "90-50-91 Love" es casi un cover de Kiss, no es que suene a robado el riff sino que el estilo es 100% Stanley/Simmons. "Saddle Up" alguien la describio como una cruza de Kiss con Tony Iommi y no mestá muy errrado, el riff recuerda a "Paranoid" pero el estilo sigue siendo el de la banda americana. "Mr. Rock N Rolla" comienza con un extracto de "KISS Alive!" a todo volumen y en el fondo un padre enojado que golpea una puerta gritandole a su hijo para que "baje esa mierda", luego nos dejan el tema másinfluenciado por Kiss del trabajo. "Push On" regresa al estilo de "Wild Ride" con esa influencia southern y rock rabioso. El final es con "Hooked On Rock N Roll", un final acústico y bien de tono folk.

Un muy buen album debut.

"Stand In Line" Impellitteri (Graham Bonnet - Rainbow)

2011-10-07T18:28:00.015-03:00

En la orda de guitarristas shredders de los 80's impulsados, primero en bandas con la aparición de Van Halen o Randy Rhoads con Ozzy y (vaya paradoja) con dos guitarristas que estuvieron a las ordenes de Graham Bonnet en su banda post-Rainbow Alcatrazz, Yngwie Malmsteen y Steve Vai; y luego ya como productos solistas principalmente por el éxito de aquel fabuloso "Rising Force" de Malmsteen (que mostró que la música instrumental y puramente virtuosa vendía), uno de los más técnicos y de los últimos en hacer eclosión es Chris Impellitteri, abanderado de los solos rapidísimos y de tono clásico, deudores de Yngwie y por lo tanto de Ritchie Blackmore. De su album debut es que tratará esta entrada, album donde se dio el lujo de tener como cantante a Graham Bonnet, quien había sido sideman de su idolo, The Man In Black.

En 1983 Chris se une al cantante Rob Rock (quien debutaría discográficamente con dos conocidos de la familia como Tommy Aldridge y Rudy Sarzo acompañando a Tony McAlpine en el album ya comentado en el blog "Projet Driver") en una banda dedicada principalemnte a los covers llamada VICE, sin embargo luego de grabar un demo y buscar infructuosamente un contrato, la banda se disuelve en 1985, al año siguiente Rock se une a McAlpìne, Sarzo y Aldridge que tenían contrato con el sello shredder por excelencia, Shrapnel Records de Mike Varney, el principal impulsor del estilo. A pesar de las excelntes críticas de ese album, McAlpine decide continuar su carrera solista y Sarzo junto a Aldridge se unirían a las filas de Whitesnake por lo que Rock regresa junto a su amigo Impellitteri y tras reclutar a Ted Days para el bajo y a Loni Silva para la batería graban un EP con producción propia en 1987 pero el contrato discográfico seguía sin aparecer y Rock parte de nuevo, esta vez para unirse a Joshua, la banda de otro virtuoso como Joshua Perahia (quien en 1983 había alcanzdo su mayor gloria con el single "November Is Going Away" llegando al Nº 1 de las listas de venta de Japón) que tenía un contrato con un sello de los grandes, RCA Records, y grabando el album "Intense Defense" editado en 1988, una joya del heavy metal melódico.

Nuevamente sin cantante Impelliteri cambia toda la banda y contacta a Graham Bonnet al tiempo que consigue un contrato con Relativity Records un sello que, al igual que Shrapnel Records, editaba a virtuosos de la guitarra (tenía en sus filas a Joe Satriani y Steve Vai), claro que en el camino, tras pasar por la banda James Amelio Pulli en bajo, Glen Sobel en batería y quien lluego tocaría con Glenn Hughes, Edward Harris Roth en teclados (todos ellos venían tocando junto con Rob Rock en la banda); llegan para completar la formación Phil Wolfe (W.A.S.P.) a los teclados, para el bajo llega Chuck Wright, que tras dejar Quiet Riot luego de "QRIII", había realizado sesiones de grabación con Gregg Allman, Ted Nugent (grabo "If You Can't Lick 'Em...Lick 'Em"), con la cantante Ann Lewis y el japonés Nobuhiko Satoh; para la batería llegaría un fenómeno, Pat Torpey, quien venía de tocar con Robert Plant y poco después sería convocado por Billy Sheehan y Eric Martin para la superbanda que acababn de formar, Mr. Big (fotos de promoción a la derecha, la oficial de Relativity arriba con Torpey, Wolfe, Impellitteri, Bonnet y Wright de izquierda a derecha; y la de abajo con Torpey, Wright, Bonnet, Impellitteri y Wolfe).

Graham le cambiaría el estilo a la composición de Chris y este debut llamado "Stand In Line" (tapa arriba a la izquierda) sonará más hard rock que speed, ya que Bonnet co-compone todos los temas originales del trabajo (hay dos covers y una versión instrumental de uno de los temas del EP "Impellitteri"). Tal vez por este motivo el guitarrista no estuvo muy cómodo y tras cumplir los contratos con el sello discográfico (lo que incluía una gira posterior con la grabación de "Live In Tokyo") la banda se disovería y tras volver Rob Rock el siguiente album se editaría en 1992, cuatro años después (y solo Wright tocaría de nuevo).

Se grabó durante 1988 en los Record Plant Studios; Cherokee Studios y Sound City Studios, todos de Los Angeles, California; y los TMF Recording Studios de Nueva York. La producción fue de Cliff Cultreri (A&R de Relativity y descubridor de Joe Satriani, Steve Vai, Chris Impelliteri entre otros, que lanzara a la fama desde el sello antes de ser absorbido por Sony) y Chris Impellitteri, En las masterización estuvo el legendario Bob Ludwig. el album ingreso en el Billboard 200 y permaneció en él más de cinco meses, alcanzando el puesto Nº 91.
Se realizó un video del tema "Stand In Line" que tuvo mucha rotación por aire.

En 2009 EMI reedito el album de forma remasterizada y con la inclusión del EP debut como bunus (tapa abajo a la izquierda).

El inicio es con "Stand In Line", un tema de corte bien hard rockero en el que se nota la mano de Bonnet en la composición aunque hay inclinación a tonos clásicos dados por los teclados y algunos arreglos de las guitarras, excelente lo de Bonnet y Impelliteri mostrando un muy buen riff, tirando armónicos muy claros y dejando unos solos que asombran. Luego llega un tributo directo a Rainbow con el cover de "Since You’ve Benn Gone", no es mi versión favorita, prefiero las anteriores de Bonnet con Malmsteen y Vai en las épocas de Alcatrazz, la de Brian May con Cozy Powell en "Live At The Brixton Academy" o por supuesto la mejor que sigue siendo la de Rainbow, pero para a ser sinceros me gusta más que la original de Russ Ballard, el riff esta modificado, con un sonido más heavy al comienzo pero las melodías aparecen indudablemente, los fraseos de The Man In Black que anteceden al break del tema están respetados casi al pie de la letra, pero el solo es una nueva demostración de la técnica de Impelliteri. "Secret Lover" es heavy clásico de principio a final, un tema que podría encontrarse en cualquier album de Malmsteen, impresionante muestra de técnica de parte de Chcuk Wright en el bajo, Impelliteri deja asombrado a todo oyente con su técnica infernal, Pat Torpey se muestra como el baterista formidable que es. Aunque no es un tema de Rainbow sino uno de los más famosos clásicos del cine, escuchar "Over The Rainbow" en un album de un heredero de Blackmore y con un cantente que paso por Rainbow nos recuerda a la gran banda formada por The Man In Black luego de abandonar Deep Purple y el comienzo de los shows; un tema excelente para demostrar virtuosismo con melodías muy armónicas y espacio para la improvisación, excelente, lo único que se extraña es la voz de Bonnet. "Tonight I Fly" arranca con una muestra de la fantástica técnica de Torpey, luego ingresa un riff de heavy clásico y tiempos medios, una vez más hay muy buen acompañamiento de los teclados y un Bonnet intratable en la voz, obviamente, como un album de shredder lo requiere, los solos de guitarra son formidables. "White And Perfect", el primer tema que cuenta con el aporte de Wright y Torpey en la composición, se inicia de manera electroacústica y luego aparece un riff clásico con mucho de Rainbow, claro que con abundancia de armónicos adornando los riff, los tiempos son medios y hay un aire oriental en el tema, solos impresionantes y Bonnet dando clase a más de un cantante de heavy clásico que solo se basa en la agudeza de la voz. "Leviathan" (el segundo y último tema que tuvo aportes del bajista y baterista en la composición) es un tema de tiempos pausados y lentos que me hace recordar a "Desert Diamond" de "Disturbing The Peace", el album de Vai en su paso por Alcatrazz aunque más por ambiente y estilo que por similitudes sonoras propiamente dichas. "Goodnight And Goodbye" es un heavy clásico en el que Wolfe puede mostrar por momentos sus dotes de Bach en los teclados con un protagonismo mayor al de los otros temas donde tiene un lugar importante pero creando colchones sonoros que dan ambiente a los temas. El final es con una versión instrumental de un tema del EP grabado con Rock en la voz, "Playing With Fire", un heavy clásico al mejor estilo Yngwie que deja a todo fan de la guitarra con los oídos llenos.

Un muy buen album, para muchos el mejor de Impellitteri, y en lo personal estoy muy de acuerdo con esa apreciación.

"Some Tough City" Tony Carey (Tony Carey - Rainbow; Over The Raibow)

2011-10-07T17:46:00.028-03:00

Tony Carey, de él se trata esta entrada, monstruo una gran capacidad para la música desde muy pequeño, y sus padres decidieron hacer todo lo posible para desarrollarlo, nacido en 1953 en California forma la parte de la banda Blessings hasta que en 1975 el ojo clínico de Ritchie Blackmore lo descubre y le ofrece el puesto de tecladista en Rainbow, reemplazando a Mickey Lee Soule que tras haber grabado el album debut, "Ritchie Blackmore's Rainbow", no llego a realizar ninguna presentación en vivo con la banda (en realidad como todos los músicos que grabaron ese disco salvo Ronnie James Dio y obviamente The Man In Black).

Con Rainbow Carey realizaría dos giras mundiales y plasmaría su talento en el en vivo "On Stage" y en el monumental "Rising", uno de los pilares fundamentales del hard rock/heavy metal, luego tocaría junto a Pat Travers en "Putting It Straight" y algunas otras sesiones pero principalmente se dedicaría a su carrera solista. En caunto a la familia purpura, podemos agregar su trabajo junto a Joe Lynn Turner en la banda autotributo o unos reformados Rainbow sin The Man In Black, Over The Rainbow.

En el trabajo Tony Carey se encarga de las voces, las guitarras rítmicas, los teclados y los bajos (además de componer todos los temas); lo acompañan con los solos de guitarra Johan Daansen, Reinhard Besser y Robert Musenbichler; Eddie Taylor en el saxofón par el tema que da título al album; Fritz Matzka en batería y percusión; más Peter Hauk y Andy Lunn en los coros.

La producción fue de quien venía produciendo todos sus trabajos desde 1978, Peter Hauke (antes de ser contratado por Tony había producido a bandas poco conocidas como Nektar y Omega, y luego de este éxito pasaría a producir a los exitosos White Lion), con George Marino (encargado de masterizar o remasterizar trabajos de Miles Davis, Jimi Hendrix, Bob Dylan, Led Zeppelin, John Lennon, T. Rex, Yoko Ono, Kiss, AC/DC,Bad Company, Aerosmith, Kansas, Chip Trick, Foreigner, Ozzy, Dixie Dregs, Toto, UFO, Camel, David Sanborn, Bon Jovi, Joe Bonamassa, Black Label Society y una lista interminable) en la masterización. Se edito por MCA International en 1984 y alcanzó el puesto Nº 60 del Billboard 200. Se editaron los singles "A Fine, Fine Day/Say It's All Over" (tapas de ediciones americana a la derecha y Alemana a la izquierda), que alcanzó el puesto Nº 22 del Hot 100 y el Nº 1 del Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard; y "The First Day Of Summer" que alcanzó el Nº 33 del Hot 100 y el Nº 14 del mainstream rock track.

Se relizo un video de promoción de "Fine, Fine Day" que tuvo mucha rotación en la televisión.

Se reedito por MCA de forma remasterizada el 9 de marzo de 1999 con un bonus track, y por Renaisance Records en 2008 pero esta edición suma muchas críticas pues el sonido es casi el mismo que tomado del LP original y no aparece el tema extra.

El album tiene cierta continuidad de los temas en cuanto a las letras (que trata de la vida en las partes bajas de la ciudad) en que lo acercan a un trabajo conceptual pero sin llegar a serlo en un 100% (por poner un trabajo ya comentado n el blog podemos decir que la idea es parecida al estilo de "TYR" de Black Sabbath, en cuanto a lo cuasi-conceptual no así a lo musical). La versión original del album consta de 10 temas, en tanto que en la reedición en CD trae como extra el b-side del single "Fine, Fine Day", "Say It's All Over".

El inicio es con el tema más exitoso de la carrera solista de Carey, "Fine Fine Day", un tema de A.O.R. que podría decirse perfecto, melódico, pegadizo y con el espíritu rock presente, comandado por el piano y los teclados se mueve en tiempos lentos, casi como una balada con unas guitarras rockeras en el pegadizo estribillo. "A Lonely Life" es un tema más rockero, buenas guitarras y sobre todo una gran tarea con al bajo, esta vez los teclados están en un segundo plano. "Eddie Goes Underground" es un tema rockero con muy buenas gutarras, entrador y con Carey mostrando que lo de cantar no le queda nada grande. Luego llega el segundo single, y también segudo hit del album, "The First Day Of Summer", en este caso Carey recurre al estilo y sonido de Foreigner para llegar a un muy buen resultado con excelentes aportes de las guitarras solistas, buenos aportes de los coros y sobriedad en los arreglos. "Reachout" es un tema rápido,, con buenos aportes de las guitarras pero un estilo bien a lo pop/rock de teclados típico de los primeros 80's. Le sigue el bonus track de la edición en CD, "Say It's All Over" una suerte de blues con bastante de electrónico en la profusión de teclados. "Tinseltown" es un tema bien rockero, con solos excelentes d elas guitarras que narra la forma en que Hollywood se devora a quienes llegan con el sueño de ser estrellas. "Hungry" es un tema con un sonido muy a lo pop/rock de los 80's, con buenas guitaras pero liderado por los teclados. "I Can Stop The World" es una balada melancólica con estribillos rápidos, en el estilo de "Fine, Fine Day" pero sin lograr el gancho de su tema solista más famoso. Luego llega el tema que da nombre al trabajo, "Some Tough City" es un balada comandada por el piano y muy buenos arreglos con los aportes de la guitarra, el saxo y los coros. El final es con "She Can Bring Me Love", una balada melancólica y suave.

Un muy buen trabajo de Tony Carey, con el que sumó el reconocimiento público al de los músicos que lo tenían como un talentoso multi-instrumentista y productor.

"Sophisticated Beggar" Roy Harper (Ritchie Blackmore)

2011-10-06T18:01:00.015-03:00

Roy Harper es una leyenda del rock/folk ingles, un músico que influyo a artistas como Jimmy Page (foto de ambos tocando abajo a la izquierda) y Led Zeppelin (quienes lo tributaron con el tema "Hats Off To (Roy) Harper" en "Led Zeppelin III"), Pink Floyd (para quienes puso la voz en el tema "Have A Cigar", editado como single de su album "Wish You Were Here"), Pete Townshend o Ian Anderson.

A los 15 años dejó los estudios e ingreso en la R.A.F. pero poco después, descontento con la disciplina militar, finge locura para lograr su baja y recibe como terapia electroshok y pasa un tiempo en el "Lancaster Moor Mental Institute", hechos que llevarían a componer el tema que motiva esta entrada, "Committed", tema que cierra su primer album, "Sophisticated Beggar" (tapa a la izquierda) de 1966, y en el cual tuvo como invitado a una de las figuras dentro de los músicos de sesión por aquellos años, Ritchie Blackmore.

Cuando comence el blog en 2008 lo hice a partir de la formación de Deep Purple (en realidad la idea era una sola entrada de felicitación por los 40 años de la banda), con el proyecto de Chris Curtis, Roundabout, de modo que solo comente los trabajos de los miembros de la banda a partir de 1968, dejando de lado los realizados por The Man In Black, Jon Lord, Ian Paice, Rod Evans, Nick Simper, Roger Glover e Ian Gillan con anterioridad a esa fecha. Con esta entrada cubro un trabajo anterior de Blackmore, diria que fundamental debido a que se trata del debut de un músico que, como comenzara la entrada, influyo a gran parte de los más ilustres músicos de la génesis del hard rock.

En 1964 Harper es dado de baja en la Real Fuerza Aérea y viaja por el norte de África, Europa y finalmente vuelve a Londres manteniéndose como músico callejero durante un año. De regreso en su tierra natal, en 1965 ingresa en el famoso club de folk "Les Cousins" donde conoce a músicos como John Renbourn, Alexis Korner, Paul Simon, Alex Campbell, Bert Jansch, John Martyn, Joni Mitchell y Nick Drake.

En 1966 logra un contrato con el sello de Peter Richards, Strike Records y ese mismo año edita su debut "Sophisticated Beggar" que rápidamente llamaría la atención de CBS Records. La distribución del album sin embargo fue muy mala y solo unas miles de copias fueron distribuidas, al punto que el propio Harper diseño y repartió volantes para promoverlo en Oxford Street, debido a ello el album ha tenido gran cantidad de diferentes ediciones: 1966 por Strike Records; 1970 por Youngblood Records bajo el nombre de "The Return Of The Sophisticated Beggar"; 1972 por Birth Records bajo el mismo nombre; 1977 por Big Ben Records bajo el nombre "The Sophisticated Beggar"; 1985 por Avon Music con el nombre original y en cassette (todas las anteriores eran en LP); en 1989 por Sundown Records (tapa a la derecha), todavía en formato de LP; también en 1989 por Magnum Records en Alemania, por primera vez fuera del Reino Unido y en LP; en 1992 llega la primer edición en CD de la mano de Tring Records y bajo el título de "Legend"; en 1994 llega la edición por el sello de Harper, Science Friction, en CD y según Roy del único del que ha recibido regalías; en 1997 es Mooncrest Records el que lo edita como "Return Of The Sophisticated Beggar" (tapa abajo a la izquierda); en 2006 Airmail Records lo edita en Japón con el título original; en 2007 Beat Goes On Records lo esdita nuevamente bajo el nombre "The Return Of The Sophisticated Beggar"; ese mismo año en Belgica lo edita One Media con su nombre original y finalmente en 2009 Vanilla OMP lo edita bajo el nombre de "China Girl" (tapa abajo a la derecha). Como se puede ver la distribución fue un poco complicada.

En palabras del propio Harper el album es: "Mi primer disco, "Sophisticated Beggar", fue nada menos que un viaje salvaje en lo más profundo del espacio. Yo acababa de arrancar una infancia muy conflictiva en contacto, cuando, de repente, DING!, Yo estaba haciendo un disco. Decir que yo estaba muy contento con el progreso en el tiempo sería un eufemismo colosal. Fui invitado a hacerlo por un amigo de un amigo que tenía un primitivo pero bien organizado estudio en un cobertizo en el jardín de su casa. Me dicidí y Pierre Tubbs y yo hicimos un buen registro. Hay muchas pistas agradables y en "Sophisticated Beggar" un poco era un microcosmos de lo mucho que iba a seguir... todavía estoy orgulloso de mi primer disco".

Con influencias que van del folk británico de Donovan, Bert Jansch y Al Stewart, el album es prácticamente acústico, aunque con algunos detalles electricos (en la participación de The Man In Black), Harper se ocupa de los bajos, los teclados, la voz, el saxofón y la guitarra. Además de Blackmore, aparentemente también acompaño a Harper, poniendo algunas gutarras, John Renbourn (para muchos el padre del folk británico), pero sus aportes (de haber existido) no están identificados, por lo menos hasta donde pude averiguar.

Comienza con "China Girl", tema que motivó el nombre de alguna de las ediciones posteriores, una balada folk, con algo d psicodelia, melancólica y personal que rápidamente ingresa en el oyente, muy buenos arreglos. "Goldfish" transita los mismos caminos, y la capacidad de Harper reside en adentrarnos en ellos con la prácticamente unica ayuda de su guitarra. El tema título, "Sophisticated Beggar", tiene un estilo que en momentos recuerda "The Battle Of Evermore" de Led Zeppelin. "My Friend" es de un tono más oscuro, con una tarea fantástica de la guitarra que en su unión con la voz parece hipnotizar. "Big Fat Silver Aeroplane" es un tema menos oscuro pero del mismo tono que el resto (y refiera casualmente a los Zeppelin, de allí el "el aeroplano grande, gordo y plateado"). "Blackpool" es un instrumental que tiene un tinte que lo acerca en algunos pasajes a la música barroca iberica de guitarra. "Legend", otro de los nombres utilizados en alguna edición del album, es una muestra de la densidad y protesta que Harper patentaría en sus siguientes trabajos. "Girlie" es otro tema que nos lleva al sonido de Zeppelin en sus temas acústicos. "October The 12th" por su parte es una muestra de la influencia de Harper en Pink Floyd. "Black Clouds", "Mr. Station Master" y "Forever" siguen una línea similar al resto, folk acústico con ambientes densos y buenos arreglos. El final es el punto distinto del album, tal vez por la referencia a la época que paso en una institución mental, pero aparece un rock eléctrico típico de los primeros 60's luego de la introducción, The Man In Black aporta las primeras guitarras con un trabajo solvente y Harper realiza una gran interpretación de la locura en la voz.

Un muy buen album, ideal para todo el que le guste el folk, las guitaras acústicas o sea un coleccionista de Blackmore.

https://rapidshare.com/files/2652261710/Roy_Harper_-_1966_-_Sophisticated_Beggar.rar

"Physical Graffiti" Led Zeppelin (Jimmy Page - Coverdale-Page)

2011-10-06T12:11:00.036-03:00

Dos de las tres bandas fundamentales del hard rock/heavy metal han tenido una importante relación entre sus integrantes, Don Airey participó primero como tecladista de Black Sabbath a fines de los 70's en el album "Never Say Die!" y luego (previo paso por Rainbow junto a Joe Lynn Turner, Roger Glover y obviamente Ritchie Blackmore y, por el lado de Sabbath, ser parte de la banda de Ozzy) reemplazó (primero temporalmente y más tarde de manera definitiva) a Jon Lord en Deep Purple a comienzos del nuevo milenio; luego Ian Gillan reemplazó a Ronnie James Dio (también relacionado con la familia Deep Purple por haber sido elegido por The Man In Black como el primer cantante de Rainbow) en el micrófono de Black Sabbath y más tarde (previo fugaz regreso de la formación original), Glenn Hughes toma el lugar de Gillan como cantante de Black Sabbath; y la relación también se extiende a la participación de Cozy Powell y Neil Murray en la batería y bajo respectivamente de Black Sabbath, sin olvidar que ambos fueron compañeros con Airey en los 70's en la banda de Cozy, y luego Murray y Airey en Colosseum II y más tarde en Whitesnake. Powell por su parte sería el baterista más recordado de Rainbow (donde tocaría junto a los ex o futuros miembros de Deep Purple: Roger Glover, nuevamente Don Airey y Ritchie Blackmore) y más tarde reemplazaría Ian Paice en Whitesnake, compartiendo una vez más banda con Murray y estando al lado de otros ex - Purple como Jon Lord y David Coverdale, y también anteriormente lo enconmtramos colaborando con Jon Lord en varias oportunidades (entre ellas en el album "Line Up" de otro ex-Rainbow como Graham Bonnet) y coincidiedo en otras tantas con Don Airey.
También se puede mencionar el fugaz paso por Sabbath del primer bajista de Rainbow, Craig Gruber (historia ya comentada en la entrada del album "Heaven And Hell").

Luego de su paso por Black Sabbath, The Voice Of Rock realizaría junto a Tony Iommi tres albums, contando uno en sus dos versiones, ambas con Airey en teclados (la segunda y oficial con Geoff Nicholls agregando algunos), la original bootleg con el ex compañero de Hughes en Finders Keepers y Trapeze y luego miebro fundamental de Judas Priest en los 80's, Dave Holland en batería y la editada oficialmente con Jimmy Copley (otro conocido de la familia que trabajo con Roger Glover, Ian Gillan, Glenn Hughes y en M3 con Bernie Marsden, Micky Moody y Neil Murray recreando los clásicos de Whitesnake con el ex Black Sabbath Tony Martin en la voz) a lo largo del tiempo (pareciera que se unen cada 10 años) y Tony colaboraría junto a Gillan y Lord.
Pero entre las familias de Black Sabbath y Led Zeppelin no hay colaboraciones (más allá de que Robert Plant estuvo cerca de ser cantante de la banda en los 80's) y entre Purple y Zep hay muy pocoas coincidencias, en los primeros 70's John Bonham era un gran fan de los Trapeze de Glenn Hughes y mantenían una estrecha relación, con Bonzo incluso subiendo a tocar con la banda en algunas oportunidades; luego en la segunda mitad de la década The Voice Of Rock, Tommy Bolin y Plant coquetearon con la idea de realizar algo juntos pero nunca pasó de eso, a fines de los 80's John Paul Jones estuvo colaborando de cerca (junto a Jon Lord) del proyecto Rock Aid Armenia, pero no participó de la grabación de "Smoke On The Water '90" donde sí estuvieron Blackmore, Iommi y Gillan; prácticamente la única relación es la participación de Cozy Powell en la banda de Robert Plant (junto a Paul Martinez, quien fuera bajista de Paice Ashtom Lord tras la disolución de Deep Purple en 1976) pero con el final de la primera etapa de Whitesnake en el Monsters Of Rock de Castle Donnington '90 se produce el germen de la única colaboración directa entre dos miembros de Purple y Zeppelin, David Coverdale y Jimmy Page comienzan a gestar lo que en 1993 sería "Coverdale-Page", y por esa colaboración es que hoy realizo esta entrada incluyendo en el blog el que en mi opinión es el mejor album de Led Zeppelin, uno de los albums que sin duda me llevaría conmigo si tuviera que ir a una isla y solo me permitieran llevar 5 discos, hablo de "Physical Graffiti" (tapa a la derecha), para mi (y aún en mi fanatismo por Deep Purple), el mejor album de rock que se haya grabado.

La tapa del album, diseñada por Peter Corriston (quien tiene parte de su trabajo de manera permanente en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, la más grande e importante del mundo, y además trabajo para Billy Idol, Chick Corea, Carole King, Debbie Harry, George Benson, The J. Geils Band, Jethro Tull, Mick Jagger, New York Dolls, Pat Benatar, Procol Harum, Rod Stewart, The Rolling Stones y Tom Waits), fue nominada al premio Grammy en 1976 por "Mejor Diseño de Portada". Y sobre la portada, todos sabemos que la delantera mostraba el edificio (luego en 1981 utilizado por los Rolling Stones para el video de "Waiting On A Friend") de día y la trasera el mismo edificio por la noche, pero en el interior aparece la portada con fotos en las ventanas (abajo a la derecha), y estas fotos fueron tomadas por Roy Harper (el artista folk británico que es una influencia en Jimmy Page y el resto de la banda, y que en su debut discográfico tuviera como colaborador a Ritchie Blackmore en la guitarra, album que pronto será comentado en el blog) junto con el DJ y fotógrafo BP Fallon.

El album tardo más de lo común en grabarse, las grabaciones comenzaron en noviembre de 1973, luego de la gira de "Houses Of The Holy", pero rápidamente quedaron estancadas pues John Paul Jones no estaba seguro de seguir en la banda cansado de las presiones para grabar y salir de gira en la que es la segunda banda más taquillera de la historia luego de los Beatles, el multi-instrumentista pensaba tomar el puesto de director de coro de la Catedral de Winchester, una de las más importantes de Gran Bretaña y con la nave gótica más grande de Europa, luego de debatirse entre seguir en la banda o dejarla, Jones vuelve a reunirse con Page, Plant y Bonham en enero de 1974 en Headley Grange reiniciando las sesiones de composición del album. Las sesiones son exitosas y en febreo ya tenían ocho temas nuevos grabados y un problema, la suma de tiempos de los temas excedía a la que se podía dejar en un LP común, pero era escasa para uno doble, de modo que recurren a outtakes de los albums anteriores y deciden editar un album doble, que se convertiría en el 4º album doble más vendido de la historia de los Estados Unidos, consiguiendo 16 albums de platino, o 1 de Diamante y seis de Platino (solo lo superan "The Wall" de Pink Floyd con 23 Platinos; "Double Live" de Garth Brooks con 21 y "1967-1970", la recopilación de los Beatles con 17). En otros mercados también logro certificaciones, como el doble platino en Gran Bretaña o el oro en Francia, Argentina y Alemania; llegando a más de 15.000.000 de copias en todo el mundo (los albums dobles contabilizan 500.000 copias para ser certificados platino por la R.I.A.A., de allí que los 16 platino signifique 8.000.000 de copias en los Estados Unidos a diferencia de un album simple donde serían 16.000.000).

"Physical Graffiti" salio a la venta el 24 de febrero de 1975 y estuvo 6 semanas seguidas en el Nº 1 de Billboard y una semana en los charts de Gran Bretaña. En una encuesta de la revista "Popular 1", a la que suelo adherir como ya comentara más arriba, se lo considero el mejor album de rock de toda la historia. Ademas el furor del album motivó que Led Zeppelin lograra un record difícil de igualar, los seis albums de la banda hasta ese momento ingresaron en el Billboard 200.

Se edito el single "Trampled Under Foot/Black Country Woman" (tapa a la izquierda) que llegoal Nº 38 del Billboard Hot 100. En Tailandia se edito como una rareza el EP "Boogie With Stu/Custard Pie/Night Flight/Down By The Seaside" para el que se utilizó la foto de la parte interior del album (con fotos de Harper) en la que se repartieron los nombres de las cuatro canciones en los entrepisos y que hoy se consigue al módico valor de € 100, También fueron editados en este país los singles "The Rover/Trampled Under Foot" (casi imposible de conseguir), "In My Time Of Dying (Part 1)/In My Time Of Dying (Part 2)/Houses Of The Holy".

El disco 1 comienza con: "Custard Pie" que es uno de los temas originales para el album, un blues rock de tono hard, con un riff fantástico, un acompañamiento magistral de Jones y un gra solo de harmónica a cargo de Plant. "The Rover" es otra impresioonante muestra de los riff de Page y la solvencia de Jones, con un Bonzo haciendo siempre lo inesperado, demostrando porqué es uno de los más grandes sino el más grande baterista; el tema original fue realizado durante las grabaciones de "Houses Of The Holy", pero era de tonoacústico, durante las grabaciones de este album Page realizó algunos overdubs y el tema tomoel rumbo más rockero y potente final. Luego llega un clásico del gospel que llega desde la década del '20 (la versión más vieja con el nombre de "Jesus Goin' A-Make Up My Dying Bed" ya era conocida en 1924 y en 1927 aparecía una de las primeras versiones grabadas, por Blind Willie Johnson bajo el nombre de "Jesus Make Up My Dying Bed"), "In My Time Of Dying", Dylan la grabo en su album debut de 1962 y Zep realizo su versión para este album, convirtiéndose en el tema más extenso grabado por la banda en toda su historia, basada principalmente en la versión de Johnson, el resultado es un tema blusero que se nos pasa rapidísimo, con unas guitarras slide preciosas de Page; fue uno de los temas de Led Zeppelin que fueron tocados en vivo en la gira de Coverdale-Page. "Houses Of The Holy", grabada como uno puede imaginar durante las sesiones para el album del mismo nombre, a diferencia de "The Rover" no tuvo que adicionarse nada al tema sino que aparece tal cual su versión original, un funk rock fantástico. "Trampled Under Foot", el tema está inspirado en el blues de Robert Johnson "Terraplane Blues" pero es de un tono funk, Jones dijo que la inspiración de los teclados, que manejan el tema, está en el clásico "Superstition" de Stevie Wonder. Luego llega un clásico monumental como "Kashmir", con su tono cíclico y melodías orientales, un tema pegadizo con la banda en climax que pese a su extensión no obtuvo probleams para ser un clásico de las radios (que normalmente no deseaban temas de más de 4 minutos, menos de la mitad de este), sin duda una de las canciones más importantes de la historia del rock. El CD 2 comienza con "In The Light", un trabajo que nuevamente muestra a Jones en todo su esplendor como tecladista, con una intro misteriosa y prometedora a la que primero se suma la voz de Plant (para el que se trata de uno de los mejores momentos de la carrera de Zeppelin, y quien siempre deseo tocarla en vivo pero Jones se opuso debido a la imposibilidad de reproducir el sonido exacto de los teclados, pese a lo cualo en el "Live At The Greek" de Page con The Black Crowes fue tocada e incluida como bonus track en la versión japonesa del album), Great White la incluyo en su tributo a Zeppelin "Great Zeppelin: A Tribute To Led Zeppelin". Luego llega un momento melódico, reflactivo, de relax, inspiradíso de un Page haciendo mágia con la guitarra acústica, "Bron-Yr-Aur", el tema más antiguo del album, grabado durante las sesiones de "Led Zeppelin III", y así como "In My Time Of Dying" es el tema más extenso grabado por Zeppelin, éste es el más corto. "Down By the Seaside", originalmente era un tema acústico iniciado en febrero de 1971, luego para las sesiones de "Led Zeppelin IV" fue cambiado para darle un tono éléctrico pero quedo descartado; es un team con partes melódicas, dominadas por las guitarras de Page y delicados tecalados de Jones con otras más rockeras. "Ten Years Gone" es uno de mis temas preferidos de Led Zeppelin, originalmente Page deseaba realizar un tema acústico y realizo la inmensa trama sonora del tema, pero luego se decidió agregar la voz de Plant quedando esta balada impresionante; uno de los temas preferidos de Page, unca había sido realizado en vivo por Zeppelin por la imposibilidad de sonar siquiera parecido en vivo con ua sola guitarra, de modo que cuando toco con los Black Crowes, con dos guitarras más para realizar la versión, fue tocada e incluida en "Live At The Greek" (versión que alcanzaría el puesto Nº 33 del Hot Mainstream Rock Tracks Chart de Billboard en el año 2000). "Night Flight", compuesta mayormente por Jones para "Led Zeppelin IV" es un tema alegre, comandado por los teclados con Plant realizando una tarea fenomenal. "The Wanton Song" es un rock un tema muy rockero, con algún tono funk, Page realiza una cátedra de guitarra para hard rock a lo largo de todo el tema (deja un excelente solo además) y la base Jones/Bonham se admira en todo su esplendor. "Boogie With Stu", si no me equivoco es el único tema de Zeppelin con un compositor extra en los créditos (obviamente hablo de los temas compuestos por la banda, exclueyndo los covers), cuenta con la ayuda de Ian Stewart (co-fundador de los Rolling Stones) en el piano y la composición, orginalment fue un jam durante las sesiones de "Led Zeppelin IV" y según Page el resultado fue tan excelente que no podía dejarse pasar, un boogie rock impresionante, un problema de regalís surgio cuando se anotó en la composición a la madre de Ritchie Valens debido a que la letra estaba inspirada en "Ooh, My Head" y Plant había escuchado que la madre del cantante nunca habia recibido ninguna regalía por los temas del hijo, luego Kemo Music reclamó regalías por toda la canción en una jugada cuando menos muy sucia. "Black Country Woman" había sido grabada durante las sesiones de "Houses Of The Holy", fue grabada en el jardín de la casa de Mick Jagger y al comienzo puede escucharse a Eddie Kramer preguntando a Page "Shall we roll it Jimmy? We're rolling on what, one, no, one again", se trata de un blues/rock electro-acústico, al igual que en el caso de "Custard Pie" hay un solo de harmonica. El final de esta biblia del rock es con el rockero "Sick Again".

Excelente album, el punto culminante de una banda fundamental e inmortal, como irónicamente dijo Nuno Bettencourt: "es injusto, Page se robo el libro de los riffs y los uso todos en "Physical Graffity", de allí en más a los guitarristas no nos quedo sino parecernos a él".

"Heaven And Hell" Balck Sabbath (Ronnie James Dio - Rainbow; Black Sabbath - Don Airey - Ian Gillan - Glenn Hughes; ¿Craig Gruber? - Rainbow)

2011-08-08T17:04:00.023-03:00

"Heven And Hell" (tapa a la derecha), el primer album de Ronnie James Dio con Black Sabbath es un album monumental, uno de esos trabajos que nunca pueden estar lejos de una colección si uno verdaderamente se considera un melónamo.

Los problemas de la dupla Tony Iommi y Geezer Butler con Ozzy Osbourne ya venían desde bastante tiempo atrás (recordemos que luego de la gira de "Technical Ecstasy", cuando comezaba las tareas de composición en noviembre de 1977 para lo que sería "Never Say Die!", la banda había comenzado a ensayar con el cantante de Fleetwood Mac, Dave Walker y no con Ozzy, ya comentado en el blog por la presencia de Don Airey en el album) pero es a comienzos de 1979 (tras la gira de "Never Say Die!" y poco después de comenzar las tareas de composición para el nuevo album) cua-ndo Iommi le encarga la tarea de despedir a Osbourne a su amigo Bill Ward (algo que en más de una oportunidad Ozzy ha mencionado como una bajeza de parte de Iommi), el problema era que la expulsión de Ozzy tenía como motivos su falta de ideas (además del consumo de drogas y alcohol) y la presión de la discográfica para realizar un nuevo trabajo, pero ahora la banda estaba sin cantante a la vista, paradójicamente es Sharon Arden (hija del mánager de la banda, Don Arden, y futura esposa de Ozzy) quien trae la solución, Ritchie Blackmore había expulsado a Ronnie James Dio de Rainbow, y dificilmente existiera dando vueltas un cantante de su nivel desocupado, así las cosas Dio se convierte en cantante de Black Sabbath.

Obviamente, hoy en día a la distancia, además de la relación de Ronnie con Ritchie Blackmore y Rainbow, que es la primer relación en que pensamos (en un 99 % de las veces cuando menos) no podemos olvidar los aportes de Don Airey a Sabbath (como ya mencionara más arriba en "Never Say Die!", album ya comentado) y obviamente los más notorios de Ian Gillan y Glenn Hughes poniendo las voces en "Born Again" y "Seventh Star" respectivamente (todos no existentes al momento de grabación del album), y por supuesto no podemos olvidar los aportes de monumental Cozy Powell a la batería de Sabbath o de Neil Murray al bajo; pero aquí hay otro elemento fundamental en lo que hace al sonido y estilo del album y que lo relaciona con Deep Purple (y Rainbow) y es la contratación de Martin Birch (Deep Purple, Rainbow, Whitesnake, Iron Maiden, Jeff Beck, Fleetwood Mac, Faces, Jon Lord, Peter Green, Gary Moore, Paice Ashton Lord; Roger Glover, Michel Schenker Group, Cozy Powell, Blue Öyster Cult, Wishbone Ash) como productor del album (el productor/ingeniero más relacionado con la familia por lejos, salvo la chicana de incluir a Roger Glover en la lista, jaja), detalle que junto a la presencia de Dio le otorgo a este album y el siguiente un sonido muy "rainbownizado".

Llendo al album de manera directa debemos empezar por tratar los problemas en que se gestó, el inicio de las sesiones de composición fue con el cuarteto original pero rápidamente Ozzy fue despedido por falta de ideas y problemas personales (decir que solo fue por sus excesos en una banda plagada de excesos es muy simplista como bien declaro Bill Ward) y aparentemente todo (lo mucho o poco) lo compuesto fue desechado.

Luego Geezer deja la banda inmerso en los mismos problemas de adicciones y en medio de un divorcio, en su reemplazo llega otro ex-Rainbow como Craig Gruber (que había sido compañero de Dio ya desde las épocas del segundo y tercer album de ELF; "Carolina County Ball" y "Trying To Burn The Sun" y que hablando de la familia fue compañero de Ian Paice en el en vivo "We Want Moore" de Gary Moore) y con él ciertas dudas sobre los creditos de composición, Gruber se adjudica la composición de "Die Young", Iommi por su parte negó cualquier participación de Gruber en el album, pero en los 90's reconoció que tuvo un pequeño paso por la banda en esa época; Ward dice no recordar nada de las grabaciones a causa de su adicción al alcohol y por lo tanto pese a la típica adjudiciación en los albums de la banda a todos sus miembros bajo el "escritos y arreglados" queda bastante claro que salvo las dudas que pueden despertar "Die Young" (que dice haber co-compuesto Gruber) y "Neon Knights", última composición para el album y en la que Butler hizo algunos aportes, todos los temas son de la dupla Iommi/Dio excepto "Heaven And Hell" donde Iommi ha reconocido que la línea de bajo fue compuesta por Geoff Nicholls.

Sobre la ejecución tampoco está todo claro con respecto al bajo, Gruber dice que la mayor parte de las líneas de bajo del album fueron grabadas por él, Butler regreso cuando ya todo estaba terminado salvo, como ya comentara "Neon Knights" de modo que todo puede ser tal vez se grabaran los temas a medidaque iban saliendo como que no, pero aún así no parece muy factible la versión de Gruber pues en el album "Heaven And Hell" hace su primera aparición en la banda Geoff Nicholls en los teclados pero (cercano a lo declarado por Iommi en los 90's) el estilo de Gruber no le convencio y por lo tanto recurrió para el puesto de bajista a su amigo Geoff que era guitarrista/tecladista de la banda Quartz, a la cual Iommi le había producido su primer album y llevado de gira junto a Sabbath (con AC/DC como soportes) además de lograr que participaran en el tema "Circles" su amigo Brian May en guitarra y Ozzy en coros; visto así el tema habría que darle la razón a la versión oficial de la banda, cuando regresó Butler todavía no se había grabado nada y Nicholls se mudo a los teclados sin aportar en las grabaciones del bajo (pero sí en la composición de la monumental línea de "Heaven And Hell", similar aparentemente a "Mainline Riders" de Quartz, ejecutado de Derek Arnold no por Nicholls que pese a lo que algunos piensan no era el bajista de la banda sino, como ya mencione antes, guitarrista y tecladista).

De modo que la única duda con fuerza verdadera sobre los aportes de Gruber al album sería la composición de "Die Young".

El album se convertiría en un éxito arrollador, siendo el más vendido de la historia de la banda en Gran Bretaña y el tercero a nivel mundial (solo es superado por "Paranoid" y "Master Of Reality").

El arte de tapa fue realizado por Lynn Curlee, un artista que no se dedicaca a realizar portadas de albums pero cuatro años antes había realizado el arte de tapa para "Agents Of Fortune" (uno de los más exitosos albums de la carrera de Blue Oÿster Cult, si no el más exitoso), a la hora de realizar el arte de tapa, Sandy Pearlman, manager de Black Sabbath y en 1976 de Blue Oÿster Cult, decide llamar a Curlee para realizarle el encargo y se decide tomar una pintura de 1979 llamada "Smoking Angels" (reproducción abajo a la izquierda) a la que solo se le quita una parte del angel de la derecha y se le agrega el nombre de la banda y el album. Según Curlee la pintura solo se expuso una vez en la "Dunaway O'Neill Gallery" en Santa Monica (propiedad de la actriz Faye Dunaway y el fotógrafo Terry O'Neill) antes de convertirse en la famosa tapa, y luego fue comprada por un miembro de la banda y desaparecer del mercado.

Las grabaciones se realizaron en Criteria Recording Studios de Miami, Florida con algunos adicionales en Studio Ferber de Paris entre el 1º de octubre de 1979 y el 1º de enero de 1980 con Martin Birch como productor e ingniero de sonido y se edito el 25 de abril de 1980 por Vertigo en Europa y Warner Bros. en Estados Unidos (Phillips realizo la edición para Yugoslavia). Se reedito en 1983 por Vertigo y ese mismo año remasterizado y por primera vez en CD por Karussell Records. En febrero de 1996 nuevamente remasterizado es editado por Essential/Castle. Sanctuary hizo lo propio en 2004 en Gran Bretaña y en julio de 2008 Warner/Rhino lo editan como parte del Box Set "The Rules Of Hell", y en octubre del mismo año Rhino lo edita de manera separada como CD y LP.

El album alcanzo el puesto Nº 9 de las listas de Gran Bretaña y el Nº 28 del Billboard 200; logrando el album de oro en Gran Bretaña (único en lograrlo en la historia de la banda) y la certificación de platino de la R.I.A.A. Se editaron los singles: "Neon Knights/Children Of The Sea (live)" (tapa arriba a la izquierda) que llego al Nº 17 del Mainstream Rock Track Chart de Billboard y al Nº 22 de las listas británicas, y "Die Young/Heaven And Hel (live)" (tapa a la derecha) que alcanzo el puesto Nº 41 de las listas británicas.

Se realizaron videos de "Die Young" y "Neon Kgnights" pero son grabaciones en vivo con el audio superpuesto y con Vinnie Appice en la batería, es decir de la segunda parte de la gira del album.

El inicio es con "Neon Knights" que de entrada muestra el cambio de estilo de la banda, unos Sabbath más directos, menos densos y exploradores que en la época de Ozzy pero magistrales de la mano de un Dio fabuloso y melódico, riff pesado, tiempos rápidos, gran solo y una base rítmica impecable para un tema imprescindible que fue versionado y puesto en un album entre otros por Queensrÿche e Iron Savior. Luego llega la primenr canción compuesta por Iommi/Dio, "Children Of The Sea", con un inicio acústico de Iommi y un Dio dulce y suave que presagia la explosión fabulosa que se avecina, un riff bien Sabbath, una línea de bajo estupenda, un Geoff Nicholls que pone unos telclados épicos maravillosos y nuevamente un Dio que pone la piel de gallina; Bruce Dickinson dijo que "Children Of The Damned" (de otro album que es pilar del hard rock/heavy metal como "The Number Of The Beast") fue inspirado en este tema. "Lady Evil" comienza con un Butler aplastante y luego Tony le suma un riff excelente y un fraseo fantástico, Dio no para de sorprender con una tarea que conjuga melodía, fuerza y misterio. Luego es turno del etma que da título al trabajo, "Heaven And Hell", fabulosa de principio a final, por los tiempos pausados, la tarea de Iommi y la extención probablemente el tema más similar a la era Ozzy realizado por Dio, pero con la impronta personal de Ronnie; que por cierto lo consideraba su obra maestra, y eso en alguien que tiene un repertorio que incluye temas como "Man In The Silver Mountain", "Stargazer", "Long Live Rock 'n' Roll", "Neon Knights", "Turn Up The Night", "Voodoo", "Holy Diver", "Rainbow In The Dark" y una lista interminable más, ya es mucho decir; en la gira del "Big Four" (Megadeth, Metallica, Anthrax, Slayer) Anthrax versionaba el tema y está incluido en el "Grand Theft Auto IV"; Manowar realizo el tema en el album "Magic - A Tribute To Ronnie James Dio"; en incluso los glamorosos cristianos y multimillonarios en ventas Stryper hicieron su versión del tema y la incluyeron en su album "The Covering". Más rapidez, una línea de bajo excelente y un Dio en esplendor llega con "Wishing Well" con su "recuerdo" a Ritchie en la línea "Then Think Of A Rainbow". Luego llega el otro single, "Die Young" que tras la intro de teclados y el fraseo de la guitarra deja otro tema impresionante pero más en el estilo de NWOBHM que en el de los viejos Sabbath, Robb Flynn de Machine Head versiono el tema de manera acústica. "Walk Away" es un team excelente, rápido pegadizo, con Butler dando clase pero, por lo menos a mi gusto, el tema más anti Sabbath, si uno entiende a Sabbath por esas atmósferas densas y oscuras, repito que por lo menos a mi gusto, este tema me transmite alegría y evoca claridad, playa, todo lo contrario al común de Sabbath. El final es con "Lonely Is The Word", un tema lento, en la línea de algunos blues de Sabbath en los 80's, fue versionado por Jørn Lande en el album "Unlocking The Past".

Solo se puede decir una cosa de "Heaven And Hell", Excelente.

"The Final Countdown" Europe (John Norum; John Levén; Ian Haugland y Mic Michaeli - Glenn Hughes; Levén; Haugland y Michaeli - Brazen Abbot)

2011-07-27T11:29:00.021-03:00

Como suele suceder cuando el éxito masivo es alcanzado por una banda, muchos, incluidos sus fans, suelen decir que se "vendieron", se volvieron comerciales o blandos y demás cosas por el estilo, eso es exactamente lo que le ocurrió a Europe con su tercer album, el multimillonario en ventas "The Final Countdown" (tapa a la derecha), album que ingreso en los top ten de los principales mercados mundiales y en muchos de ellos alcanzó el Nº 1 además de producir 5 singles (tres de ellos ingresaron en el Billboard Hot 100; uno en el Top Ten y otro en el Top Five).

John Norum no estuvo muy conforme con la mezcla final del album pues loss teclados tapaban a las guitarras rítmicas y poco después abandona la banda para unirse a las filas de guitar heroes promocionados por Mike Varney e iniciar su carrera solista, dejando su lugar a quien fuera su técnico de guitarra y colaborador del cantante Joey Tempest en otros proyectos, Kee Marcello. Finalmente la banda se disolvería en 1992 con la baja de ventas y las intenciones de Tempest y Marcello de iniciar carreras solistas.

A fines de los 80's se produce la primera unión entre la familia purpura y los integrantes de este legendario album de Europe, George Lynch había tenido problemas con Don Dokken y como resultado en marzo de 1989 una de las bandas más exitosas de los 80's, Dokken, se disolvía. Don no deseaba continuar con Dokken y emprende un proyecto con Norum y Glenn Hughes, de más está decir que tanto Norum como Dokken son conspicuos fanáticos de Deep Purple (de hecho han participado de tributos a la banda), el trio comenzo a componer pero The Voice Of Rock aún estaba en su etapa más negra y deja todo en ascuas con lo que fuera de los demos que se pueden encontrar dando vueltas solo llego a editarse con la firma de Glenn el tema "When Love Finds A Fool" en el album "Up From The Ashes" (album que salió como solista de Don Dokken con Norum como guitarrista) que fue firmado por él y Dokken y tiene sus coros (y que ya fuera comentado en el blog). Poco después Don Dokken comienza a escribir otro album que terminaría siendo el de la reunión de Dokken y la banda que lo había acompañado en "Up From The Ashes" sigue junto a Norum, que necesitado de cantante vuelve a convocar a Hughes que esta vez, ya recuperado, graba todo el album "Face The Truth" de 1992 (también ya comentado en el blog) pero la cosa no continúa pues en ese mismo año llegaría el album de la recuperación de Glenn "L.A. Blues Authority Volume II: Glenn Hughes – Blues", donde John aportaría algunas guitarras (también ya comentado en el blog). Dos años después serían el bajista John Levén; el baterista Ian Haugland y el tecladista Mic Michaeli quienes tocarían junto a Hughes en "From Now On..." de 1994 y "Burning Japan Live" del mismo año. Al año siguiente los tres músicos volverían a grabar con Hughes al año siguiente en el debut del proyecto de Nikolo Kotzev, Brazen Abbot, proyecto donde también participaría Joe Lynn Turner a partir del segundo album.
En 1994 Norum y Hughes realizan una versión aplastante de "Stormbriger" para el tributo a Deep Purple "Smoke On The Water: A Tribute".
"Live And Learn", el debut de Brazen Abbot, sería la última colaboración entre Michaeli y Haugland por un lado y Hughes por el otro, pero luego se uniría Leven y los tres ex-Europe siguirian con en la voz JLT en los susesivos trabajos de la banda: "Eye Of The Storm" de 1996, "Bad Religion" de 1997 y "Guilty As Sin" de 2003.

En 2001 Michaeli, Haugland y Leven participaron junto a Hughes y Turner (y en este caso podríamos agregar como parte de la familia a Doogie White que también pone la voz junto a Hughes y quien fuera su antesesor en Rainbow) de la opera rock "Nikolo Kotzev's Nostradamus".

Pero regresando a Europe recordemos que la banda venía peleando por conseguir un contrato discográfico desde 1979 bajo el nombre de Force, por esas épocas un par de miembros se intercambiaron entre la banda liderada por Tempest y Norum y la de Yngwie Malmsteen, finalmente en 1982 la novia de Tempest los inscribe en el concurso Rock-SM, logrando el primer puesto y a su vez los premios al mejor cantante y mejor guitarrista con lo que logran su primer contrato discográfico y cambiando su nombre por el de Europe. El debut llega como cuarteto en 1983 (recién en 1984 ingresaría Michaeli como tecladista y primeramente solo como apoyo en vivo haciendo las partes que en estudio grababa Tempest) y logra gran repercusión en Suecia y Japon donde el single "Seven Doors Hotel" se convierte en su primer hit llegando al Top Ten nipon. El seundo album, editado en 1984 es esperado con más atención por el público y la industria, y tras dejar otro hit con "Open Your Heart" CBS Records les ofrece un contrato internacional. Por esa época la banda participa de la película "On The Loose" y realiza un EP con parte de la música del fiml al mismo tiempo que el baterísta Tony Reno es reemplazado por Ian Haugland; en el Ep se encontraban los temas "Rock The Night/On the Loose/Broken Dreams", dos de los cuales sería untilizados para el siguiente album.

En un principio la banda se dividía entre contratar a Dieter Dierks (Scorpions, Accept), un productor más cercano al sonido que venía teniendo la banda; o Bruce Fairbairn (Blue Öyster Cult, Bon Jovi, Poison, Aerosmith, AC/DC, Scorpions, Van Halen, Chicago, INXS, KISS, Yes) que le diera un tono más cercano al gusto americano a su debut internacional; sin embargo Epic Records (la división de CBS que editaría el album) sugiere a Kevin Elson (Journey, Lynyrd Skynyrd, Eric Martin, Mr. Big) que se convertirá en el productor del album.

Las grabaciones comenzaron en septiembre de 1985 y se extendieron hasta marzo de 1986 utilizando los Powerplay Studios, de Zürich; Soundtrade Studios, de Estocolmo; Mastersound Studios, de Atlanta; y los Fantasy Studios, de Berkeley. La producción como ya comentara fue de Kevin Elson y se editó el 26 de mayo por Epic Records. El album llegaría al Nº 8 del Billboard 200 y alcanzaría el triple platino de la R.I.A.A., por su parte se editarían 5 singles "The Final Countdown/On Broken Wings" (tapa arriba a la izquierda), "Love Chaser/Carrie" (utilizado como banda sonora en la película japonesa "Pride One"; tapa a la derecha y un año después reeditado pero con las caras invertidas), "Rock The Night/Seven Doors Hotel '85 version" (tapas a la izquierda y derecha), "Carrie/Love Chaser" (tapa abajo a la izquierda) y "Cherokee/Love Chaser". Se realizaron videos de promoción de los cuatro singles cara A editados en Estados Unidos (es decir salvo de "Love Chaser").

El album, además de llegar al Nº 8 del Billboard 200 fue Nº 1 en Suecia, Suiza y Francia, Nº 2 en Canada e Italia, Nº 4 en Noruega, Nº 5 en Austria, Nº 6 en Alemania y Nº 9 en Gran Bretaña.

Los singles fueron: "The Final Countdown" Nº 1 en 25 países, entre ellos Gran Bretaña, Italia, Francia y Alemania, Nº 8 del Billboard hot 100 y Nº 18 del Billbard Mainstream Rock Tracks; "Rock The Night" fue Top Ten en Italia, Suecia, Holanda, Suiza y Francia, quedando a las puertas en Austria y Gran Bretaña (Nº's 11 y 12 respectivamente) y en Alemania alcanzó el Nº 17; en Billboard llegó al Nº 30 del Hot 100 y al Nº 22 del Mainstream Rock Track; "Carrie" llegó al Nº 3 del Billboard Hot 100 (y al Nº 35 del Mainstream Rock Tracks), al Nº 9 en Canada, Nº 10 en Suiza, Nº 11 en Francia e Italia y Nº 22 en Gran Bretaña y Alemania; "Cherokee" llegó al Nº 72 del Billboard Hot 100.

Como ya comentara al inicio de la entrada, a pesar de las ventas millonarias del album (alrededor de 7 millones en todo el mundo, sin contar las ventas de los singles), John Norum no quedó conforme con el resultado por considerar que los teclados tapaban a las guitarras rítmicas y abandona la banda.

Por cuestión de tiempo (del que ando escaso en estos días) y también porque quien más quien menos todos conocen el trabajo, solo voy a mencionar los temas que componen el disco. El inicio es con el tema que da título al trabajo "The Final Countdown". "Rock The Night". "Carrie". "Danger On The Track". "Ninja". "Cherokee". "Time Has Come". "Heart Of Stone". "On The Loose". El final es con el que fuera single en Japón, "Love Chaser".

El resultado, si uno detesta el sonido más americano (y no escucho los dos albums anteriores de la banda) será que Europe es una banda de blandos comerciales, o cuanto menos coincidirá con la crítica de Howard Johnson en "Kerrang!" que apestado con el sonido de los teclados escribió: "Europe (no) es una mala banda, solo bandos y aburridos". Ahora si se tiene una mente menos fundamentalista es un album muy bueno.

"Seize The Rainbow" Sonny Sharrock Band (Abe Speller - Fandango)

2011-07-26T11:36:00.008-03:00

El guitarrista Sonny Sharrock fue un saxofonista frustrado, según sus propias palabras, tras escuchar a John Coltrane en el album de Miles Davis "Kind Of Blue" se dijo que desaba imitarlo pero su problema de asma se lo impidió por lo que tomo la guitarra y la utilizó con frases típicas de saxo, de hecho se ha definido a sí mismo como "un ejecutante de vientos con una jodida guitarra". En su estilo se fusiona la forma visceral de tocar de el saxofón de Coltrane con el estilo de Jimi Hendrix en la guitarra, detrás de su sonido siempre hay un resabio de blues.

Ya como guitarrista en 1966 aparece en el album "Tauhid" de Pharoah Sanders; en 1968 sería parte de la banda del revolucionario cornetista Don Cherry que grabaría en el festival de jazz de Berlin "Eternal Rhythm". En 1969 graba su debut solista, "Black Woman", al tiempo que inicia su relación con el flautista Herbie Mann grabando "Live At The Whisky A Go Go" (la primera de sus cuatro colaboraciones), y junto a Wayne Shorter graba el album "Super Nova" en el que comparte su trabajo con John McLaughlin en la guitarra; Chick Corea en teclados; Jack DeJohnette en batería y el mismo Shorter, con esa formación, de músicos que trabajaban para Miles Davis (de hecho en el album la mitad de los temas, "Water Babies","Capricorn" y "Sweet Pea" ya se habían grabado dos años antes con el segundo Quinteto de Miles Davis durante la sesiones de "Nefertiti", y en 1976 saldrían en el album de outtakes "Water Babies" del trompetista); y ese roce y la influencia ne la grabación del "Davis eléctrico" permiten que en 1970 el mismo Davis lo convoque para el último de sus tres monumentales albums que dieron forma definitiva a la fusion, "A Tribute To Jack Johnson" que saldría en 1971 (album que junto a "In a Silent Way" de 1969 son menos populares que el millonario en ventas "Bitches Brew" editado en el medio de los otros dos en 1970 y más accesible, pero en el gusto de muchos fans y críticos superior a los dos primeros). En este album Sharrock estuvo muchos años sin aparecer en los créditos pues la formación que aparecía era: Davis en trompeta; McLaughlin en guitarra; Herbie Hancock en organo; Steve Grossman en saxo tenor; Billy Cobham en batería y Michael Henderson en bajo; pero como solía grabar Davis en ese trio monumental de albums, el album se componía de solo dos temas, "Right Off" de casi veintisiete y "Yesternow" de veinticinco y medio, y en este tema hay una sección llamada "Willie Nelson" que comienza casi a los catorce minutos que fue grabada por otra formación, compuesta por Davis; Sharrock; McLaughlin; DeJohnette; Corea; Dave Holland (no el baterista de Trapeze y Judas Priest sino el afamado bajista de jazz) y Bennie Maupin en clarinete bajo más el actor Brock Peters que al final de la grabación se presentaba como Jack Johnson. Las sesiones de esta formación aparecieron en los créditos de las sesiones completas de esa grabación, "The Complete Jack Johnson Sessions" de 2003 en las que la formación tiene casi cincuenta minutos para explayarse. Tras esto las grabaciones comienzan a escasear, recién hay un nuevo trabajo en disco de Sharrock tres años depués, en 1973 con su última colaboración con Mann, en "Hold On, I'm Comin'", en 1975 llegaría su tercer album solista, "Paradise" (el segundo, "Monkey-Pockie-Boo", lo había editado en 1970) junto a su entonces esposa y colaboradora, la cantante Linda Sharrock, pero luego llegaría su divorcio y una ausencia en los estudios de siete años hasta 1982 con su solista "Dance With Me Montana" (que solo se editaría en 1986 por lo que para el público en su momento hubo nueve años sin albums de Sharrock), nuevamente desaparece hasta 1986 con "Guitar" y la creación de la extraña banda de lo que se denomino punk/jazz (aunque en realidad era free jazz), Last Exit, banda con la que edita el homónimo "Last Exit" y hasta 1990 editarían siete trabajaos más, al mismo tiempo como solista seguiría editando albums, e inclusive Ginger Baker (Cream) sería baterista de su banda en 1989, pero a lo que nos interesa aquí, en 1987, en el segundo album desde su regreso, aparece como baterista de su banda Abe Speller, quien fuera compañero de Joe Lynn Turner en Fandango.

"Guitar" había sido un album de guitarra sola encuadrado una vez más en el estilo en que mejor se movía Sharrock, la variante del jazz denominada "avant-garde", pero para "Seize The Rainbow" (tapa a la izquierda), el album en cuestión, Sharrock cuenta con Melvin Gibbs (un graduado del Berklee College Of Music que fue parte de la mayoría de los proyectos de jazz/rock en los 80's y 90's y miembro de Rollins Band) en el bajo (salvo un tema donde aparece el productor/colaborador /amigo/bajista/empresario, Bill Laswell); y dos bateristas Abe Speller y Pheeroan akLaff (uno de los bateristas emblema del avant-garde en los últimos 30 años, trabajando con gente como Henry Threadgill's Sextet, New Air, George Adams, Anthony Davis, James Newton, Cecil Taylor y Myra Melford) en batería.

El resultado es potente y con inclinación a la fusion, por momentos muy rockero lo que ha dado lugar a que algunos críticos sostengan que tiene influencias metálicas (al igual que el propio Sharrock), se ha dicho literalmente: "es sorprendentemente sencillo, heavy metal con tintes de jazz-rock, aunque por el calibre y calidad de los músicos es mucho más de lo que los virtuosos de guitarra (dentro del rock) de la época estaban grabando".

La producción fue de Bill Laswell (Bob Marley, Miles Davis, Mick Jagger, Motörhead, Yoko Ono, The Ramones, Iggy Pop), se editó el 1º de enero de 1987 por Enemy Records.

El inicio es con "Dick Dogs" (como todos los temas del album es firmado por Sharrock) y de movida Sharrock nos vuela la cabeza con un tema rockero con demostraciones impresionantes de los bateristas y el bajo, con unas guitarras cambiantes y virtuosas, intercalando riffs y fraseos con idéntica calidad, un tema que de inmediato convencerá al oyente. "My Song" es un tema más delicado, con una base impresionante acompañando a unas guitarras muy tranquilas en sus acordes y con unos fraseos muy pasionales. "Fourteen" es una fantástica experiencia musical de diez minutos, con tonos de free jazz, con las baterías, el bajo y la guitarra pareciendo ir en direcciones diferentes y hasta opuestas pero creando un clima hipnótico que nos hace perder la noción del tiempo. "J.D. Schaa" es otro tema rockero, con un inicio casi de tono progresivo y de a poco se adentra en la aguas del free jazz, con un trabajo de las bateías que a esta altura ya rompe las cabezas, gran calidad de los fraseos. Luego llega el tema que dió título al album, "Seize The Rainbow", un fantástico tema rockero, con muy buenos solos y la ya consabida base rítmica asombrosa. "The Past Adventures Of Zydeco Honeycup" tiene un tinte latino, con una excelente línea de bajo acompañando los fraseos de la guitarra y una tarea de las baterías más tranquila (pero no menos impactante) que en los temas anteriores. El final es con "Sheraserhead's Hightop Sneakers" en el que hay cambio de bajista, ingresa Laswell y sale Gibbs, otro tema rockero, aunque en esta oportunidad con influencia del funk, un cierre excelente para un disco fantástico.

Un muy buen album casi excelente, de un fusion jazz melódico y con solos de guitarra, directo, sin demasiados experimentos sonoros.

"Indulge" A'La Rock (Mickey Lee Soule - Rainbow; Roger Glover)

2011-07-22T20:53:00.013-03:00

Mickey Lee Soule, el tecladista original de Rainbow allá por 1975 cuando Ritchie Blackmore dejara por primera vez a Deep Purple y rápidamente tomara a Ronnie James Dio y toda su banda, ELF, a excepción del guitarrista pera su nuevo proyecto (foto de la formación original de Ritchie Blackmore's Rainbow con Micky sentado entre Craig Gruber a la derecha y Gary Driscoll a la izquierda) no ha grabado muchos albums, su primeros pasos fueron con ELF donde era junto a Dio el responsable musical de la banda, pero cuando se unió a The Man In Black quedó totalmente fuera de los créditos compositivos, y no solo eso sino que una vez grabado el album debut "Ritchie Blackmore's Rainbow" el hombre de negro expulsó a todos menos a Dio y Mickey siquiera pudo tocar una sola vez con la banda en vivo (según dijo en una entrevista Soule, http://www.kaos2000.net/interviews/mickeyleesoule/, él no fue expulsado sino que nunca estuvo muy cómodo con el estilo de Rainbow y a ello se sumo el hecho primero la expulsión de Gruber para que ingresara Jimmy Bain y sobre todo la de Driscol que era su mejor amigo para el ingreso de Cozy Powell, según Soule "la partida de Gruber no había caido bien pero en realidad el bajista no había estado mucho tiempo con ELF, de modo que se reunieron Dio, Driscoll y él y se dijeron que "Ritchie quería expulsar al bajista y no podían hacer mucho al respecto pero podían hacer un pacto entre ellos que venían tocando mucho tiempo atrás y mantenerse firmes juntos, pero unas semans después Ronnie se le acercó y le dijo, Ritchie quiere expulsar al baterista y no hay mucho que podamos hacer, hagamos un pacto y mantengámonos juntos los dos, en ese momento se dijo que los viejos tiempos habían terminado y se fue de Rainbow, de todas maneras dice que si bien no fue expulsado por Blackmore, si seguía en la banda hubiera sido el siguiente"). Antes había colaborado con Roger Glover poniendo la voz en el tema "No Solution" de su "The Butterfly Ball And The Grasshopper's Feast" (recordemos que Glover había sido junto a Ian Paice los produtores de ELF), y después de su salida de Rainbow, en 1976 se convierte en el reemplazo de Mike Moran en la Ian Gillan Band, pero solo realiza una gira por Francia antes de dejar su lugar a quien se convertiría en el principal colaboador musical de Ian Gillan en su primer etapa fuera de Deep Purple, Colin Towns. Según Soule la forma en que se había terminado ELF, la transformación en Rainbow y la forma en que Ritchie manejaba las cosas, el negocio de la música como el hecho de que según él nunca ha recibido regalias de los albums de ELF o Rainbow y las drogas que inundaban la escena se unieron con el nacimiento de su hijo para que se dedicara al teatro. Sin embargo Glover lo acercría varias veces a la música, primero en su segundo album solista, "Elements" en 1978, luego con el album de Eddie Hardin "Circumstantial Evidence" en 1982 pero pasarían ocho años antes de tener nuevas noticias de Soule cuandoen 1990 se une a David "Rock" Feinstein (primo de Ronnie James Dio y primer guitarrista de ELF, de hecho venía tocando con Dio desde la época de Ronnie & The Prophets, The Electric Elves y The Elves; y su album "Bitten By The Beast" fue el primer lanzamiento de Niji Records, el sello de Ronnie y su esposa Wendy, que no pertenecía a Dio) y Bob "Cat" Catalano (más conocido por su trabajo como productor y sus estudios, Bob Cat Studios) en guitararras; Joe Whiting (The Savoy Brown, y quien en 1982 con su banda Joe Whiting And the Bandit Band fue telonero de Van Halen) en voz y saxofón; Damien Torrey en bajo; Dave Salce (Blue Cheer) en batería y la colaboración de David Bordonaro (que ya había trabajado con Feinstein en la banda de los 80's The Rods) en bajo y saxofón para formar A'La Rock. Luego volvería a salir de la escena musical hasta que Roger Glover lo llama para ser parte del equipo de Deep Purple (Soule aclaró en varias oportunidades que nada tenía contra la banda, sino que su mala relación era con Tony Edwards quien como uno de los popes de Purple Records en los 70's y luego en los 90's de Connoisseur Records fue uno de los personajes que le hicieron renegar de la industria musical, recordemos que sostiene que nunca recibió un centavo de sus trabajos con ELF, editados por Purple y reeditados por Connoisseur), siendo colaborador de Jon Lord primero y luego de Don Airey (uno de sus sucesores en los teclados de Rainbow) y nuevamente colaboraría con Glover en sus albums "Snapshot" y "If Life Was Easy"; y con Gillan en "Gillan's In".

Pero a lo que esta entrada refiere tratará de "Indulge" (tapa a la derecha con Soule de pelo corto), el único album de A'La Rock (y el único donde aparece Soule que no fue comentado anteriormente en el blog pues todos los anteriores correspondían de una o otra manera a trabajos con alguno de los miembros de Deep Purple) que fue la única vez desde que se fuera de Rainbow en que Mickey volvió seriamente, como parte de una verdadera banda, al negocio de la música, después hubo algún rumor sobre el interes de Dio de reunir a ELF, pero lejos estuvo de concretarse.

Musicalmente que nadie espere una reedición de ELF con un cambio en la voz, a pesar que las dos caras más conocidas del trabajo son Feinstein y Soule, es decir la mano derecha de Dio en la composición y el guitarrista que fue parte muy importante del album debut, "ELF", casi la tercera pata de la banda; A'La Rock es (como puede inferirse de la tapa del album) una banda de hard rock con mucha inclinación al Glam, obviamente no son Poison o Bon Jovi pero están más cerca de ellos que de ELF, los amantes de género los comapran con Mama's Boys y por cierto Soule aporta poco y nada en la composición de este album.

Se editó por Nibelung Records en 1990 con producción de Feinstein y Catalano.

El inicio es con "Bad Boys Rockin' Again" que nos muestra de entrada el hard rock con tintes glamorosos que tendrá el album, riff rockero estribillos pegadizos con mucho apoyo de los coros; lo primero que nos llama la atención es que Feinstein no tiene nada que ver con el que escucháramos diesisiete años antes en "ELF", es un guitarrista agresivo, cortante, nada que ver con el r&b y r&r de los 70's, y por otro lado si Soule dijo no sentirse cómodo con el estilo de Rainbow allá por mediados de los 70's, debió sentirse muy incómodo aquí. "A'La Rock" es una intro de guitarras distorcioadas que sirve para dar paso a "Get Up And Rock N' Roll" es otro rock furioso, con estribillos pegadizos, y sobre una base 100 r&r clásico, demostraciones de fuerza de la guitarra con excelentes fraseos. "Gloria" es el cover del clásico de Van Morrison y grbado por primera vez con Them en 1964 y que consiguiera entre otros premios el ingreso al Hall de la Fama de Grammy y en el Hall de la Fama de las 500 Canciones que Dieron Forma al R&R (en este caso en dos versiones); la versión del album es mucho más fuerte en el sonido, con la voz muy similar a la de Van Morrison, en líneas generales muy acertada y pegadiza. "Party Time" es un tema clásico del glam más crudo, riff fuerte mucha guitarra, la batería marcando el ritmo y letra pegadiza. "Baby Get It On" tiene un sonido más de los 70's, con más r&b pero sin dejar de lado el glam, a lo T. Rex y las primeras bandas del glam. Luego llega "Rettie Or Not", otro tema corto, esta vez de organo, que sirve de intro a "Girls, Hot Cars, Hot Rock", un R&R rápido con un excelente piano de Soule y un ritmo bailable irresistible, gran trabajo de los vientos. "Sex Is Impatient" se inicia con la batería marcando el ritmo y luego ingresan las guitarras con un muy buen riff, los tiempos son medios y se destacan los fraseos y el muy buen trabajo de la batería. "Made In U.S.A." es un hard rock bien glamoroso, fuerte, entrador y pegadizo. "Love Doll" nuevamente nos lleva al glam más cercano a las viejas bandas de fines de los 70's que al que reventara charts a partir del avance de los 80's. El final es con "Everybody Needs Music", Soule mete una buena intro de teclaods y luego nos encontramos con un tema de estilo A.O.R., pegadizo y melódico,con interesantes aportes de los vientos.

Un buen album, para quien le guste el género muy bueno.

"Sitting On A Time Bomb" Kim Larsen & Jungledreams (Rick Blakemore & Abe Speller - Fandango)

2011-07-19T18:49:00.030-03:00

Fandango fue la banda que le permitió a Joe Lynn Turner convertirse en el cantante de Rainbow tras la salida de Graham Bonnet; además fue una muy buen banda de fines de los 70's, una banda que fue parte de las primeras épocas del A.O.R. americano y que además del hard rock como influencia supo tener exquisitas combinaciones de r&b y soul y más tarde con la inclusión de Santos como percusinista de fusion latina, pero salvo en el caso de JLT ninguno de sus otros miembros logró repercusión posteriormente, podríamos hacer la salvedad del último tecladista de la banda, Larry Dawson (aunque fue el tecladista del cuarto y último album de la Fandango, "Cadillac" en 1980, había sido parte de las grabaciones del segundo album, "Last Kiss" de 1978), quién posteriormente fuera parte de la banda de Uli Jon Roth (con quien también tocaría Don Airey más tarde), pero del resto nada se sabe, o poco se sabe mejor dicho.

No hay (o no tengo) mayor información de sus vida post-Fandango en el caso de los percusionistas Santos y Joe De Lia, el baterista Lou Mondinelli, el bajista Bob Danyls, o el que fuera uno de los puntales compositivos, el tecladista principal de los tres primeros albums, Denny LaRue; pero si en cambio la hay de dos de los miembros fundadores de la banda, el baterista Abe Speller, quien fuera parte de Fandango en el primer y cuarto album y del guitarrista y uno de los mejores amigos de JLT, el lamentablemente fallecido Rick Blakemore, y sobre ellos es esta entrada.
Fandango ya era historia para 1981 (tras la salida de Turner en 1980 para ingresar a Rainbow se había disuelto) y Blakemore junto a Speller se unen a uno de los rockeros más famosos de la historia de Dinamarca, Kim Larsen (su album "Midt Om Natten" es el más vendido de la historia de ese país escandinavo), el inicio de Larsen había sido en los 70's marcando con su banda Gasolin algunas de las bases de lo que sería el rock dinamarqués. A fines de los 70's, tras la edición de "Killin' Time" en 1978, Gasolin se disuelve y Larsen inicia su carrera solista de manera principal (ya había editado un album solita en 1973 en coincidencia con el tercer album de Gasolin "Gasolin' 3"), tras tres años decide probar suerte en el mercado americano en 1981 y se une al productor/tecladista y compositor (sobre todo para cine y televisión) Joe Delia (quien había sido colaborador de Fandango, componiendo junto a JLT y LaRue el muy buen tema "Life Of The Party" del album debut "Fandango" de 1977.
La sociedad con Delia duro dos album fue un éxito en Europa (incluido un N° 1 en Francia, discos de oro y platino y giras sold out) aunque no logró la esperada explosión en los Estados Unidos.

Los albums fueron: "Jungle Dreams" y posteriormente tomando como banda completa a sus acompañantes bajo el nombre de Kim Larsen & Jungledreams "Sitting On A Time Bomb" (tapa arriba a la derecha); lamentablemente Rick Blakemore moriría en un accidente automovilístico tras un show con la banda en Nueva York en julio de 1983.

La banda que grabo los albums estuvo conformada por Kim Larsen en guitarra y voz; Rick Blakemore en guitarra (solo el segundo); Abe Speller en batería; Dennis Espantman (solo el segundo, y luego ya en este siglo XXI se reencontraría con Speller formando la base rítmica del guitarrista/productor/compositor Jon Herington en su album "Like So", Herington es un reconocido sesionista que fue primera guitarra de Steely Dan, Randy Brecker, Michel Brecker y Jim Beard entre otros) en bajo; y Joe Delia en teclados (en la tapa del album, de izquiera a derecha: Blakemore, Delia, Larsen, Speller y Espantman, y el mismo orden en la contratapa a la izquierda).

La producción de ambos albums fue de Delia y como ingeniero de sonido en "Sitting..." encontramos a otro personaje cercano a la familia, en este caso que trabajo directamente con Deep Purple como es el caso de Thom Panunzio que produjo junto a Roger Glover "The Battle Rages On..." y el Box Set "Shades 1968-1998" (y además trabajo con una lista casi interminable de estrellas que incluye a Ozzy, Black Sabbath, Aerosmith, U2, Bruce Springteen, Tom Petty, Iggy Pop, No Doubt, Alice Cooper y un muy largo etcétera).

"Jungle..." se grabó en Secret Sound Studio de Nueva York durante 1980, y "Sitting..." en The Record Plant, también de Nueva York en 1982; el primero se editó en 1981, en tanto que el segundo en 1982, ambos en formato de LP y por CBS, ninguno dentro de los Estados Unidos. Se reeditaron en CD en 1989 por CBS. En el caso de "Jungle Dreams" se editaron como singles "Rock 'N' Roll City/The Flirt" (tapa a la izquierda) y "Donnez-Moi Du Feu/Jungle Dreams" (tapa abajo a la derecha); además se realizó un video de "Donnez-Moi Du Feu". En "Sitting..." los elegidos fueron "Time Bomb/Rock 'N' Roll City" (foto a la derecha), "Thin Ice/Til Tomorrow (Goin Downtown)" y "Rock 'N' Roll City/Sandman, Sandman".

En los Estados Unidos se realizó una edición que combina ambos albums (o para ser más precisos se cambió "Birds Of Prey" de "Sitting..." por "Rock 'N' Roll City" de "Jungle...") y se editó en lugar de ellos en 1982 bajo el nombre del segundo, "Sitting On A Time Bomb", el hecho fue motivado por la banda americana que acompañaba a Larsen (hay recordar que Fandango, si bien no logró un gran éxito, sí tuvo mucha presencia en las radios americanas y fueron teloneros de bandas como The Allman Brothers, The Marshall Tucker Band, The Beach Boys y Billy Joel y su éxito en las radios permitió que temas suyos se incluyeran en copilaciones con bandas taquilleras como Mr. Mister o Jeferson Airplane en la copilación americana de 1998 "Heard It On The Radio: FM Hits, Vol. 1") y el éxito en Europa de "Jungle Dreams" que había conseguido discos de oro y platino en todo el continente.

El estilo es de un pop/rock electrónico con alguna influencia disco, con prominencia de los teclados.

"Jungle Dreams" se integra por: "Rock'n'Roll City". "Tekamaki Sidewalk Stereo Machine". "The Flirt". "Still Love You". "Jungle Dreams". "The Boys". "Dreamer". "Donnez-Moi Du Feu". "Hunger".

"Sitting On A Time Bomb" se integra por: "'Til Tomorrow (Goin' Downtown)" es un tema rápido, comandado por los teclados, con la voz metiendo algunas melodìas pegadizas y un break con guitarras suaves. "Time Bomb" tiene un incicio muy en el estilo pop electrónico de mediados de los 80's, es de tiempos pausados y en los estribillos la guitarra mete un riff rockero. "Tangled Up In Blue" es un tema pop/rock con mayor protagonismo de la guitarra pero siempre con un estilo basado en los teclados. "Thin Ice" es un tema con alguna influencia punk, rápido y con buenos detalles de la guitarra. "Fly Away Into The Night" es una balada con muy buen trabajo de los teclados y para nada comercial. "Lonely Boy Tonight" es una joyita del pop de los primeros 80's, un tema pegadizo y con muy buenos arreglos. "Red Lights" tiene un estilo blusero que lo hace pegadizo, con un muy buen trabajo del piano bien acompañado por el resto de la banda. "Sandman, Sandman" es otro tema pop/rock comandado por los teclados, rápido y pegadizo. "Birds Of Prey" muestra otra vez el tono pop electrónico. El final es con "It's Showtime" que pese a que por el nombre podemos inferir un tema a puro ritmo por el contrarios es pausado y casi melancólico.

La edición americana se integra por: "Rock & Roll City". "Thin Ice". "Tangled Up In Blue". "Til Tomorrow (Goin' Downtown)". "Fly Away Into The Night". "Lonely Boy Tonight". "Red Lights". "Time Bomb". "Sandman, Sandman". "It's Showtime".

En lo personal el pop electrónico de los 80's, salvo las experimentaciones de Prince con los teclados en el primer lustro de la década, no me gusta (para pop prefiero el más rockero de U2 o INXS o el plagado de soul y jazz, derivado del estilo de Motown Records, con los incomparables Stevie Wonder y Michael Jackson a la cabeza) pero es un buen disco y tiene el "valor agregado" para un fan de Deep Purple, que permite seguir el rastro de algunos de los miembros menos conocidos de la familia.

Trabajos Extra-Purple "Call To Arms" Saxon (Don Airey)

2011-07-19T18:46:00.016-03:00

"Call To Arms" (tapa a la izquierda) es el decimonoveno album de Saxon una da las bandas pioneras de la New Wave Of British Heavy Metal junto a quienes se llevarían con el tiempo los mayores logros comerciales, Deff Lepard e Iron Maiden, y en esta oportunidad aparce como invitado Don Airey en los teclados.

Saxon ha pasado por varios cambios de formación y en este album solo quedan el cantante Biff Byford y el guitarrista Paul Quinn del quinteto que iniciara la historia en 1976 pero la banda muestra que sigue teniendo cuerda para seguir adelante con este muy buen trabajo y las tareas de Nigel Glockler en la batería (que a esta altura es casi como un miembro original pues está en la banda desde 1982), Timothy "Nibbs" Carter (en la banda desde 1989) y el "novato" Doug Scarratt en guitarra (en la banda desde 1996) hacen una tarea impecable y el quinteto en pleno es quien firma todos los temas.

En realidad estamos ante una lección de calidad a la hora de hacer heavy metal, una muestra a la bandas actuales que parecen haber perdido la brujula y no saben hacia dónde enfilar musicalmente; Saxon muestra un manual de riffs, un cantante que parece no sentir el paso de los años y unas bases potentes y demoledoras; a todo lo cual Don Airey le agrega su sello en sus dos participaciones. Matthais Ulmer se encargo de las orquestaciones.

Las grabaciones se realizaron en Brigton y Lincolnshire, en los estudios Brighton Electric Recording y los Chapel Studios respectivamente con la producción de Toby Jepson (que había puesto los coros en el album anterior de la banda, "Into The Labyrinth" fue cantante de Little Angels y actualmente de Fastway, otra banda con la que Airey colaboró en el pasado) y Biff Byford. Se editó entre el 23 de mayo y el 3 de junio de 2011 por Militia Guard Music, UDR y EMI dependiendo los mercados y regreso a la banda a los charts británicos después de 23 años de ausencia (el último album que lo había logrado fue "Destiny" en 1988) alcanzando el Nº 112 (que si bien está lejos del Nº 49 del mencionado "Destiny" y mucho más del Nº 5 de "Wheels of Steel" en 1980, no es despreciable teniendo en cuenta los años pasados sin poder ingresar); en Alemania alcanzó el puesto Nº 18; en Suecia el Nº 19; en Suiza el Nº 37 y en Austria el Nº 55. En cambio no logró chartear en Billboard. La edición de UDR se realizó en tres formatos, LP, CD y CD doble conteniendo los siete temas del set de la banda en Donington '80 cuando en el pico comercial de su carrera fueron uno de los teloneros de Rainbow en el primer Monsters Of Rock.

El inicio es con "Hammer Of The Gods", un hard rock bien potente y en la escuela clásica de la NWOBHM, un inicio impecable con una tormenta de riffs y un solo muy bueno, una base fuertísima y un Byford que parece no sentir el paso del tiempo. "Back To 79" es un hard rock pesado pero de tiempos medios, buen uso de los coros para dar potencia hacia el final y gran solo de cierre pero en líneas generales algo aburrido. "Surviving Against The Odd" vuelve a la mayor velocidad y el resultado se nota, parece que la banda se lleva mejor con la velocidad al estilo Judas Priest que con la densidad de Black Sabbath; impecable trabajo de las guitarras y una base impresionante con un bajo increible. "Mist Of Avalon" es un tema más melódico y trabajado, con arreglos orquestales y un estilo más a lo Rainbow. Luego llega el tema título del album, "Call To Arms", un tema oscuro y sinfónico, con una gran tarea de Airey y Ulmer en los arreglos orquestales, una joya. "Chasing The Bullet" es un tema de sonido más clásico, con un riff crudo, una base marcada y mucha potencia en la voz, con aires a AC/DC. Luego volvemos a la velocidad extrema con el potentísimo y genial "Afterburner" que tiene una tarea increible de Golcker en la batería y el resto en gran nivel. Don Airey regresa para "When Doomsday Comes (Hybrid Theory)" el primero de los temas del album para la película "Hybrid Theory", y no solo la presencia de Airey recuerda a Deep Purple, sino que por momentos parece una versión libre de "Perfect Strangers" y la sombra de Jon Lord parece seguir a Airey hasta aquí, de todas maneras es un tema excelente. Le sigue el otro tema para la película, "No Rest For The Wicked" y nada que ver con Ozzy salvo por el hecho de que es un tema muy potente y de tiempos marcados. "Ballad Of The Working Man" es hard rock clásico y setentero, un tema para no perderse. El final es con la versión orquestada de "Call To Arms", que pardójicamnte está menos orquestada que la primera.

Un muy buen album.

Trabajos Extra-Purple "If Life Was Easy" Roger Glover And The Guilty Party (Roger Glover - Don Airey)

2011-07-19T18:41:00.010-03:00

Roger Glover se toma sus tiempos para editar un trabajo solista, de su debut con el excelente "The Butterfly Ball And The Grasshopper's Feast" a su segundo trabajo, "Elements", pasaron cuatro años, desde éste al tercero, "Mask", pasaron seis y desde éste a su cuarto, "Snapshot" pasaron ocho (no cuento a su trabajo con Ian Gillan "Accidentally On Purpose" en 1988 porque no es un solista pese a que da toda la impresión de que musicalmente es un 90% suyo y un 10% de Ian que debe haber aportado las letras y tan solo un par de ideas para la música) pero las esperas entre uno y otro valen la pena porque Roger nunca defrauda y sus trabajos son de un altísimo nivel y siempre arriesgados pues lejos de explotar el estilo de Deep Purple se adentra en terrenos muy lejanos (lo que en muchos casos puede disgustar a más de un fan acérrimo del hard rock pero no al de la buena música). En este caso la espera entre "Snapshot" y su sucesor, "If Life Was Easy" (tapa a la derecha) fue de nueve años, en 2007 se había anunciado pero desde ese momento a la edición definitiva pasarían cuatro años, aparentemente por decisión personal de Glover.

En este nuevo trabajo vuelve a contar con The Guilty Party, compuestos por: Joe Bonadio como director musical, batería y percusión; Randall Bramblett (Elvin Bishop, Bonnie Bramlett, B.J. Thomas, Steve Winwood, Widespread Panic, Hydra, Sea Level, Gregg Allman) en voz, teclados y saxofón; Oz Noy en guitarra y sitar; Nicky Moroch en guitarra y Joe Mennonna (quien viene trabajando con Glover desde "Accidentally On Purpose") en vientos; como banda y además la colaboración de Don Airey en teclados, Gillian Glover en voz, Dan Cafferty (Nazareth) en voz, Pete Agnew (Nazareth) en voz, el francés Walther Gallay en voz, Mickey Lee Soule (Rainbow, Ian Gillan Band) en voz, Sahaj Ticotin (Ra, y famoso por haber grabado la nota más alta de un cantante masculino en un album de estudio con un Do Mayor, la nota más alta para un tenor, durante 24 segundos) en voz, Sim Jones en cuerdas y arreglos orquestales, el músico y productor Eliot Denenberg en batería y atmósferas de guitarra y Harvey Jones (Jerry Marotta, Robert Fripp, Sting, Paul Buchanen, Tony Levin and Carla Bley) en sintetizadores.

Glover dedicó el trabajo a la memoria de su madre y a sus hijas: Gillian y Lucinda, a su esposa Myriam. Y sobre el album comentó: "Esta colección o mezcolanza de canciones revela u oscurece una gama de emociones através de una década turbulenta, la separación, el divorcio, la injusticia, la incertidumbre, un nuevo amor, el escape, la paternidad, el ser abuelo, emigración, estar de gira durante la pérdida de mi madre son algunos de los extremos altos y bajos durante este período agitado y tormentoso. Todos fueron escritos donde sea que vivía (en una MacPro con ProTools y unos cuantos instrumentos y aparatos). Los músicos adicionales se agregaron en el estudio, según fuera necesario. Por cierto, el título se trata de una sutil ironía".

Se editó por Ear Music/Edel Records, primero en Alemania y Austria el día 8 de julio, en Rusia el11, en Francia el 18, en Italia saldrá el 26, en España y Suiza el 29, en Gran Bretaña y el resto de Europa el 1º de agosto, y en Estados Unidos el 6 de septiembre.

El album abre con "Don't Look Now (Everything Has Changed)" (Glover/ Ramblett) y con Randall Bramblett en voz, teclados y saxofón; Gillian Glover en coros; Roger Glover en bajo, baglama, guitarra y piano; Joe Bonadio en batería y percusión; Oz Noy en guitarra y Harvey Jones en sintetizadores; se trata de un tema reggae de clima calmado entretanido y con muy buenos aportes del saxo que es la estrella de la canción. "The Dream I Had" (Glover) Dan McCafferty y Pete Agnew aportan la voz; Roger Glover la guitarra, el bajo y la percusión; Joe Bonadio la batería y percusión y Oz Noy la guitarra slide; es un tema rockero, pausado y con mucho de folk, un tema al estilo zeppeliniano. "Moonlight" (Glover) Gillian Glover en voz; Roger Glover en fretless bass; Randall Bramblett en teclados; Joe Bonadio en batería y percusión; Oz Noy en guitarras; Joe Mennonna en vientos y arreglos de viento; es una balada de tono soul. "The Car Won't Start" (Glover) Roger Glover en voz, guitarra, harmonica, fretless bass, teclados, percusión, programación; Nicky Moroch en guitarra; es un tema de tono ska, un Glover inédito y divertido. "Box Of Tricks" (Glover) Roger Glover voz, bajo, guitarra, programación; Eliot Denenberg batería, atmosfera de guitarra; es un tema rockero y oscuro, con un Glover poniendo la voz grave y profunda, en un estilo a lo Gibbons en "La Grange" de ZZ Top pero con tonos de Iggie Pop. Luego llega el tema título del album, "If Life Was Easy" (Glover) con Glover tomando a su cargo, las guitarras acústicas y eléctrica, el fretless bass, la voz y la percusión, es un tema alectroacústico algo melancólico y de tono western. "Stand Together" (Glover/Bramblett) tiene a Randall Bramblett nuevamente en la voz y los teclados; Gillian Glover en coros; Roger Glover en bajo, teclaods y programación; Don Airey en pianeta; Joe Bonadio en batería y percusión y Oz Noy en guitarras; es un tema blusero, con un trabajo excelente de Oz Noy en la guitarra y muy buenos aportes de Airey. "Welcome To The Moon" (Glover) tiene nuevamente a Roger Glover en voz y todos los instrumentos, bajo, guitarra, teclados, percusión y programación; es un tema de tono r&b, con alguna reminiscencia a los Dire Straits y su lider Mark Knopfler como solista. "Set Your Imagination Free" (Roger Glover/Gillian Glover) Gillian Glover en voz; Roger Glover en bajo, guitarra y cuerdas; Randall Bramblett en teclados; Joe Bonadio en batería y percusión; Oz Noy en sitar; es un tema suave y de tono balada, con arreglos de estilo indu en los aportes del siotar y la percusión. En "When Life Gets To The Bone" (Glover) nuevamente Roger Glover toma la voz y todos los intrumentos a su cargo: guitarra, bajo y percusión; es un tema acústico y de tono country, con un Glover tomando el estilo de Bob Dylan. "When The Day Is Done" (Roger Glover) tiene a Walther Galley en voz; Roger Glover en guitarra, teclados, percusión y programación; Sim Jones en cuerdas y arreglos de cuerdas; es un tema de clima denso, con un trabajo sensacional de las cuerdas y muy buena percusión. "Get Away (I Can't Let You)" (Roger Glover/Gillian Glover) Gillian Glover voz; Randall Bramblett piano; Roger Glover bajo; Joe Bonadio batería y percusión; Oz Noy guitarra; Nicky Moroch guitarra; Joe Mennonna vientos y arreglos de viento; es una joyita de tono jazz, con excelente tarea de los vientos y el piano, más una Gillian que pone la voz a la perfección. "Staring Into Space" (Glover) Roger Glover una vez más se hace cargo de la voz, bajo, guitarra, sintetizador, percusión y programación, es un tema con buenas guitarras acústicas y Glover nuevamente en plan Dylan. "The Ghost Of Your Smile" (Glover) Mickey Lee Soule voz; Randall Bramblett teclados; Roger Glover fretless bass, teclados y percusión; Oz Noy guitarra acústica; Joe Bonadio batería y percusión; Nicky Moroch primera guitarra, es otro instrumental de tono folk, esta vez de un tono más depresivo y espíritu setentero. "Cruel World" (Glover) Roger Glover voz, bajo, guitarras acústicas y "Tin-Tone", percusión y programación; Randall Bramblett teclados; Joe Bonadio batería y percusión; Oz Noy sitar; es otro tema de tono western y clima acústico. El final es con la rockera "Feel Like A King" (Glover), con Sahaj Ticotin en voz; Roger Glover en voz, guitarras, bajo y programación; Joe Bonadio batería y percusión; Nicky Moroch en guitarra; el tema con el sonido que sin duda satisfacerá a quienes esperaban un album directo y hard rockero, gran trabajo de Ticotin, muy buen solo de bajo y acertada utilización de voces de público como si fuera en vivo.

Otro muy buen trabajo solista de Rogler Glover.

"Winners Vol.1" EBC Roxx (Tony Carey - Rainbow, Over The Rainbow; Jürgen ”J.R.” Blackmore - Over The Rainbow)

2011-06-28T18:33:00.019-03:00

Después de salir de Over The Rainbow por motivos de salud, una vez recuperado, Tony Carey comenzó a preparar su siguiente paso en la escena musical, y cuando en noviembre de 2009 Mercedes Benz anunció que volvería a la F1 luego de 55 años se dijo era el momento, y para ello convocó a su viejo colega de Over The Rainbow, J.R. Blackmore (a quién conocía desde chico cuando acompañaba a su padre, The Man In Black, en las épocas de Rainbow) en la guitarra y a la cantante ELA (quien desde su debut en 2004 no había parado de crecer en la escena rockera alemana, siendo telonera de bandas como Saxon, Saga, UFO y Scorpions) que había tocado en algunos shows con Jürgen.

Tony, con la colaboración de Jürgen, compone el himno para la escudería, con el nombre más apropiado: "Silver Arrows", conmemorando aquellas flechas de plata que de la mano de Juan Manuel Fangio se convirtieron en imbatibles en los primeros años 50's. El single se edita en marzo de 2010 y es un éxito, por lo que se plantea la idea de realizar un album completo.

Con el trio conformado, con Jürgen en las guitarras, ELA en la voz y Tony en teclados, bajo y voz y tomando como nombre EBC Roxx (las iniciales de ellos más rock, foto de la banda a la izquierda, con Carey-ELA-Blackmore de izquierda a derecha) comienza a trabajar en lo que sería "Winners Vol.1" (tapa a la derecha), su album debut.

La producción fue de Tony Carey junto a Jürgen Blackmore y se editó por JRBlackmore Records/Twilight Records. Se editó el 17 de septiembre de 2010. Como ya comentara, en marzo de 2010 se editó el single "Silver Arrows".

Estilísticamente el album trata sobre la velocidad, sea de autos de F1, autos o motos; y musicalmente, como era de esperar, es de un estilo hard rock con mucha influencia de Rainbow y Deep Purple.

El inicio es con "Rolling", un hard rock que de entrada promete mucho para la banda, intro de teclados y luego un riff precioso de la guitarra y Carey que sorprenderá a más de uno que no lo haya escuchado cantar, pasada la mitad de tema hay un cambio de ritmo e ingresa la voz de ELA, primero acompañando a Carey y luego solista, luego aparece un muy buen solo de guitarra que esrespondido por uno de teclados que nos lleva directo a la época de "Rising". Y hablando de "Rising" y Rainbow, el riff de inicio de la guitarra de "Fly", luego de la intro de teclados, es casi una copia de "All Night Long", uno espera que aparezca Graham Bonnet a meter su potencia vocal, luego un fraseo y el ingreso de la voz alejan un poco esa sensación pero el sonido de Rainbow quedará fuertemente instalado, nuevamente la tarea de ELA es de acompañamiento a Carey y un espacio como solista. "Red Dirt Devils" tiene una nueva intro bien a lo Rainbow (pero con un estilo más a lo Rosenthal), es un mediotiempo bien rockero con un Carey impresionante metiendo teclados y un piano excelentes, la tarea de Jürgen es un gran homenaje a su ilustre padre del que se ve que tomo mucho para su estilo. "Drivin Song (It's Rock)" es un hard rock rápido en el estilo de temas como "Drinkig With The Devil", otro muy buen solo de guitarra que obviamente es respondido con toda la clase de Carey en los teclados. "Big Livin" es un tema bien setentero, con un muy bien piano acompañando y buenos fraseos de la guitarra. "Your Last Dance" es una balada melancólica, comandada por lo teclados y una tarea emotiva de la guitarra (otra vez plagada de guiños a Blackmore padre) en el momento justo. "Drivin Song (Let's Go)" vuelve al hard rock rápido y por momentos bien a lo Rainbow de la era Turner. Luego llega el single/himno de Mercedez Benz F1, "Silver Arrows", un muy buen tema, de tiempos medios y bien rockero, con el sonido de las aceleraciones de los F1 como aditamento. "Winners" es un hard rock potente, con muy buena tarea de las guitarras y estribillos pegadizos. "Winners (Mixx)" como su nobre lo indica es una versión remixada del tema anterior, con una base electrónica y buenas guitarras acompañando. "Silver Stomp" en realidad es una versión remixada de "Silver Arrows". El final es con "Out Of Time (Special Bonus Track)" en el que la voz principal es la de ELA con un acompañamiento bastante electrónico, en un tono cercano a la bandas pop/rock electrónicas que pululan vendiendo millones en los Estados Unidos.

Un buen album, con ideas muy interesantes en varios pasajes, con Carey demostrando una vez más su categoría tanto como tecladista (ya conocido por todos desde su descubrimiento por Ritchie Blackmore y su llegada a Rainbow), como compositor (no en vano ha desarrollado una prodigiosa carrera solista y con diversos proyectos luego de Rainbow, entre los que no faltó el éxito comercial con un N° 1 en Billboard incluido), y sorprendiendo a muchos con el bajo y en la voz, Jürgen por su parte muestra que pese a la dificil tarea de estar a la sombra de The Man In Black, tiene condiciones para tomarlo en serio, en cuanto a ELA, sus aportes en la voz son muy buenos, suavizando la voz "podrida" de Carey y con gran calidad en sus momentos solistas. Lo no tan bueno es la producción, un productor reconocido podría haber logrado un mejor sonido final, y la falta de un baterista.

"Project: Driver" M.A.R.S. (Rudy Sarzo - Whitesnake; Tommy Aldridge - Hughes-Thrall, Whitesnake)

2011-06-22T20:17:00.019-03:00

Allá por mediados de los 80's, en 1986 más precisamente, Mike Varney sacaba nuevos superguitarristas en su sello Shrapnel Records de manera tan sistemática y pausa como un panadero saca panes del horno, pero no contento con eso decide crear un super grupo de virtuosos, los elegidos fueron: Tommy Aldridge (Black Oak Arkansas, Pat Travers Band, Hughes-Thrall, Gary Moore, Ozzy Osbourne, Vinnie Moore, Whitesnake, House Of Lords Manic Eden, John Sykes) para la batería; Rudy Sarzo (Ozzy Osbourne, Quiet Riot, Manic Eden, Whitesnake, Dio) para el bajo; a ellos, ambos ya muy experimentados, les unía un cantante que había comenzado su carrera en 1983 junto a uno más de los descubrimientos virtuosos de la guitarra de Varney, Chris Impellitteri, ambos eran compañeros en la banda de covers VICE, el nombre del cantante era Rob Rock y, a diferencia de la experiencia ya de veteranos de Aldridge y Sarzo, éste debutaba en el vinilo con este proyecto (luego pasaría por Impellitteri, Axel Rudi Pell y Avantasia). Para las guitarras, la gran debilidad de Mike, se había pensado en Craig Goldy; guitarrista que venía dando que hablar en la zona de Los Angeles con una banda producida por Ronnie James Dio y su esposa Wendy, Rough Cutt (banda en la que tenía de compañero a Paul Shortino y en la que reemplazara a Jake E. Lee, que recordemos fuera el primer guitarrista de Dio como solista, antes de que apareciera Viviam Campbell y que luego llegara al estrellato con Ozzy y más tarde deleitara con Badlands) y luego (justo antes de ser tentado para este proyecto) había pasado por Giuffria grabando un par de albums, pero Goldy dejaría el proyecto rápidamente tentado por Dio para su banda (dode se encontrría con su viejo compañero de Rough Cutt, el tecladista Claude Schnell) reemplazando a Campbell (el primer aporte de Goldy para Dio es con el tema "Time To Burn" del EP "Intermission" de 1986 que contenía temas en vivo com Vivian y este de estudio con Goldy); rápido de reflejos Varney ofrece el puesto a un virtuoso fuera de serie que un año antes había conmovido al mundo musical con su album debut "Edge Of Insanity" (considerado por Guitar World como el cuarto mejor album de schredder de la historia), estamos hablando de Tony MacAlpine, que además de aportar una de las ténicas más depuradas que se puedan escuchar en un guitarrista es un fantástico pianista, no ya un simple tecladista como el 99% de los que escuchamos en el ambito popular, alguien que puede llegar a tocar tranquilamente en un concierto de música académica (para confirmarlo se pueden escuchar sus versiones del "Chopin Prelude 16 Opus 28", perteneciente a su album debut ya mencionado; o el "Chopin Etude #2 Opus #25" de su album "Freedom To Fly"; o "Etude Nr 5 Opus 10" de "Evolution" y una lista que podría continuar por mucho espacio más; o simplemente véanlo y escúchenlo ustedes mismo en este video en la feria NAMM 1994: http://www.youtube.com/watch?v=5HGX7z165Ec&NR=11).

Así tenemos a la mitad de la banda con relaciones en la familia, Aldridge primero con The Voice Of Rock en su paso por Hughes-Thrall, poco después con Don Airey en la banda de Gary Moore y poco después en Ozzy, finalmente con David Coverdale y nuevamente Don Airey en Whitesnake; en el caso de Sarzo fue compañero de Airey en Ozzy y del tecladista y Coverdale en Whitesnake. A ellos dos podemos sumar dos más ya que Mike Varney, productor y corista en este trabajo, y Steve Fontano, ingeniero de sonido del album, fueron los principales responsables del resurgimiento de Glenn Hughes a comienzos de los 90's.

Obviamente salta a la vista que el nombre de la banda corresponde a las iniciales de los apellidos de los miembros, y más allá que muchos lo ven como un album de MacAlpine con voz es una verdadera banda y los cuatro firman en conjunto todos lo temas. Además de Varney colaboran con la banda en los coros: Bret Douglas, Tommy Cosgrove, Mark Tate y Dino Alden. Musicalmente el trabajo se encuadra dentro del estilo speed metal/heavy clásico schredder que en el sello mostraría ese mismo año la banda de otro virtuoso sin límites como Paul Gilbert, Racer X, aunque en realidad el sonido de M.A.R.S. es más similar al que la banda de Gilbert mostraría en su segundo album "Second Heat", de un tono fuerte pero más melódico que lo que mostrarían Gilbert y cia. en su debut de 1986 "Street Lethal" o un año después, simpre en el sello de Varney, Cacophony con otros virtuosos como Jason Becker y Marty Friedman en "Speed Metal Symphony".

Se grabó durante el comienzo de 1986 en los Prairie Sun Recording Studios de California con la producción de Mike Varney y se editó por Shrapnel Records es mismo año.

El inicio es con "Nations On Fire", un tema rápido heavy, con una base muy fuerte, guitarras de otro planeta de MacAlpine y un Rock que impone a la voz un estilo tan potente como el de Peter Marrino en Cacophony o Jeff Martin en Racer X pero con mayor melosidad, los coros aportan mucha potencia. "Writings In The Walls" es pura potencia desde el demoledor inicio de la batería, un tema bien heavy, menos rápido que el inicio pero más crudo, nuevamente la base rítmica de Aldridge/Sarzo es demoledora, las guitarras trepidantes, con solos muy clásicos y a velocidades que provocan envidia y esta vez la voz en un estilo más pesado. "Stand Up And Figth" es un tema de tono muy clásico, muy a lo Rising Force, con un MacAlpine intratable. "Nostradamus" se inicia con una demostración del talento del morocho con los teclados, metiendo una intro de un minuto cuarenta y cinco segundo al mejor estilo barroco, luego aparece un riff potente y un estilo que me recuerda a temas como "Heart Of A Lion" de "Second Heat", lo Racer X más comerciales. "Unknow Survivor" es un tema de speed 100%. "Fantasy" es un mediotiempo, un momento de descanso al ritmo infernal que impuso el tema anterior. "Slave To My Touch" es un tema de sonido ochentero, lo más comercial del trabajo incluyendo los mediotiempos "Nostradamus" y "Fantasy", nuevamente hay que destacar la muy buena tarea de Rock y los coros. "I Can See It In Your Eyes" tiene un inicio a pura demostración de MacAlpine y contiene otro gran aporte de los coros, un regreso al material más potente de la banda. El final es con "You And I", una power ballad con teclados y fuerza pero con poca originalidad, de todas formas MacAlpine deja un trabajo sensacional.

Un album interesante aunque coincido con quienes sostienen que está por debajo de los trabajos contemporáneos del guitarrista, principalmente porque se trata de temas que parecen haber sido compuesto en un molde, sin aportes muy personales de los músicos, simplemente hicieron temas como marcaba el estilo de la época.

"Disturbing The Peace" Alcatrazz (Graham Bonnet - Rainbow; Steve Vai - Whitesnake)

2011-06-13T15:43:00.014-03:00

Luego de su salida de Rainbow no sin antes darse el lujo de ser cabeza de cartel en el Monster Of Rock (recital ya comentado en el blog y considerado por Bonnet el momento cumbre de su carrera), Graham Bonnet editó el album solista "Line Up" con acompañantes de lujo como Cozy Powell, Mick Moody y Jon Lord (album ya comentado en el blog) manteniendo una gran aceptación en el público (incluyendo un single en el top ten como "Night Games"), tras lo cual reemplaza a Gary Barden como cantante del MSG. Tras el album en vivo "One Night At Budokan" Cozy Powell (por esa época en la banda del guitarrista alemán) y el manager de la banda Peter Mensch habían sugerido a Michael Schenker contratar un mejor cantante y habían ofrecido el puesto a David Coverdale (recordemos que la grabación de "Saints And Sinners" de Whitesnake fue muy conflictiva y se daba por sentado que la banda se separaba, pues durante un tiempo Whitesnake fueron solo Coverdale y Lord, y de hecho también Tony Iommi le había ofrecido ser cantante de Black Sabbath a Coverdale para reemplazar a Ronnie James Dio), pero el rubio guitarrista prefiere a Bonnet (y según el propio cantante fue Powell quien primero le acercó la oferta tras un show en el Country Club de Los Angeles a donde Bonnet había ido a ver a la banda) y es así que en febrero de 1982 el ex Rainbow ingresa a la banda para grabar "Assault Attack" con otro miembro conocido de la familia purpura en la producción como Martin Birch (Deep Purple, Rainbow, Whitesnake) que acababa de producir el fenomenal "The Number Of The Beast" de Iron Maiden. El album nuevamente tiene muy buena repercusión, llegando al Top Ten de las listas japonesas y al Top 20 de las británicas. Pero tras este solo album Bonnet deja la banda y reclutando a Gary Shea en bajo y Jimmy Waldo en teclados, ambos ex miembros de la banda New England (banda producida por Paul Stanley que había amenazado con dar el gran salto en 1979 con el hit "Don't Ever Wanna Lose Ya" que llegaría al Top 40 del Billboard Hot 100 pero luego se perderían en la lontanancia) más el ex Iron Maiden Clive Burr en batería (acercado por Martin Birch pues luego de grabar "The Number Of The Beast" se había retirado de la banda) y un joven guitarrista sueco que estaba dando que hablar en Los Angeles de la mano de Mike Varney y la banda Steeler, Yngwie Malmsteen. La banda se denominó Alcatrazz pero de comienzo tuvo problemas, Burr deja su puesto casi antes de comenzar pues esperaba que la banda se instale en Gran Bretaña y no en California y en su lugar ingresa Jan Uvena un baterista con pasado en Iron Butterfly (durante 1982) y la banda de Alice Cooper. Con el quinteto conformado editan "No Parole From Rock 'n' Roll" en 1983 con el que logran buena recepción en los Estados Unidos y un gran éxito en Japón, pero inmediatamente después, en 1984 tras terminar la gira, Yngwie deja la banda para iniciar su carrera solista (lo que le dio pie a Ritchie Blackmore para decir que Bonnet era un gran cantante pero no servia para una banda pues habiendo tocado con guitarristas como él, Schenker, Malmsteen y Steve Vai, nunca había pasado de grabar un album con ellos; claro que en defensa de Bonnet hay que decir que esa declaración fue en los primeros 90's, antes de que Chris Impelliteri volviera a contar con Bonnet para grabar "System X" en 2002, antes habían grabado "Stand In Line" en 1988, pero también alguien puede decir, para darle la razón a The Man In Black, que el nombre de Impelliteri pese a su técnica asombrosa no tiene la fuerza de los otros).

Lo cierto es que tras la salida de Malmsteen de la banda había que encontrar un reemplazante y Jimmy Waldo propone a un joven de ascendencia italiana que era parte de la banda de Frank Zappa, Steve Vai (Bonnet en una entrevista dice que en realidad fue Uvena quien propuso a Vai y que las dudas sobre la conveniencia de unirlo a Alcatrazz no eran suyas sino del mismo guitarrista); Bonnet no estaba muy convencido pero a falta de otra posibilidad en vista y teniendo un flamante contrato con un coloso como Capitol Records que cumplir, acepta y Vai se convierte en el nuevo guitarrista de Alcatrazz (fotos de la banda arriba a la derecha; Vai y Bonnet sentados y parados de derecha a izquierda Shea, Waldo y Uvena; y abajo a la izquierda con Vai, Bonnet, Uvena, Waldo y Shea). Hace poco tiempo Bonnet dijo en una entrevista a la revista "Search & Destroy" que había disfrutado mucho de trabajar con Vai: "...disfrutaba más trabajar con Vai que con los demás músicos en la banda, era un gran músico, un guitarrista muy distinto y no el clásico que intenta derretir su instrumento, era más imaginativo" marcando una diferencia con Malmsteen de quien dijo: "Al principio nos fue muy bien (risas). De repente se dio cuenta que en ese momento lo veía mucho la gente porque no había ningún otro guitarrista del estilo de Ritchie Blackmore y se convirtió en una especie de “Héroe de la Guitarra”, decidió que era mejor que toda la banda y eventualmente lo despedimos porque eran muchos líos, pero era muy buen chico al principio, tenía sólo 19. Decíamos que en realidad no era un miembro de la banda porque parecía que él estaba por sí sólo y lo dejamos ir y buscarnos a alguien más", claro para Malmsteen fue un trampolín a su carrera solista y dejo la banda en malos términos en cambio el pase de Vai a la banda de David Lee Roth fue algo consensuado (de hecho Malmsteen intento impedir la edición de un album de la banda en cambio Vai incluyo su material en un Box Set, tanto de estudio como en vivo).

Hace bastante tiempo recuerdo que con unos amigos buscábamos este trabajo pero mientras que el anterior con Malmsteen (y el en vivo editado con la oposición del sueco en 1984, "Live Sentence") lo habíamos conseguido este se nos escapaba. Y la busqueda fue bastante intensa pese a algunas malas reseñas que en otras palabras decían que era un album en el que se notaban las dos características principales de los hombres fuertes de la banda, por un lado la falta de personalidad musical propia de Bonnet y por el otro las limitaciones como compositor principal de Steve Vai. Claro que eso puede ser válido para una reseña dedicada al público en general (Bonnet es un fantástico cantante pero sus éxitos dependen de quien los componga al igual que su estilo y lo de Vai, cuando no es una demostración técnica, raramente logra un gran nivel compositivo) pero para quien quiere escuchar un cantante con la potencia de Bonnet y deleitarse con los recursos técnicos de Vai eso no era una barrera para obtener el album. Finalmente ya en 2001 (poco antes de la crisis de diciembre y la posterior derogación del 1 a 1) pude conseguir el album (junto a los dos primeros de Phenomena los que más tarde en conseguir de cuantos había buscado) así que ahora aprovecho y teniendo en cuenta la relación de Bonnet con Blackmore y Roger Glover en Rainbow (y las veces que trabajo con Jon Lord o Don Airey) y el trabajo de Vai con Coverdale en Whitesnake (donde también colaboró Airey) he decidido publicar una reseña del mismo. Sobre Vai, bueno, todos recordamos su paso por Whitesnake en 1989 y la posterior colaboración de Coverdale en su album solista "Passion & Warfare" (insignificante pero colaboración al fin) y luego más acá en el tiempo la colaboración de Vai en el "HTP 2" de Hughes Turner.

El album se llamo "Disturbing The Peace" (tapa del vinilo original eición americana de 1985 a la izquierda) y la producción fue de Eddie Kramer (Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Triumph y los Zephyr de Tommy Bolin entre otros) y se editó en 1985 por Capitol Records y se reedito en 1995 por Griffin Records; en 2000 por BGO, Beat Goes On (remasterizado digitalmente), en 2004 por EMI, en 2008 por Caroline Distribution y en 2010 por Ais Records/The Store for Music. A ello hay que sumarle que el album es parte del box set "Secret Jewel Box" de Steve Vai de 2001 como "Vol 2" (en total son 7) de 2001 (en el que también se incluye "Alcatrazz: Panic Jungle (Live In Japan)" show que también se puede encontrar en DVD y donde al igual que en la época de Malmsteen en la banda se hacen covers de Rainbow). Alcanzó el puesto Nº 133 del Billboard 200. Se realizó un video del single "God Blessed Video" que obtuvo bastante difusión y en 2002 fue integrada al videojuego "Grand Theft Auto: Vice City".

El comienzo es con el single "God Bless The Video" (Bonnet/Vai) y de movida podemos reconocer el estilo de Vai, y la clara diferencia con el estilo 100 % Rainbow del album anterior con Malmsteen en la guitarra; es un tema pegadizo con excelentes aportes de la guitarra (el sonido y el estilo de Vai no es muy distinto del que luego escucharíamos en "Slip Of The Tongue" aunque a mi parecer no tan similar al de David Lee Roth, por lo menos en el primer album) y toda la clase de Bonnet en la voz. "Mercy" (Bonnet/Vai/Waldo/Shea/Uvena) es un mediotiempo con un Bonnet potentisimo y Vai mostrando algunos cliches que utilizaría a lo largo de toda su carrera posterior, incluido un solo fantástico. "Will You Be Home Tonight" (Bonnet/Vai/Waldo) es una balada con mucha prominencia de teclados, una gran labor de Waldo notándose su colaboración en la composición, la guitarra aparece como acompañante con muy buenos detalles y fraseos pero mayormente el tema es llevado por los teclados, Bonnet combina fuerza con notas suaves como solo se le habían escuchado en su etapa pop/r&b anterior a Rainbow. "Wire And Wood" (Bonnet/Vai) es un hard rock 100% a lo Vai, de tiempos rápidos y guitarras shredder acompañadas por buenos teclados y una base potente con un Bonnet crudo y potente en la voz. "Desert Diamond" (Bonnet/Vai) es una balada densa, con guitarras, coros y teclados creando un clima que rememora a Egipto y la famosa esfinge o más bien la criatura mitológica que representa; una joyita con el trabajo más denso que haya realizado Vai que además deja un solo que puede considerarse de los mejores de su repertorio. "Stripper" (Bonnet/Vai) es un hard rock a pura velocidad y definitivamente en el estilo de Rainbow, buena base, muy buenos aportes de los teclados y un Vai furioso y rockero. "Painted Lover" (Bonnet/Vai) es un tema que bien podría haber sido parte de "Skyscraper" de David Lee Roth, un Vai estupendo y un Bonnet dando una muestra total de su calidad; un tema que bien habría podido ser un gran hit. "Lighter Shade Of Green" (Vai) es un instrumental de guitarra sola para demostración de Vai, un tema que bien podría estar en sus albums solistas. "Sons And Lovers" es un tema A.O.R.; un tema pegadizo, con excelentes estribillos y Vai otra vez realizando un trabajo fenomenal, otro tema que merecía ser hit. "Skyfire" es un hard rock con sonido A.O.R.; muy buena tarea de la base y los teclados acompañando la tarea de Bonnet y Vai metiendo guitarras de gran nivel. El final es con "Breaking The Heart Of The City", un tema pausado, con teclados y guitarras de sonido "extraño", casi de tono experimental; a las primeras escuchadas no termina de agradar pero luego se convierte en un tema más que interesante.

Un muy buen album, a mi gusto (y contrario a la mayoría) mejor que " No Parole From Rock’n Roll". Probablemente si uno busca algo novedoso no aporte nada, pero escuchamos un Vai excelente y un Bonnet con la calidad que muy pocos cantantes tienen.

"Made In Japan (Official Bootleg)" Dream Theater (Roger Glover)

2011-06-02T18:48:00.009-03:00

Dream Theater nunca ocultaron su admiración por Deep Purple, simepre sorprendieron con algún cover de la banda, y ya en el EP "A Change Of Seasons" publicaron una excelente versión de "Perfect Strangers" (que era un tema habitual en los sets de la banda), luego (durante la gira de "Six Degrees Of Inner Turbulence" en los shows de Barcelona, Chicago y Nueva York) sorprendieron con la realización íntegra de "Master Of Puppets" de Metallica al que siguió en otros shows "The Number Of The Beast" de Iron Maiden y más tarde "The Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd; finalmente le llegó el turno al mejor album en vivo de la historia y en los shows de Tokio el 13 de enero de 2006 y el 15 del mismo més y año en Osaka, se le animaron a reproducir tal cual "Made In Japan" (casualidad o no, se grabó en las mismas ciudades que el original aunque en distintos escenarios, el show de Tokio se realizó en el Tokyo International Forum, o Kokusai Forum, y el de Osaka en el NHK Hall), tarea ardua la que buscaron. Para realizar las mezclas de los shows eligieron a Roger Glover (que había mezclado los originales de Deep Purple junto a Ian Paice). El trabajo se editó en 2006 bajo el nombre de "Dream Theatre Official Bootleg - Made In Japan" (tapa a la izquierda) por el sello del baterista Mike Portnoy, Ytsejam Records.

No cabe duda de la influencia de Deep Purple sobre la banda formada en el Berklee College Of Music pero también que el estilo de ambas bandas es distinto, mientras que en Deep Purple (y la mayoría de las grandes bandas de hard rock en los 70's) la técnica está puesta en servicio de los temas, lo de Dream Theatre es más bien inverso, la riqueza técnica de la banda prevalece muchas veces sobre la composición y sus temas son primeramente demostraciones de virtuosismo y complejidad compositiva, lo que marca una gran diferencia.

Pese a esto el quinteto conformado por el baterista Mike Portnoy, el cantante James LaBrie, el guitarrista John Pretucci, el bajista John Myung y el tecladista Jordan Rudess realizan en general una muy buena versión del clásico más clásico entre los albums en vivo.

El set obviamente sigue el orden del album original, comenzando con "Highway Star" en una versión acertada y similar a la de Deep Purple salvo algún detalle de la guitarra, excelentes y muy respetuosos (aunque con aportes personales de Rudess y Petrucci) los solos. "Child In Time" es un tanto variable, con Rudess y Portnoy en gran nivel pero sobre todo LaBrie algo flojos, en los famosos gritos de Gillan LaBrie debe ser asistido por los teclados. "Smoke On The Water" es una buena versión pero... de tan simple que es el tema y que cualquiera puede tocarlo presenta una trampa mortal uno se tienta y toca pero la magia original raras veces aparece y en este caso no hubo excepción. "The Mule" es una gran versión, con una gran tarea de conjunto y Portnoy convirtiéndose en un clon de Paice en el solo más famoso del hard rock. Siguiendo con la altura del tema anterior la banda sigue con "Strange Kind Of Woman" en una versión excelente. El final es con "Lazy" que nuevamente encuentra a la banda en magnífico nivel.

Un muy buen album, podría decirse que excelente si no se lo compara con el original.

"Blackmore's Castle A Tribute To Deep Purple & Rainbow - Vol. 2" Varios

2011-06-01T12:27:00.012-03:00

En 2005, dos años después de editar "Blackmore's Castle A Tribute To Deep Purple & Rainbow" (ya comentado en el blog), el sello finlandes Lion Music decide aprovechar el éxtio obtenido y edita "Blackmore's Castle A Tribute To Deep Purple & Rainbow - Vol. 2" (tapa a la derecha).

Esta vez los músicos homenajeados son: Ian Paice, Cozy Powell, Bobby Rondinelli y Chuck Burgi en la batería; Roger Glover, Glenn Hughes, Bob Daisley y Jimmy Bain en bajo; Jon Lord, David Stone, Tony Carey, Don Airey y David Rosenthal en teclados; Ian Gillan, David Coverdale, Glenn Hughes, Ronnie James Dio, Graham Bonnet y Joe Lynn Turner en la voz. Pero nuevamente el gran homenajeado es el trabajo de la guitarra (y el bajo en el caso de "Lady Of The Lake") de Ritchie Blackmore.

En el tributo encontramos temas de los albums de Deep Purple "Machine Head"; "Who Do We Think We Are"; "Burn" y "Stormbringer". Por su parte se versionó material de los albums de Rainbow "Rising"; "Long Live Rock 'n' Roll"; "Down To Earth"; "Difficult To Cure" y "Bent Out Of Shape".

Las grabaciones se desarrollaron en Caffiene Trax (08/2004-09/2004); Drumstudio, Dreieich, Alemania (08/2004-09/2004); Empire Studios, Alemania (08/2004-09/2004); Greyhawk Studios, Scottsdale, Arizona (08/2004-09/2004); Meadow Recording Studios, Weiterstadt, Alemania (08/2004-09/2004); PsychoSound, Dallas, Texas (08/2004-09/2004); Sheepvalley Studios (08/2004-09/2004); The Lab, Daytona, Ohio (08/2004-09/2004). Esta vez el productor del album fue Jeff Hodges (Man On Fire, dueño de los "Caffeine Trax Studios" donde se desarrollaron algunas grabaciones para este album y quien produjera el tributo a Jason Becker "Warmth In The Wilderness" donde participara Steve Morse, ya comentado en el blog). Se editó el 15 e marzo de 2005 por Lion Music. Esta vez, y gracias a la repercusión del Vol. 1 como importado, apareciendo en el mercado americano. Se reeditó en 2009.

El inicio es con los power metal alemanes de Domain (quienes habían alcanzado repercusión en Europa teloneado a Glen Hughes y Joe Lynn Turner en la primera gira de HTP) haciendo su versión de "Stormbringer", tema título del album de Deep Purple; una versión muy sólida y potente, con un gran trabajo de las guitarras y los teclados pero muy respetuosa de la original salvo en el solo que Axel "Ironfinger" Ritt modifica con un buen resutado. El versatil guitarrista Michael Harris (fue progresivo con Arch Rival; heavy metal con Surgeon; shredder con Vitalij Kuprij, en cuyo album "Revenge" compartió grabaciones con Joe lynn Turner; e inclinado al jazz y la música clásica como solista) fue el responsable de interpretar "Lady Of Yhe Lake" de "Long Live Rock 'n' Roll" de Rainbow; una versión muy similar a la original de principio a final, con un excelente ambiente de teclados, una voz sorprendiendo con su trabajo muy a lo Dio, muy buenas baterías y un gran trabajo de la guitarra mostrando su respeto a una de sus mayores influencias. Los suecos de metal melódico Dogpound hacen "Mary Long" de "Who Do We Think We Are" de Deep Purple; una versión con un sonido más moderno pero igual de respetuosa que las anteriores y con igual grado de calidad. Los power metal/progresivos italianos de Orion Riders hacen "Burn", tema título del album de Deep Purple; potente versión con un sonido más distorcionado pero excelente en los solos (muy buena modificación en el solo de teclados). El baterista Daniel Flores (Mind's Eye y quien había participado junto a Steve Morse del album "Deacon Street II" de Tommy Denander) junto con algunos amigos hace una una muy buen versión de "I Surrender" de "Difficult To Cure" de Rainbow; muy buenos teclados, guitarras muy respetuosas de la original (fantástico solo) y un resultado excelente. Los suecos Baltimoore muestran que no solo su ex guitarrista Nikolo Kotzev es un gran fan de Rainbow y hacen una poderosa versión de "Kill The King" de "Long Live Rock 'n' Roll" de Rainbow; la voz de Björn Lodin es más adecuada para versionar a Coverdale que a Dio, pero el resultado es fuerte y la banda suena como si los mismos Rainbow estuvieran allí, gran solo del ex guitarrista de Glenn Hughes Thomas Larsson. Luego llega un dúo de lujo con el virtuoso guitarrista de Empire, Rolf Munkes (con quien Don Airey trabajara en los albums "Hypnotica" y "Trading Souls" junto a Neil Murray, ambos comentados en el blog) y su compañero en Empire y otros proyectos, el baterista Gerald Kloos, haciendo "All Night Long" de "Down To Earth" de Rainbow; el resultado es una versión potente y directa, con una muy buena tarea de la voz muy similar a la de Bonnet y con Munkes y Kloos mostrando su devoción hacia Rainbow en una tarea sin fisuras. La banda de rock progresivo americana Man On Fire, banda que tiene como productor a Jeff Hodges, no podía faltar en el tributo y realiza una versión de "Maybe I'm A Leo" de "Machine Head" de Deep Purple; la banda le iprime un sonido algo más moderno con efectos en la instrumentación (y un gran trabajo de la guitarra fraseando) pero respetando las líneas generales del tema (en el album aparece como "Maybe A Leo"). Luego llega el cantante italiano Chris Catena (quien trabajara con Glenn Hughes) para hacer su versión de "Mistreated" de "Burn" de Deep Purple, aunque en una versión más similar a las de Rainbow con Dio por el tono vocal que a la original con Coverdale; impecable y muy interesante versión con excelentes guitarras y muy buenos teclados. Los rockeros suecos House Of Shakira (en el negocio de la música desde 1991 mucho antes que apareciera Shakira por si alguno ve los nombres y piensa en alguna relación) hacen "Starstruck" de "Rising" de Rainbow (en el album aparece como "Lady Starstruck"), una versión directa y rockera que no defrauda para nada, gran solo de guitarra. Los hard rockeros Takara (descubiertos en los 80's por Jeff Scott Soto, quien luego sería cantante de la banda y por la que en algún momento pasara Bod Daisley en el bajo) hacen una excelente versión de "Can’t Let You Go" de "Bent Out Of Shape" de Rainbow; idéntica desde la intro de teclados a cargo de Brook Hansen, la mayor diferencia es en la voz donde los tonos no son los mismos que los de JLT. El final es con el cantante italiano Chris Heaven que junto al guitarrista Max Arminchiardi hacen una muy buena versión de "Soldier Of Fortune" de "Stormbringer" de Deep Purple en la que lo único que puede no gustar es el solo extenso y de tono schredder que impone la guitarra, pero en lo personal no me disgusta.

Un muy buen album tributo, en líneas generales más parejo que el primer volumen.

"Blackmore's Castle A Tribute To Deep Purple & Rainbow" Varios

2011-06-01T12:26:00.006-03:00

En 2003 el sello finlandes Lion Music edita un tributo a Deep Purple y Rainbow, un recorrido por los repertorios de dos de las bandas fundamentales del hard rock; un homenaje a músicos como Ian Paice, Cozy Powell y Gary Driscoll en la batería; Roger Glover, Bob Daisley y Craig Gruber en bajo; Jon Lord, Mickey Lee Soule y Tony Carey en teclados; Ian Gillan y Ronnie James Dio en voces pero fundamentalmente a la guitarra del mayor cerebro creativo de ambas bandas, la guitarra incomparable de Ritchie Blackmore, como el título del album, "Blackmore's Castle A Tribute To Deep Purple & Rainbow" (tapa a la derecha), lo indica.

En el tributo encontramos temas de los albums de Deep Purple "In Rock"; "Machine Head", "Perfect Strangers" y "The Battle Rages On..." más el single "Black Night"; y de Rainbow "Ritchie Blackmore's Rainbow"; "Rising" y "Long Live Rock 'n' Roll".

Se edito en 2003 por Lion Music con producción de Eric Lars Mattsson y se reedito en 2009.

El inicio es con la banda progresiva sueca Mister Kite haciendo "Bloodsucker" de "In Rock" (luego usarían esta versión en su EP "The Hunger" que era un adelanto de su segundo album "Box Of Fear"); es una versión que sin alejarse de la original le imprime un sonido metálico y moderno. La banda americana de rock alternativo Transcendence realiza una versión de "Perfect Strangers" del album homónimo de Deep Purple; nuevamente encontramos una versión que respetando las líneas principales de la original le impreme un sonido potente y metálico con sello siglo XXI. La banda holandesa de metal progesivo Arabesque realiza su versión de "Stargazer" del album "Rising" de Rainbow, bestante similar al himno de heavy clásico con la voz de Katia Salemi cumpliendo muy bien su reemplazo de Dio y una gran tarea de Joop Wolters en la guitarra dejando una versión excelente. El guitarrista finlandes Lars Eric Mattsson (otro de los descubrimientos de Mike Varney en los 80's) versiona "Self Portrait" de "Ritchie Blackmore's Rainbow", es una versión algo más lenta que la original, el solo de guitarra (y su tarea en general, el guitarrista también se hace cargo de los teclados y el bajo) es muy bueno, pero la voz de Björn Lodin no termina de convencer. Reign Of Terror comandados por el shredder Joe Stump (Guitar One Magazine lo hubico Nº 6 entre los guitarristas más rápidos del mundo) realiza "Sixteenth Century Greensleeves" de "Ritchie Blackmore's Rainbow", Stump un fan de primera línea de The Man In Black realiza una espléndida introducción de dos minutos cuarenta y tres segundos solo con guitarra y algún apoyo de los teclados para luego meterse en el tema propiamente dicho y dejar una versión muy respetuosa de la de su ídolo. En las manos de los belgas Iron Mask llega uno de los clásicos preferidos de los fans de Rainbow, "Gates Of Babylon" de "Long Live Rock 'n' Roll", el inicio es muy bueno, con clima épico y denso, pero luego realizan una versión demasiado rápida, la banda de estilo neoclásico tiene obvias influencias de Rainbow pero fallan al realizar una versión rapidísima, parece que no aprendieron del maestro Blackmore que no siempre hay que ser veloz para sonar bien rockero. Los rockeros progresivos húngaros Headline con otra mujer, Mónika Veres, en la voz realiza una excelente versión de "Battle Rages On..." del album homónimo del 25º aniversario de Deep Purple, muy respetuosa de la original pero con tono moderno y metálico, gran trabajo de Gábor Heincz en la guitarra trenzándose en duelo con Richárd Révész en los teclados y no hay que olvidar a László Balogh en la batería. Otro ejemplo del rock progresivo como Condition Red (con nombres de peso en sus filas como Derek Sherinian y Lars Eric Mattsson) realiza el cover de "Black Night", una interesante versión con agregados de tono folk, gran solo de teclados. La fama del guitarrista noruego Torben Enevoldsen queda reflejada en la versión de "Space Truckin’" del "Machine Head" de Deep Purple, una versión imperdible y muy rockera. Eric Zimmermann deja una versión con sonido electrónico/industrial de "Man On The Silver Mountain" de "Ritchie Blackmore's Rainbow" que no me termina de convencer pero es una buena apuesta arriezgada por eso mismo. Los power metal/progresivos Winterlong realizan una versión casi idéntica a la original de "Highway Star" de "Machine Head" con algunos detalles cambiados en el comienzo del solo de teclados, a cargo guitarra, y el segundo casi calcado del original. El guitarrista Jason Richardson de los deathcore All Shall Perish, realiza una excelente versión de "Lazy" de "Machine Head" aunque casi calcada a la original. El final es con otra versión a cargo de Condition Red (no en vano Mattsson es el productor del album y Sherenian el músico de mayor renombre), en este caso "Still I’m Sad" de "Ritchie Blackmore's Rainbow" de manera instrumental.

Con altibajos pero en líneas generales un muy buen album tributo a las dos mayores creaciones de Blackmore.

"Brotherly Love" Mike Porcaro (Glenn Hughes)

2011-05-26T19:15:00.035-03:00

Jeff Porcaro fue uno de los bateristas de sesion más solicitados entre los 70's y 1992 (para Allmusic fue el responsable del sonido de las baterias en el pop/rock de los 80's), cuando un ataque al corazón provocó su muerte a sus 38 años. Sin duda su mayor recuerdo general llega por ser el ideólogo y fundador de Toto pero dejo trabajos de sesión con incontables artistas, incluida su excelente labor con Tommy Bolin en "Teaser", pero sin olvidar sus trabajos con Steely Dan en el album "Katy Lied", album de 1975 donde comienza a tomar notoriedad y sus colaboraciones con Michael Jackson (participando en sus dos album más vendidos, "Thriller" con más de 110 millones de copias vendidas y "Dangerous" con más de 40 millones de copias y ostentando el ser al album que más rápido se ha vendido en la historia de los Estados Unidos, superando el record de "Bad", otro de Jackson, y vendiendo más de 7 millones de copias en solo dos meses, el anterior había vendido esa misma cifra pero en 4 meses), Madonna, Stan Getz, Joe Cocker, Roger Waters, Russ Ballard, B 52's, Ray Charles, Larry Carlton, Cher, Paul Anka, Miles Davis, Bee Gees, America, Peter Frapton, Eric Clapton, Four Tops, David Gilmour (fue parte del album "About Face" donde también participó Jon Lord), Diana Ross, Lionel Richie (en su album "Can't Slow Down", disco más vendido de 1984 con más de 20 millones de copias, ganador del Grammy y que pasara 160 semanas en el Billboard 200), Elton John, Richard Marx, Bruce Springsteen, George Benson, Michael Bolton (fue parte de "Time, Love & Tenderness", su album más vendido con más de 16 millones de copias y donde también participara Joe Lynn Turner) y una larga lista que lo muestra tanto dentro del rock como del pop, el soul y el jazz.
A diez años de su muerte, su hermano Mike Porcaro (quien también pasara por Toto en algún momento y se encargara de los violonchellos en el album más exitoso de Toto, "Toto IV") realiza en Alemania dos shows en su memoria, los mismos se realizaron en "The Drums & Sounds", festival llevado a cabo los días 30 y 31 de marzo en el Rhein-Mosel-Halle de Koblenz, y donde estuvo como invitado Glenn Hughes entre varias estrellas, familiares y amigos de Jeff Porcaro como Bobby Kimball (Toto), Steve Porcaro (Toto), Steve Ferrone (Average White Band, Slash, Chaka Khan, Eric Clapton, Tom Petty And The Heartbreakers, Duran Duran), Lenny Castro (Toto, Rolling Stones, Elton John, Al Jarreau, Eric Clapton, Oasis, Wayne Shorter y un largo etc.), Doug Bossi (Glenn Hughes, David Coverdale), Gregg Bissonette (David Lee Roth, Joe Satriani, Richie Kotzen) y Alex Ligertwood (Santana).

La producción David Garfield para Creatchy Productions. Los arreglos de los temas fueron realizados por David Garfield y Mike Porcaro. Las mexclas fueron realizadas por Steve Sikes en los Rupert House Studios. Los bonus track fueron mezclados por Kai Frike en los John E Slamm Studios. Se editó por Creatchy Records/Ward Records el 26 de enero (con distribución de Columbia Records), hasta donde pude saber todavía no hubo edición en Europa y los Estados Unidos, originariamente en Japón salio como album doble, pero probablemente cuando se edite en los otros mercados sea como un solo CD puesto que el CD 2 aparece como un bonus.

La banda que permanece en todos los temas, más allá de los invitados, está conformada por: Mike Porcaro en bajo; David Garfield y Steve Porcaro en teclados; Michael O'Neil (muy buen guitarrista de jazz que casi de manera exclusiva ha estado como acompañante de George Benson) en guitarras, Lenny Castro en percusión, Larry Klimas (David Garfield, Elton John, Neil Diamond) en saxo y flauta y Ralph Himmler (Dutch Jazz Orchestra, Rias-Big Band, The Rogau Monotones y musicales como West Side Story, Evita y Saturday Night Fever) en trompeta.

Disco 1: abre con uno de los clásicos más grandes de Toto, "Rosanna" de "Toto IV" de 1982, con las voces Glenn Hugues y Bobby Kimball más Phil Perry y Alex Ligertwood en los coros; Steve Gadd (Stuff, Chick Corea, Steely Dan, B.B. King, Paul Simon, George Benson, Eric Clapton, James Brown, Al DiMeola, Paul McCartney, Lee Ritenour, Weather Report, y un largo etc.) y Greg Bissonette están en la batería y Doug Bossi en la guitarra; muy buena versión con sonido jazzero, con muy buenos vientos, gran tarea de las voces (el original no era cantado por Kimball sino por Lukather) y coros a los que hay que agregar unos buenos solos de teclados (excelente piano hacia el final) y guitarra. Le sigue un clásico de Jimi Hendrix, "Manic Depression" permaneciendo en el micrófono The Voice Of Rock y Steve Gadd junto a Greg Bissonette en la batería; muy buena versión, con O'Neil mostrando que pese a ser un hombre del jazz puede sonar muy rockero también. Continuamos con un clásico del primer album de Toto, "Toto" de 1978, "Georgy Porgy", esta vez Alex Ligertwood pasa a la primera voz y Glenn Hugues junto Bobby Kimball a los coros, Steve Gadd permanece en la batería; al igual que en el caso de "Rossana" tiene un sonido bien jazzero, con excelentes teclados, muy buena tarea de la voz y los coros y un O'Neil que muestra todo lo aprendido junto a Benson con unos solos fantásticos y bien en tono de la escuela de Wes Montgomery, el saxo hace tambien aportes muy buenos y deja un gran solo, y dentro de los solos no podemos dejar de mencionar el de piano hacia el final. Luego llega "Lowdown", tema de Boz Scaggs, que vendiera 1 millón de copias y lograra el grammy en 1976 y fuera compuesto por David Paich (luego uno de los principales compositores de Toto) y que en la banda que lo grabara contara con Jeff Porcaro en batería, David Hungate en bajo y el mismo Paich, es decir la mitad de lo que al año siguiente sería Toto; Alex Ligertwood sigue en la voz con Glenn Hugues y Bobby Kimball en los coros; en la batería Robin DiMaggio (quien fuera el primer baterista de Steve Vai y luego trabajaría con Paul Simon, David Bowie, Jackson Browne, Diana Ross, Dr. Dre, Luther Vandross, Sean Lennon) se suma a Steve Gadd; versión que lleva el tema hacia terrenos plenamente de jazz pero manteniendo algo del soul original, otra gran tarea de la formación y fantástica adaptación (como en todo el trabajo) de Mike Porcaro y David Garfield, otra joyita imperdible y un aporte de Hughes con su sello en el final. "E Minor Shuffle" solo tiene los aportes de Steve Gadd y el regreso de Greg Bissonette a la batería, el resto es la banda permanente; es un tema instrumental de tono jazz/fusion compuesto por Paich para James Newton Howard grabado en su album "James Newton Howard And Friends" de 1984 (con David Paich, Steve Porcaro, Jeff Porcaro y Joe Porcaro) y grabado luego en versión hard rock por Toto con el nombre de "On The Run" con letra de Lukather para el album "Kingdom Of Desire", pero por motivos no conocidos solo aparecería en el vivo "Toto XX", gran solo de bateria al que le sigue uno excelente de guitarra. Volvemos al material de Toto con "English Eyes" del album "Turn Back" de 1981, considerado un fracaso en su momento por vender menos de 1 millon de copias y no logra ningún hit; como en el original la voz es de Bobby Kimball, con los coros de Joseph Williams (cantante que pasara por la banda en reemplazo de Kimball y debutara en el album "Fahrenheit" de 1986), Glenn Hugues y Alex Ligertwood, el productor Chase Duddy aparece en la batería y Doug Bossi comparte las guitarras, es el tema más rocero del album, sonando distinto del ambiente jazz predominante hasta el momento. Luego llega un tema de "Thriller" de Michael Jackson, "Human Nature" que fuera compuesto por Steve Porcaro y en el que participara Jeff Porcaro originalmente, es una muy buena versión instrumental de tono smooth jazz con Steve Gadd en la batería y Walt Fowler (Billy Cobham, Frank Zappa, Jack Bruce) en trompeta. "Straight No Chaser", uno de los temas más famosos y versionados de Thelonious Monk, tiene como invitado a otro de los miembros de la familia Porcaro, en este caso el padre de Jeff, Steve y Mike, el baterista de jazz Joe Porcaro (Pink Floyd, Stan Getz, Gerry Mulligan, Freddie Hubbard, Don Ellis, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Natalie Cole); espléndida versión donde el padre de la familia Porcaro realiza una magnífica tarea y donde el clima de jazz del album llega a su máxima expresión, excelentes solos de guitarra, batería, saxo y por supuesto piano, gran ovación dl público. Luego llega el otro gran clásico de Toto, también de "Toto IV", "Africa" con Alex Ligertwood y Bobby Kimball (que no había puesto la voz en el original, sino que el cantante había sido David Paich) en la voz, David Paich por su parte aporta en los coros y el piano, Joseph Williams y también Alex Ligertwood hacen los coros; Steve Gadd, Gregg Bissonette y Robin DiMaggio están en la batería, y en la percusión vuelve a aparecer Joe Porcaro; muy buena versión y bastante similar a la original. El final es con el bonus, "Let's Stay Together", el tema de Al Green que fuera Nº 1 de Billboard durante 16 semanas en 1971, cuenta con Glenn Hugues, Bobby Kimball y Alex Ligertwood en la voz; Steve Gadd y John "JR" Robinson (Michael Jackson poniedo las baterías en el multiplatino "Off The Wall" que vendió más de 20 millones de copias y en el single más rápido en venderse en la historia de los Estados Unidos, "We Are The World", responsable de recaudar más de u$s 67 millones en ayuda a paices africanos; también trabajo con Lionel Richie, el otro compositor junto a Jackson del single ya mencionado; Chaka Khan's Rufus, con quienes gano un Grammy; Eric Clapton, John Fogerty, David Lee Roth, Madonna en el hit Nº 2 de Billboard "Express Yourself", Stevie Winwood en el single Nº 1 de Billboard "Highger Love"; entre otros trabajos) están en batería; imperdible, un tema soul con una versión excepcional.

Disco 2: arranca con "Stuffy" cuenta con Steve Gadd en batería, originalmente apareció en el album "Tribute To Jeff" de David Garfield & Friends Play Tribute To Jeff Porcaro en 1997; es un tema corto, de un minuto y medio, de tono soul con el piano como principal instrumento y un muy buen acompañamiento de la banda, muy buen solo de saxo. "Jeff's Strut" mantiene a Steve Gadd en la batería, es un tema de fusion compuesto por Joe Porcaro para su hijo, ocho minutos imperdibles con excelentes solos de guitarra, una fantástica percusión y una línea de bajo impecable. "Babylon Sisters" cuenta con Gregg Bissonette y la leyenda del funk Bernard Purdie (James Brown, B.B. King, Aretha Franklin, Larry Coryell, Dizzy Gillespie, Joe Cocker, Steely Dan, Robert Palmer) en la batería; muy buena versión del tema de Steely Dan (apareció en el séptimo album de la banda, "Gaucho" de 1980, considerado el pico de perfeccionismo de la banda en estudio, y que contara con un elenco estelar para la grabación con nombres como David Sanborn, Randy y Michael Brecker, Mark Knopfler, Larry Carlton, Rick Derringer, Bernard Purdie y el mismo Jeff porcaro entre otros), de clima tranquilo, casi lounge. "Big Bone", tema de Jeff Porcaro para Los Lobotomys (jam band compuesta por David Garfield, Jeff Porcaro, Joe Sample, Lenny Castro, Steve Lukather, Carlos Vega, Vinnie Colaiuta, Will Lee y Brandon Fields que durara de fines de los 80's amediados de los 90's), cuenta con Gregg Bissonette en la batería. El final es con "Corbitt Van Brauer (Sir Charles)", un tema de David Garfield que apareció en su album "Retro Jazz Quintet", cuenta con Steve Gadd y Greg Bissonette en las baterías, es un tema de fusión, con ritmos latinos y alegre.

Un muy buen album, imperdible tanto para los fans del jazz como para los de la buena música, y por supuesto todo seguidor de Glenn Hughes que hace apariciones de su sello aún en los temas en que solo hace coros.

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"The Great Escape" Robin Beck (Joe Lynn Turner)

2011-05-24T21:16:00.009-03:00

Desde 2007 no hay ningún nuevo album solista de Joe Lynn Turner (el último fue "Second Hand Life"), en 2008 llegó "Live In Germany", su primer directo oficial; y en 2009 el segundo album de Sunstorm, "House of Dreams", pero desde allí en adelante solo hemos escuchado colaboraciones de JLT con otros artistas, bastante poco teniendo en cuenta que nunca solían pasar más de dos años sin un album suyo (parece haber entrado en la modorra que aqueja a todos los miembros de la familia editando muy espaciadamente; salvo Glenn Hughes que sigue grabando y participando de proyectos diversos todos los años); es cierto que hace muy poco salió "Sense Of Time" donde todas las voces son suyas, pero el proyecto del bajista Jan Holberg, por lo menos a mí, no me llenó como otras colaboraciones como con Brazen Abbot y más allá de la buena labor vocal no me sirvió como para decir sigo esperando sin problemas el nuevo trabajo propio; pero bueno, a falta de otras cosas, en el nuevo album de Robin Beck, "The Great Escape" (tapa a la derecha) econtramos un duo de Turner con la morocha que se había hecho famosa con el tema "First Time" y su uso en una campaña de Coca Cola en 1989, sin dudas será el hit del trabajo.

El trabajo fue producido por su marido, James Christian (House Of Lords, quien además canta a dúo con Beck en "Till The End Of Time") junto a Tommy Denander y salió a la venta por Her Majesties Room, el sello de la propia Beck, el 11 de febrero de 2011. Comprándolo por la web de la cantante la edición llegaba autografiada.

La banda estuvo compuesta por: Robin Beck, más los aportes de Joe Lynn Turner y James Christian, en voz; Tommy Denander, con aportes de Dai Smith y Paul Jones en guitarras; James Christian y Tommy Denander en batería; Tommy Denander en teclados; Katherine Ownes en piano; James Christian y James Jamal en bajo. Los coros fueron de Robin Beck, James Christian, Liv Beck (hija de Beck y Christian) y Katherin Ownes.

La labor compositiva recayó en el trio Beck/Christian/Denander. El cantante sueco Jim Jidhed (Alien), quien con su banda logró su mayor éxito en 1988 llegando al Nº 1 de las listas suecas con el tema "Only One Woman", compuesto por los Bee Gees, Maurice y Barry Gibb y que originalmente en la manos de The Marbles (dúo de Graham Bonnet con su primo Trevor Gordon que contaban con el respaldo compositivo de los Bee Gees que además hacían los coros) llegara al Nº 5 de las listas británicas en noviembre de 1968 (Bonnet lo grabaría nuevamente con Alcatrazz en su tercer album "Dangerous Games" de 1986) y Bjorn Lindbom (copositor sueco que usualmente trabaja con Denander) compusieron junto a Denander el tema "Till The End Of Time"; el tema "All The Rivers" tuvo el aporte al trio principal de Jeff Kent (que ya colaborara con Beck en su anterior album, "Livin' On A Dream" de 2007 y House Of Lords, Bette Midler, Dreams, Blood, Sweat & Tears entre otros), y el tema "Baby I'm Not A Bitch" que fue compuesto por la banda The Elements.

El inicio es con "The One" un tema de A.O.R. con excelentes fraseos de la guitarra, con estribillos pagadizos y una gran labor de la voz. "Got Me Feelin' Sexy" es un tema más rockero, con un buen riff y teclados creando una buena base de acompañamiento. "Inside Of Me" es otra muestra del A.O.R. más clásico de Beck, melódico con aportes potentes para dar emoción y estribillos pegadizos. Luego llega el tema que ya se convirtió en el favorito de quienes han escuchado el album, "That All Depends (On What You Do Tonight)", el dúo con JLT, un tema rockero y pegadizo, con muy buenas guitarras y una excelente tarea vocal de ambos. "Baby I'm Not A Bitch" es un tema A.O.R. que se inicia con piano y tiene muy buenos aportes de la guitarra. "Everything Is Alright" es otro tema de rock melódico, movido, pegadizo y con buenas guitarras acompañanando la gran labor vocal. El tema que da título al album, "The Great Escape", es un medio tiempo melódico, con muy buenos coros apoyando y gran trabajo de las guitarras (excelente solo) y los teclados, sobre todo hacia el final cuando toma más fuerza rockera. "Don't Think He's Ever Comin' Home" es la power ballad con todo el estilo de los 80's del album, un tema emotivo y pegadizo como requiere el estilo, gran solo de la guitarra (otro elemento que no debe faltar en estos temas). "Cross My Heart" es tema casi pop/rock, con la voz como gran protagonista y sin ser un mal tema es lo más flojo del album. "All The Rivers" por su parte es una joyita, con muy buenos coros casi como segunda voz, un trabajo destacable del bajo y buenas guitarras (muy bueno el solo), con los teclados metiendo aportes aertados. El final es con el otro dúo vocal, "Till The End Of Time", es un tema melódico y confuerza, pegadizo y con muy buena tarea de las voces.

Un buen album, muy bueno si uno es fan del estilo más melódico.

"Testimony 2" Neal Morse (Steve Morse)

2011-05-16T22:22:00.013-03:00

Neal Morse es un multi-instrumentista americano, durante su juventud escribió dos musicales ("Hit Man" y "Homeland"), y tras partir a Europa toco con el legendario Al Stewart y con Peter White, un ingles muy reconocido en la escena del smooth jazz. De regreso en Estados Unidos crea junto a su hermano Alan Morse la banda Spock's Beard, que desde su album debut, "The Light" de 1994, se convertiría en una de las bandas progresivas de mayor éxito.

En 1999 Morse edita su primer album solista (titulado simplemente "Neal Morse"), y un año más tarde forma el supergrupo progresivo Transatlantic, junto a Mike Portnoy de Dream Theatre en batería y coros; Pete Trewavas de Marillion en bajo y coros; y Roine Stolt de The Flower Kings en guitarras y coros, con Morse como guitarrista, tecladista y voz; como se ve una tentación imposible de evitar para todo amante del rock progresivo.

En 2002 Morse se convierte al cristianismo y deja sus dos bandas, Spock's Beard y Transatlantic, para preparar su siguiente solista, el cuarto, que es editado en 2003 y llevaría como título "Testimony", un album de rock progresivo pero con una fuerte impronta cristiana y donde cuenta su conversión, motivada por la sanación de su hija de forma milagrosa luego de rezar mucho por su salud. En el album participaba su ex compañero de Transatlantic, Mike Portnoy y el guitarrista original de Kansas, Kerry Livgren. En 2011, ocho años después de "Testimony", Morse edita "Testimony Two" (tapa a la derecha), un album doble, continuación del primero, donde a lo largo de tres secciones y tres temas relata su vida y su conversión al cristianismo. Lo acompañana sus habituales compañeros en sus trabajos solistas, Mike Portnoy en batería y Randy George (guitarrista, bajista y tecladista de la banda de rock progresivo cristiano Ajalon) en bajo; pero además cuenta con invitados como sus ex compañeros de Spock's Beard Nick D'Virgilio, Alan Morse y Dave Meros haciendo armonías vocales en "Time Changer", el reputado arreglista Chris Carmichael que se encarga de los violines, las violas y los violonchellos en el CD 1; o Steve Morse poniendo su guitarra para el descomunal "Seeds Of Gold", de veintiseis minutos de duración.

La producción fue de Neal Morse y saldrá a la venta el 31 de mayo por Inside Out Music en Europa y Radiant Records en los Estados Unidos (dependiendo el mercado hay ediciones de Metal Blade). Una edición especial trae un tercer disco, un DVD con escenas de la grabación del album.

El CD 1 consta de tres partes: comienza con "Part Six" de casi veintitres minutos de duración y compuesta por los temas: "Mercy Street", un tema de tono melódico con un inicio fantástico del piano al que le siguen arreglos orquestales. "Overture No. 4" es un instrumental con excelentes trabajos de la banda, con muy buenos teclados y guitarras apoyados en una base sólida y virtuosa, con una tarea fantástica del bajo y momentos de un hard rock potente. "Time Changer" es casi un tema de Spock's Beard, con la participación de sus viejos compañeros metiendo magníficas armonías vocales y "Jayda", una balada melódica con predominio de la voz y acompañamiento de cuerdas. Continúa con "Part Seven" de casi la misma duración que la anterior y compuesta por los temas: "Nighttime Collectors" un tema muy a lo Deep Purple, bien hard rockero. "Time Has Come Today" es un tema 100% de rock progesivo, con recuerdos de Yes. "Jesus' Blood" es una balada blusera con una tarea excelente de la guitarra y "The Truth Will Set You Free" otro tema muy progresivo con influencias de las grandes bandas de los 70's pioneras del género como los mencionados Yes, Genesis o Rush. Finaliza con la parte más extensa, de más de treinta y tres minutos, llamada "Part Eight" y compuesta por los temas: "Chance Of A Lifetime"; "Jesus Bring Me Home"; "Road Dog Blues" tiene muy buenos aportes de Mark Leninger en saxofón. "It's For You" es un tema fenomenal cambiante, dramático, virtuoso (increible Portnoy y excelentes guitarras), uno de los puntos culminantes del album, y el final con "Crossing Over/Mercy Street Reprise" es el cierre de un circulo.

El CD 2 consta de tres temas y no es parte del concepto cerrado del primer CD, sin embargo la idea de Jesús y Dios siempre está presente: "Absolute Beginner"; "Supernatural" y la fenomenal suite de veintiseis minutos "Seeds Of Gold" con la participación de Steve Morse.

Un muy buen album, imperdible para los fans del rock progresivo.

"Black Country Communion 2" Black Country Communion (Glenn Hughes)

2011-05-16T20:56:00.006-03:00

Luego del éxito del debut "Black Country Communion" (tanto en ventas como en la crítica que lo hubico dentro de lo mejor del año 2010), Glenn Hughes, Joe Bonamassa, Derek Sherenian y Jason Bonham sacan a la luz el sgundo album de Black Country Communion titulado simplemente "2" (tapa a la izquierda).

Si esta era una prueba para ver si lo del primer album había sido solo mágia del momento de cuatro músicos consagrados, la supera ampliamente, la banda mantiene la frescura y deja otra muestra del mejor hard rock de la actualidad, no solo vuelven a mostrar un gran talento a la hora de componer sino que se los nota más afirmados, con un Sherenian mucho más protagonista en el sonido (en esto puede influir el hecho que el tecladista fue el último en sumarse a la banda y mucho material ya estaba listo en su momento mientras que ahora estuvo desde el vamos en la composición) como lo muestra el duelo imperdible con Bonamassa en el tema que abre el album. Lo que se puede poner como contra de este segundo trabajo es que, a diferencia del debut, no nos sorprenden con nada, es exactamente lo que uno esperaba de un segundo album de Black Country Communion, hard rock potente y bien de los 70's, con influencias de Led Zeppelin, Deep Purple y las grandes bandas de la época.

Aunque a decir verdad estoy mintiendo si digo que no sorprenden en el album, cómo no llamar sorpresa al hecho de que en este "2" encontramos un tema inédito de Led Zeppelin, si leyeron bien y es que Jason Bonhan ha declarado que "Save Me" corresponde a las sesiones que había realizado junto a la banda para aquel recital de reunión que muchos esperábamos fuera definitivo pero tras la deserción de Robert Plant quedó solo en eso, un solo show. No es de extrañar la inclusión, no solo por la presencia de Jason, sino también por la buena relación de Black Country Communion con Jimmy Page, que en algún momento se había rumoreado haría algún aporte en el debut.

El album fue producido nuevamente por el quinto miembro de la banda, Kevin Shirley en los Shangri-La Studios de Los Angeles (los videos de la grabación pueden verse por youtube) y saldrá a la venta el 13 de junio por Mascot Records en Europa y J & R Adventures en los Estados Unidos. Está disponible para bajar por la página de la banda el tema de difusión, "The Outsider".

Pero a falta de mayor información del album voy a transcribir algunas partes de una jugosa entrevista a Hughes en su gira de promoción del album dada en España el 11 de abril y promocionada por la agencia Top Artist Promotion, por cierto es imperdible su versión acústica de "Cold", otro de los temas del album e interpretada solo The Voice Of Rock y su guitarra.

¿Por qué ha pasado tan poco tiempo entre el primero de los trabajos oficiales de Black Country Communion y este 2? - "Editamos dos álbumes tan seguidos para disponer de dos discos en los que poder escoger las mejores canciones para los directos. Además, este año sacaremos para navidades un DVD, CD y Blu-ray...", un notición de Glenn adelantando lo que viene par fin de año.
¿Te sigues sintiendo el mismo ahora que cuando grababas con Deep Purple? - "En aquellos días estaba demasiado cargado, totalmente fuera de mí. Un chico muy joven con el mundo a sus pies, como Ronaldo… Era el Ronaldo del bajo. (Risas) Excepto que Ronaldo no le da a la cocaína. Ahora soy el líder y el tipo más viejo de una banda con corazón juvenil, y además soy el compositor. Quiero llevar a esta formación a la cima del Everest, para quedarnos definitivamente allí. Somos más que un simple proyecto, pues seguramente Black Country Communion represente a la más caliente banda de rock en mucho tiempo. Estamos muy felices. Las ventas van muy bien".
Antes hablabas de regresar a España igualmente en octubre, aunque ya con tu banda particular. ¿Será para presentar un nuevo disco de Glenn Hughes? - "No, y te digo la razón. Cuando en mayo del año pasado Kevin y Joe vinieron a mi casa, me dijeron que querían que escribiese los temas para 2, pues Joe estaba totalmente ocupado. Y Joe reconoció que lo que yo había escrito para el primer álbum casaba con lo que debería oírse en el siguiente. Así que me fui al estudio con mi Gibson acústica y regresé con diez canciones, con los huesos de lo que sería el trabajo final. Joe puso luego su parte, Kevin también, pero la estructura principal viene de lo que compuse a altas horas de la noche, cuando mi familia estaba durmiendo y la casa estaba totalmente en calma. Escribí letras realmente oscuras para canciones muy duras. ¿Por qué? Porque los seguidores del rock quieren escuchar esa mierda oscura. No puedo escribir sobre mis gustos por el pop o sobre mi amor en cada disco. Vivimos en tiempos oscuros, en un oscuro mundo de mierda. Así que he escrito sobre la muerte, la soledad, sobre los incomprendidos, que al final es lo que son los rockeros", de modo que por el momento no hay que esperar un nuevo album solista de Glenn.
¿Tienes intención de convertir Black Country Communion en un proyecto duradero? - "Sólo tienes que pensar en los que ahora están en la banda. Joe Bonamassa, posiblemente el más grande intérprete de blues con vida. El nuevo estrellón. El hijo de Bonzo, Jason, que lleva tocando de una manera increíble los últimos cinco o seis años. Y qué decir cuando Derek interpreta en Dream Theater; yo directamente pienso en un nuevo Jon Lord. En cuanto a mí, soy un auténtico superviviente del rock. Me gusta la música funky, el r&b, la música negra en general, pero, si a vosotros os sigue pareciendo bien, continuaré como La Voz del Rock… y pienso rockear. Siento a Ronnie James Dio y a Dios, cada uno por un lado, pellizcándome el trasero y diciéndome: «Dale al rock, rockea puto rockero»".

Y para finalizar: ¿Cómo te afectó personalmente el reciente fallecimiento de Gary Moore? - "La noticia me pilló en Los Ángeles. Me desperté por la mañana en un hotel de la ciudad y tenía una llama de mi oficina de promoción. Me dieron la noticia de que Gary había fallecido. Nosotros habíamos hablado el año pasado, discutiendo la posibilidad de trabajar nuevamente juntos. No sabíamos si él tocaría en uno de mis discos o yo cantaría en uno de los suyos. Nos volvíamos a considerar amigos una vez más".

El disco abre con el single de difusión, "The Outsider", un hard rock a pura potencia y tiempos rápidos, con un riff arrollador y un Hughes fantástico tanto en la voz como en el bajo conformando nuevamente una dupla de lujo junto a Bonham, Sherenian mete unos teclados impresionantes y se trenza en un duelo de virtuosismo fantástico con Bonamassa a la hora de los solos. "Man In The Middle" es un hard rock de tiempos medios, bien fuerte como ya muestra el inicio de Bonham que en elgunos momentos me recuerda a pasajes del "Fused" de Hughes junto a Tony Iommi, excelente tarea de los teclados dando una atmosfera casi a los Rainbow de "Rising". Luego llega el turno de Bonamassa en la voz con "The Battle For Hadrian’s Wall", un tema acústico con toda la magia de Led Zeppelin. Luego llega el ya comentado "Save Me", siete minutos cuarenta y dos segundos de esplendor total, un tema que parece salido del extraordinario "Physical Graffiti" con un Hughes que no deja de maravillar a la hora de cantar y Bonamassa metiendo unos solos fantásticos. "Somekestack Woman" es otro hard rock potente y de tiempos medios, con Sherenian nuevamente poniendo muy buenos teclados. "Faithless" es un bues rock del sello del Bonamassa solista, con un Hughes impecable en la voz, un Sherenian aportando las notas justas y un Bonham extraordinario. "An Ordinary Son" es una balada con momentos rockeros donde Bonamassa tiene la mayor parte de la voz a su cargo, con Hughes aportando su sello en la parte central del tema para llegar a notas más altas y poner una muy buena cuota de emoción. "I Can See Your Spirit" es un hard rock con el estilo zeppeliniano donde las guitarras los teclados nuevamente se complementan de maravillas. "Little Secret" es un blues de pura cepa, con unso fraseos a pura emoción de Bonamassa y un Hughes que eriza la piel. "Crossfire" es un medio tiempo de tono cambiante, lento en el inicio y fuerte a comtinuación para terminar de forma melodiosa. El final es con "Cold" una balada densa y oscura, una forma más que muy buena de cerrar el album.

Otro muy buen album de Black Country Communion.

"To Be With You" & "Superfantastic" Mr. Big

2011-05-16T20:27:00.020-03:00

En esta entrada voy a comentar dos singles de Mr. Big, uno de su etapa con Paul Gilbert y otro de la etapa con Richie Kotzen, son dos baladas que lograron gran éxito en ventas, la primera Nº 1 de Billboard (y buena parte del mundo) y la segunda Nº1 de las listas japonesas, pero lo que nos interesa en este caso es que en ambos singles hay covers de Deep Purple.

Tanto Gilbert como Kotzen han participado de tributos a Deep Purple (Gilbert sorprendiendo en su versión de "Maybe I'm A Leo" cantando casi como un clon de Ian Gillan) y el resto de la banda no va en saga (Billy Sheehan por caso ha trabajado con Glenn Hughes en más de una oportunidad, de hecho es imperdible la versión de Sheehan junto a The Voice Of Rock de "Burn" donde Billy le arranca un "Oh My God" a Hughes tras su solo de bajo reemplaznado al de hammond de Jon Lord) pero en los shows en vivo de la banda (sin duda uno de los espectáculos más impresionantes para quienes gusten del virtuosismo) suele haber siempre algún tema de Deep Purple, en los primeros shows del grupo, a fines de los 80's y principios de los 90's el elegido era "Woman From Tokyo" y fue incluido en "Raw Like Sushi II" de 1992. Ya en la era de Kotzen, a fines de los 90's y primeros años del nuevo milenio el infaltable tributo a Deep Purple era "Burn", generalmente en versión instrumental /que puede verse en youtube), pero en este caso se incluyo una versión en estudio para integrear el primer single del album "Get Over It". A esto podemos agregar que en la reunión de la banda para conmemorar los 20 años de su creación se incluyo "Smoke On The Water" en el en vivo "Back To Budokan", éste con una particularidad sello de los shows en vivo de la banda, Billy Sheehan toma la voz y pasa el bajo a Pat Torpey que deja la batería en manos de Paul Gilbert, que a su vez deja la guitarra en manos de Eric Martin.

Pero vayamos a los singles, varias ediciones de "To Be With You" (tapa a la derecha, todas las ediciones tenían el mismo arte de tapa), el tema que paso a la banda del status de supergrupo de virtuosos a la de "multi-million seller" y liderara el Billboard hot 100 por varias semanas, la realizada en vinilo tiene como cara "A" a "To Be With You" y como "B-side" a "Green-Tinted Sixties Mind" (un tema que poco después sería editado como cara "A" en otro single), en tanto que las ediciones en CD son dos, una de tres temas con "To Be With You/Green Tinted Sixties Mind/Road To Ruin" ("Road To Ruin" es otro tema del album "Lean Into It" de donde se sacaron los dos cortes ya mencionados) y la que interesa para la entrada con cuatro "To Be With You/30 Days In The Hole (Live)/Shy Boy (Live)/Woman From Tokyo-Baba O'Riley (Live)" (los dos primeros temas en vivo saldrían editados en el segundo en vivo de la banda, "Mr. Big Live: Live In San Francisco", en tanto que la de "Woman..." es la misma versión editada en "Raw Like Sushi". Por su parte la edición de "Superfantastic" (tapa a la izquierda) traía como acompañantes a dos inéditos, "You Don't Have To Be Strong", que luego sería incluida en el album "Deep Cuts" (album que tedría ventas millonarias pero pensado para fans y oídos melosos pues se trara de una copilación de ocho baladas de la época de Gilbert con ocho baladas de la era Kotzen, una de ellas versión en vivo, tres versiones nuevas de viejos temas de Gilbert, dos temas nuevos y los dos temas de este single) más la versión de estudio de "Burn" cerrando el combo.

Empecemos con "To Be With You", la balada acústica que nadie ha dejado de escuchar por lo menos una vez desde que rompiera los charts en 1992, sin demasiado para gregar sobre ella. "30 Days In The Hole" es un cover del clásico de Humble Pie que se ha convertido también en un clásico de la banda, fue incluido en su album debut "Mr. Big" y luego fue tocado practicamente en cada show tanto de la era Gilbert como de la era Kotzen (incluso tras la separación de la banda, en 2002 durante la gira solista de Kotzen por Japón, el tema era tocado en los bises con la única ausencia de Eric Martin a la voz, pero luego en la gira sudamericana que el cantante hiciera junto con Kotzen era comunmente el tema elegido para hacer juntos al final del show). "Shy Boy" es un cover de Talas, la primer banda de Billy Sheehan, un tema compuesto por el bajista casi de speed pero basado en la técnica desmesurada que requiere para toda la banda y que ya fuera grabado por David Lee Roth en "Eat Em' And Smile" con Sheehan y Steve Vai haciendo de las suyas (y sin olvidarnos de Bissonette pues la batería también es complicada), en este caso la versión es tocada en vivo y suena arrolladora, con Sheehan, Torpey y Gilbert deslumbrando y realizando la mejor versión del tema. El final es con "Woman From Tokyo/Baba O'Riley" un mix que comienza con el tema de Deep Purple que llega hasta el cambio de ritmo donde la banda introduce el tema de The Who, otro de sus clásicos en vivo.

"Superfantastic" fue el primer single del album de regreso de la banda en 1999 tras entrar en una pausa dos años antes, iniciada por el cansancio de las grabaciones y giras constantes tras la gira de "Hey Man"; pero a la hora de volver a juntarse Paul Gilbert había privilegiado su carrera solista y su vieja banda, Racer X, por sobre los roces que había tenido con Martin (en alguna oportunidad de no haber sido por Pat Torpey se habrían tomado a las manos en los camerines), a la hora del reemplazo los tres miembros que seguían en la banda se ponen de acuerdo en una cosa, solo había dos guitarristas con capacidad para reemplazar a Gilbert en el estilo schredder de la banda, y los nombres eran Steve Vai y Richie Kotzen, descartado el primero que Sheehan sabía prometió no volver más a una banda tras su paso por Whitesnake tientan a Kotzen, por ese entonces en Vertú, tras terminar las fechas pactadas para la superbanda de fusion, y sabiendo que de momento no estaba en los planes de Stanley Clarke ni de Billy White realizar otro album, el guitarrista se une a la banda y éste primer single no trae sorpresas pues a la manera de los viejos hits de la banda es una balada acústica y ultrapegadiza, que en los Estados Unidos ya no funciona pero en Japón es N° 1 y permite que el album venda solo en su primer semana más de 175.000 copias. "You Don't Have To Be Strong" es una joya de principio a final, una balada plena del r&b más característico de Kotzen, con las voces compartidas verso a verso como en ningún otro tema de la banda permitiera Eric Martin, luego se incluiría en el album "Deep Cuts" dejando como único tema imposible de conseguir como no fuera con el single original a "Burn", y vaya si merece la pena conseguirlo, una versión potentísima, con un Torpey sonando tan impresionante como Paice, Martin en el rol de Coverdale y Kotzen/Sheehan haciendo de Hughes, impresionante Kotzen con un riff levente modificado y un solo para volar lo sesos donde el bajo mete algunos aportes, pero todos los laureles son para Sheehan que mete nota por nota el solo de Lord (y quien no lo crea posible y piense en un truco de estudio, no tiene más que ver los videos en vivo con Mr. Big o con Hughes para darse de cara con la realidad) y muestra una vez más que dificilmente hay un bajista con el grado de técnica que se acerque al suyo, en el final es Kotzen quien vuelve a lucirse con una escala a toda velocidad.

Unas versiones de clásicos de Deep Purple muy buenas de una banda que hizo del virtuosismo un vehículo para sus composiciones y no una simple muestra de técnica asombrosa, como comentara algún crítico, probablemente la única banda/artista de schredder que tenía algo más que decir que puro virtuosismo.

"SIN-ATRA" Varios (Glenn Hughes)

2011-05-16T20:17:00.010-03:00

Bob Kulick (Michael Bolton, Kiss, Diana Ross, Lou Reed, W.A.S.P., Meat Loaf) y Brett Chassen (Michael Schenker, Brett Michaels, Rikki Rockett, Lynch Mob, Tim "Ripper" Owens) producen un nuevo tributo, esta vez bajo la producción exclusiva de Wendy Dio y con Frank Sinatra como homenajeado. En esta oportunidad hay una banda estable en todos los temas, cambiando solo el cantante encargado de homenajear a Ol’ Blue Eyes, la misma está conformada por los mismos Kulick y Chassen en guitarra y batería respectivaente; Doug Katsaros (Paul Stanley y orquestador de obras teatrales para Broadway) en teclados y orquestación y ni más ni menos que Billy Sheehan (Talas, David Lee Roth, Mr. Big, Niacin, Steve Vai, Richie Kotzen) en bajo. Como invitado especial, poniendo las guitarras en "That’s Life" aparece el ex compañero de Sheehan en Mr. Big, Richie Kotzen (Poison, Vertú, Mr. Big).

La lista de cantantes es de lujo: Glenn Hughes, Dee Snider (Twisted Sister, Widowmaker), Devin Townsend (VAI, Strapping Young Lad), Jani Lane (Warrant), Robin Zander (Cheap Trick), Geoff Tate (Queensrÿche), Tim "Ripper" Owens (Judas Priest, Malmsteen), Eric Martin (Mr. Big), Joey Belladonna (Anthrax, Belladonna), Doug Pinnick (King's X), y los menos renombrados Franky Perez (guitarrista de "Scars" en Broadway además de cantante, en el plano dl rock ha trabajado con Slash y Carnival Of Dogs, banda de covers en la que tiene de compañeros a Matt Sorum, Tracii Guns y Phil Soussan) y Elias Soriano (Nonpoint).

Musicalmente se trata de versiones muy cambiadas, demasiado cambiadas y heavy metal; a la hora de un tributo están quienes realizan versiones idénticas a las originales o tributadas y quienes dan su aporte personal a las versiones, generalmene prefiero estas últimas pero una cosa es poner un aporte personal a un tema y otra distinta es cambiarlo completamente, es verdad que en algunas oportunidades la receta funciona, pero por lo menos a mi gusto éste no es el caso, yo esperaba que se realizaran veresiones como la que realizara David Lee Roth en "Eat 'Em And Smile" de "That's Life" pero distan mucho de ello. Pero bueno, en última instancia este tributo tal vez sea una venganza de ultratumba del Rey Elvis, ya que Ol’ Blue Eyes había dicho allá por mediados de los 50's, tras escucharlo por primera vez, algo así como que "el rock 'n roll es la más brutal, fea, desesperada y viciosa forma de expresión que ha sido mi desgracia escuchar ...".

La producción como ya comentara fue de Kulick y Chassen, con Wendy Dio como productora exclusiva y se editó por Eagle Rock Entertainment el 29 de marzo de 2011.

Hay poco y nada del swing característico de Sinatra, la mayoría de las melodías son trabajadas por los teclados y arreglos de Katsaros, mientras el resto, Kulick, Chassen y Sheehan crean un ambiente muy heavy metal y los cantantes, cada uno en su estilo, acomodan las letras.
El inicio es con "EL" clásico de Frank, "New York, New York" y está en la voz de Devin Townsend; con un riff pesadísimo es irreconocible salvo por las melodías vocales, la primera vez que lo escuche casi apago el equipo pero más allá de algunos excesos de Townsend (tras su debut en "Sex & Religion" de VAI esperaba mucho más de lo que le escuche luego al cantante) es bastante aceptable aunque como han escrito en alguna reseña pareciera una parodia de Jack Black. Luego llega The Voice Of Rock para otro gran clásico de Sinatra como "I've Got You Under My Skin", esperaba más de Hughes que siempre sorprende en los tributos, pero en definitiva termina convenciendo, la voz y los teclados siguen un rumbo más melódico en tanto que la guitarra es muy pesada con una base cambiante pero siempre muy heavy, de todas maneras Kulick deja unos buenos fraseos. "Summerwind" está en manos de Geoff Tate y el germano realiza la mejor interpretación hasta el momento, tabién ayuda el hecho de tener el respaldo menos agresivo de la banda, con preponderancia de los teclados, Kulick deja un solo excelente y Sheehan una muy buena tarea. Luego llega "It Was A Very Good Year" en la voz de Dee Snider, para la mayoría de las críticas la mejor versión del trabajo, con un inicio que pareciera "Kashmir" de Led Zeppelin que permanece en la base y un ambiente a lo "Innuendo" de Queen en el que la voz pone muy buen dramatismo sin apelar a fuerza exagerada, otra vez Kulick deja muy buenos fraseos. "Witchcraft" está en la voz de Owens y se aleja bastante de las tareas de Snider y Tate, por momentos casi un regreso a su pasado por Judas Priest. Otro gran clásico como "Fly Me To The Moon" está en la voz de Zander, y hace un buen trabajo, aunque al igual que en el caso de Hughes el acompañamiento de la banda es demasiado agresivo. otro clásico conocido por todos como "The Lady Is A Tramp" llega con la voz de Eric Martin y al igual que en el caso de Hughes era una de las versiones que más esperaba por la capacidad vocal del cantante de Mr. Big, y con unta tarea de la banda casi a lo Van Halen es otro de los temas que no defrauda para nada. "Strangers In The Night" está en manos de Belladonna y por el contrario era una de las versiones que menos confianza le tenía, esperaba una versión a lo Anthrax (más luego de escuchar cómo venía el tributo), totalmente distinta a la original pero es una sorpresa y dentro de una versión potente, el cantante da mucha melodía al tema, muy buen solo de Kulick. "High Hopes" en la voz de Perez es tal vez una de las versiones más irreconocibles, para todo el que no conozca la letra le parecerá un tema de hardcore con algunos arreglos de teclados. "Love And Marriage" está en manos de Soriano y pese a tener el inicio más puramente a lo Sinatra, rápidamente se torna muy heavy, con arreglos poco inspirados conformanado de lo más flojo del trabajo. "I've Got The World On A String" en la voz de Dug Pinnick era otra de las versiones que esperaba con mucha confianza, pero se torna casi un tema de speed poco después del comienzo y sin ser una mala versión no termina de convencer. El final es con "That's Life" en la voz de Lane y con Richie Kotzen tomando la guitarra y dejando un trabajo con su sello de calidad (fantástico solo), musicalmente deja la mejor versión, con Lane dejando una grata sorpresa (no le tenía mucha fe) pero que termina perdiendo al compararla con la que realizara David Lee Roth en su debut solista 25 años antes.

Un tributo que a mi gusto va de regular a bueno, con cosas buenas por aquí y por allá pero que en líneas generales sale perdiendo por el estilo demasiado metalizado de la mayoría de las versiones.

"Classic Snake Live" M3 (Bernie Marsden - P.A.L.; Whitesnake - Micky Moody - David Coverdale; Whitesnake - Neil Murray - Whitesnake

2011-05-11T16:07:00.020-03:00

En 1997, Bernie Marsden, Micky Moody conforman The Snakes junto a Jørn Lande en voz, Willy Bendiksen (originalmente el puesto era de Cozy Powell) en batería y Sid Ringsby en bajo grabando 2 albums, uno en vivo con covers de Whitesnake "Live In Europe" (ya comentado oportunamente en el blog por la participación de Don Airey); y uno de estudio con material nuevo llamado "Once Bitten", ambos editados en 1998. Lande abandona el grupo pues deseaba marcar un nuevo rumbo y no girar con covers de Whitesnake, entonces Don Airey pasa a ser parte estable de la banda, se suma al combo Neil Murray en bajo y John Lingwood (Manfred Mann's Earth Band) en batería, e ingresan como cantantes primero Robert Hart (Bad Company), luego Gary Barden (MSG, Silver) y fianalmente Stefan Berggren (Snakes In The Paradise, con quienes Glenn Hughes había colaborado en el pasado en la composición de temas) y conforman The Company Of Snakes, bajo este nombre editan dos nuevos albums, una vez más uno en vivo con covers de Whitesnake, "Here They Go Again" en 2001, y uno de estudio con material nuevo, "Burst The Bubble" en 2002 (ambos ya comentados en el blog). Tras esto Airey deja la banda y poco después lo hace Berggren; la banda pasa a llamarse M3 y Tony Martin (Back Sabbath) es invitado como cantante, ingresando en lugar de Airey el pianista de Magnum, Mark Stanway; luego quien deja la banda es Lingwood, ingresando en su lugar Jimmy Copley (Jeff Beck, Graham Parker, Paul Young, Roger Glover, Magnum, Ian Gillan, Glenn Hughes, Go West, Killing Joke, Tears For Fears, Seal, Tony Iommi, Paul Rodgers y quien ya había reemplazado a Lingwood en Manfred Mann's Earth Band), con esta formación giran por Rusia y luego el resto de Europa, durante uno de los shows por el centro de Europa graban "Classic Snake Live" (tapa a la derecha y contratapa a la izquierda) que fue editado como album doble de manera completa en Japon y como "Vol. 1" en Gran Bretaña (tapa y contratapa abajo a la izquierda y derecha donde se ven las diferencias con el agregado del Volume 1 en una y netamente diferente la otra), quedando sin editar en Europa la segunda parte del show (lo editado es el CD 1 de la edición japonesa). En 2005 llegaría el CD/DVD "Rough An' Ready" en el que participa nuevamente Berggren y hace una aparición el ex Rainbow Doogie White como invitado en "Here I Go Again".

Musicalmente, y por lo menos a mi gusto, este es el mejor album de tributo a Whitesnake (o casi autotributo teniendo en cuenta que tenemos a 3 miembros de la banda), con Moody, Marsden y Murray sonando tal cual en las viejas épocas de gloria, un Tony Martin en esplendor, cantando con solvencia y categoría, pero sin preocuparse por sonar como un clon de David Coverdale, un Copley que por momentos pareciera el mismísimo Ian Paice y Stanway con un protagonismo menor al de Jon Lord (su ídolo) en muchas partes del show, pero al mismo tiempo metiendo aportes de excelencia en más de una oportunidad (como el piano que agrega a "Love Hunter").
El show fue grabado el 13 de agosto de 2003 y son casi dos horas imperdibles de clásicos de la serpiente blanca en su etapa clásica.

La producción fue de Marsden y se editó por Little House Records en 2003, en Gran Bretaña salió por Castle Records. Se reeditó en 2008 por Octet Records de Japón, también en formato doble con el show completo.

El encargado de iniciar el show es nada menos que "Walking In The Shadow Of The Blues", un inicio a puro hard rock en una versión aplastante de este clásico del album "Lovehunter" de 1979, segundo album de la banda y primero en dejar una verdadera huella profunda en las memorias de los fans. "Don't Break My Heart Again" del fantástico "Come An' Get It" con la banda ya en esplendor total en 1981 y una nueva muestra aplastante de la calidad de esta nueva formación llamada M3, con fuerza arrolladora en lo instrumental y una tarea impresionante de la voz y los coros, con el público acompañando. El set continúa con otro clásico de "Come An' Get It", el blusero "Lonely Days Lonely Nights", con una tarea excelente de las guitarras, buen acompañamiento de los teclados y un Tony Martin sencillamante fantástico. No hay dos sin tres y llega otro clásico de "Come...", el hard rockero "Hit 'An Run", con fuerza, armonías vocales excelentes y solo de voice box de parte de Marsden que es contestado por un gran solo de slide de Moody. Pasamos al tema que le dio título al primer album de ventas arrolladoras de la banda, "Ready An' Willing" de 1980, otra gran tarea de las voces y un Stanway muy solvente acompañando a las guitarras que se baten en un duelo espectacular. Le sigue otro clásico de "Ready An' Willing", el zeppelinesco "Ain't Gonna Cry No More", una de esas composiciones tan a lo Page que solía dejar en cada album de la serpiente Micky Moody, muy buena intro de las guitarras acústicas, extendiendo a la original y retrasando el ingreso de los característicos teclados que pusiera Lord, casi diez minutos de esplendor con Marsden tomando la voz en la parte acústica del inicio para que Martin tome la posta a la hora de la potencia rockanrrollera que le sigue y donde el cantante hasta deja una muletilla clásica de Coverdale, el famoso "No More". Luego es turno de introducir en el set un tema de "Saints & Sinners", el album que sería la despedida de Ian Paice de la banda (y de Neil Murray, Bernie Marsden y Micky Moody aunque este solo por un tiempo, al igual que el bajista que volvería más tarde a la banda, pero por un tiempo Whitesnake se redujo únicamente a Jon Lord y David Coverdale), y el tema elegido es el que inicia el trabajo de 1982, "Youngblood" un hard rock potente y de estribillos pegadizos, una joya de la banda. Luego llega el primer clásico de Whitesnake, la balada blusera "Ain't No Love In The Heart Of The City" del EP que iniciara la leyenda, "Snakebite" de 1978, versión de guitarra que emocionan y hacen añorar aquellas épocas, con el público cantando, una nueva tarea muy solvente de Stanway acompañando con los teclados y un Copley excelente. Volvemos a las épocas de "Come An' Get It" y llega el fantástico "Child Of Babylon", con una versión excelente en la que se destaca la potencia de Copley. Desde "Saints & Sinners" llega el superclásico "Here I Go Again", pero en una versión que está más cerca de la llamda "Radio Mix" de 1987 con Dan Huff en las guitarrras y Denny Carmassi en la batería que a la original, tanto en el sonido de las guitarras, incluido el solo, sino también por sacar las partes de teclado solo que acompaña a la voz en la original, de todas maneras, y como era de esperarse el público acompañana en todo momento. El final del primer CD es con "Take Me With You" del primer album de la banda, "Trouble" de 1978, un tema potente y rápido que aún perdura en los sets de Whitesnake y donde Stanway esta vez si tiene peso específico dentro de la formación y deja un solo atronador de hammond al mejor estilo de Lord y un solo fantástico de Copley.
El inicio del CD 2 es con el tema que diera título al primer album de la banda, "Trouble". "Slow And Easy" de "Slide It In" tal vez no era una inclusión esperada por muchos, pero si bien la versión más conocida del album es la americana con John Sykes reemplazando y regrabando las partes de Moody, en esa misma versión regresa a la banda Murray reemplazando y regrabando las partes de Colin Hodgkinson, y más allá de eso, es otro de los grandes clásicos que Moody aportó al repertorio de Whitesnake. Lueog llega el tema que dio título al segundo album de la banda, "Love Hunter". Regresamos a "Saints & Sinners" y otro de sus grandes clásicos, "Crying In The Rain". Es turno de otro hit de "Lovehunter", esta vez con "Medicine Man". Nos acercamos al final del show y no podía faltar "Fool For Your Loving" de "Ready An' Willing". El final es con uno de mis temas preferidos de la banda, y uno que solo en contadas oportunidades apareciera en los sets, "Wine Women And Song" de "Come An' Get It".

Un album excelente y más que recomendable en su versión completa, la japonesa.

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"Live At The Greek" Stanley Clarke & Friends (Stanley Clarke - Joe Satriani; Billy Cobham - Tommy Bolin)

2011-05-08T13:02:00.017-03:00

Este album en vivo es una presentación de lujo realizada en el teatro The Greek de Los Angeles por una superbanda comanda por Stanley Clarke (bajos acústicos y eléctricos); con invitados de lujo como Najee en saxos soprano, alto & tenor, flauta, sintetizadores, tabla y WX7 Wind Controller; Deron Johnson en teclados; Larry Carlton en guitarras acústicas y eléctricas; y Billy Cobham en batería y percusión.

Sobre la relación con la familia podemos contar la participación de Joe Satriani en el album "1, 2 To The Bass" de Clarke y en cuanto a Cobham el impresionante "Spectrum" con Tommy Bolin en las guitarras.

Musicalmente hay un problema básico con este album, y es que los temas son tocados en un tono bastante comercial o de Smooth Jazz. Eso no necesariamente es malo pero, sobre todo en la versión de "Stratus" se hace muy palpable, Carlton es un guitarrista impresionante pero de esa clase que parece salida de un molde industrial, técnica y sonido impecables pero sin la personalidad de Tommy Bolin. Distinto es el caso de la versión de Clarke de su tema más clásico, "School Days" en una versión impresionante de más de veintiún minutos. Claro que analizando la formación más a fondo no era de extrañar el sonido, tal vez uno al ver los nombres de Clarke y Cobham esperara un album de fusión agresiva, pero lo cierto es que Najee nacio dentro de la esfera del Smooth Jazz y su estilo es comercial (paradójicamente su trabajo menos comercial es con uno de los reyes de las ventas en los 80's pero en su etapa más anti-comercial, hablo del excelente y oscuro "Rainbow Children" de Prince); lo mismo vale para Johnson que más allá de haber sido descubierto por Miles Davis (cuando giraba con la banda de Paula Abdul en su era de gloria allá por 1991 cuando la luego jurado de American Idol acumulaba 10 albums de platino en los Estados Unidos con sus dos albums, "Forever Your Girl" de 1988 que ostenta el record de ser al album debut con más hits Nº 1 en Billboard, y "Spellbound" de 1991) y haber realizado giras con el trompetista y grabado su último album, "Doo Bop", y tener participaciones de varios albums de "jazz purista" en su haber, se ha destacado como tecladista de Seal, que más allá de sus virtudes no deja de ser una muestra del soul más comercial. En el caso de Carlton la situación no varía demasiado, tiene un estilo prolijo y un sonido impecable (sus mayores influencias son Joe Pass, Wes Montgomery, B.B. King y más allá de no ser guitarrista lo influencia su estilo John Coltrane) pero que mayormente muestra una veta comercial (y no en vano ha sido guitarrista de Michael Jackson, Joni Mitchell, Billy Joel o Four Tops) y cierro como comence e párrafo, ser comercial no tiene nada malo y de estos tres músicos hay albums excelentes (los albums de Carlton "No Substitutions: Live in Osaka" con Steve Lukather o "Take Your Pick" con Tak Matsumoto, ambos trabajos ganadores del Grammy, son imperdibles), pero marcan que si uno espera de este trabajo un album de fusion al estilo de los del Miles Davis "electrico"; de "Spectrum", de la Mahavishnu Orchestra, o de Return To Forever de Chick Corea se llevará un chasco.

La producción fue de Clarke y se editó el 8 de julio de 1994 por Sony Music, alcanzó el puesto Nº 10 del Top Contemporary Jazz Albums de Billboard.

En este trabajo podemos encontrar un poco de todo, raices rock con "Minute By Minute"; jazz con el cover de Miles Davis "All Blues"; smooth jazz puro de principio a final con "Buenos Aires" de Najee y lo mejor de la fusion con clasicos tremendos como "Stratus" de Cobham con Tommy Bolin y "School Days" de Clarke.

El inicio es con "Minute By Minute", un cover de los Dobbie Brothers que Carlton popularizó como instrumental, con un Najee magnífico y un Carlton excelente en medio de una atmósfera de smooth jazz, un inicio corto (es el tema de menos duración) para poner a la audiencia en clima. Luego llega el momento más cambiante del album, la versión de casi diez minutos "Stratus", se inicia con un solo de Cobham y luego Clarke mete la línea de bajo pero luego hay que dejarse llevar y escuchar el trabajo de Carlton y Najee proque no hay nada de la furia y estilo de Bolin. "Buenos Aires" es un tema de Najee, editado en su album "Tokyo Blue" que llegara al Nº 1 del Top Contemporary Jazz Albums y al Nº 63 del Billboard 200, melodías delicadas y excelentes saxos con unacompañamiento de primera. "All Blues" de Miles Davies en una versión retocada y de catorce minutos (la original es de once minutos y medio) con solos excelentes de Carlton y Johnson que también deja una trea fantástica en el piano, la base conformada por Cobham y Clarke de más está decir suena impecable, claro que para un fan de Davis probablemente el sentimiento por el cambio sea el mismo que en "Stratus" para un fan de la fusion más clásica. "Goodbye Pork Pie Hat" es un cover de Charles Mingus que Clarke ya versionara en 1988 y entre otros fuera grabada por Jeff Beck, John McLaughlin, Derek Sherinian y Andy Summers por mencionar solo nombres del ambiente del rock; diez minutos de luciemto de toda la banda con excelentes solos y Cobham fantástico. "Her Favorite Song" es un tema de Carlton editado en su album "Discovery" de 1986. El final es impresionante con la versión de veintiun minutos de "School Days".

Un muy buen album, casi excelente si uno deja de lado preconceptos y lo escucha como si de material nuevo se tratara.

"Tattooed Millionaire" Bruce Dickinson (Don Airey)

2011-05-08T12:48:00.010-03:00

"Tattooed Millionaire" (tapa a la izquierda) es el debut solista de Bruce Dickinson, grabado en 1990 y que nace tras una propuesta al cantante para grabar un tema para la película "Nightmare On Elm Street 5: The Dream Child", el tema que cuestión era "Bring Your Daughter...To The Slaughter" que pardójicamente no es parte del album y si es regrabada más tarde por Iron Maiden y editada en "No Prayer For The Dying", convirtiéndose en el único Nº 1 de la banda en Gran Bretaña, además el ex Gillan, Janick Gers es el guitarrista y prinipal colaborador de Dickinson en el album, y por la misma época reemplazaría a Adrian Smith en el mencionado album de Maiden permaneciendo en la banda hasta la catualidad, aún durante el lapso en que Dickinson fue reemplazado por Blaze Bayley.

En la edición original no hay participación de ningún miembro directo de la familia purpura, si la ya mencionada de Gers como guitarrista de todos los temas y compositor de 8 (solo no firma el cover de Mott The Hoople "All The Young Dudes" de 1972, su tema más recordado compuesto por David Bowie (el tema llegaría al Nº 3 de las listas de Gran Bretaña y al Nº 37 de Billboard) y el team que cierra el album, "No Lies", firmado por Dickinson en soledad (al igual que "Bring Your Daughter...To The Slaughter"); sin embargo en la edición expandida de Sony Legacy de 2002 aparece el tema "Darkness Be My Friend" (también de Dickinson en soledad), un outtake del album que tiene como tecladista a Don Airey que había aparecido originalmente en esta misma edición pero solo en Australia. Más tarde, en 2005 una nueva edición, esta vez con un CD extra (tapa a la derecha), agrega una versión en vivo de un tema de Deep Purple, ni más ni menos que "Black Night" (no hay que olvidad que es un gran fan de Deep Purple y el album que más lo impacto fue "In Rock" cuando lo escucho a los 13 años).

Musicalmente Dickinson se ve libre de las ataduras musicales que impone Iron Maiden y explora terrenos que le serían imposibles de abarcar en la docella de acero, y en tal camino el album resuta muy criticado por quienes esperaban más de lo mismo, pero la realidad es que si Bruce buscaba un album solista hubiera sido casi ridículo que hiciera algo que podría hacer con Maiden, y una vez alejados los pre conceptos hay que reconocer un gran trabajo del cantate que se ve libre de las ataduras de Steve Harris y cia.

Dickinson es acompañado por el ya mencionado Janick Gers en guitarras, el debutante profesional en un estudio Andy Carr en bajo y Fabio Del Rio en batería, éste último era miembro de Jagged Edge U.K., banda con la que ese año editara "Fuel For Your Soul" donde colaboraba poniendo los teclados Don Airey (album ya comentado en el blog) y fuera soporte de Dickinson, Thunder y David Lee Roth. A ellos se les suma Don Airey en outtake ya mencionado.

Fue producido por Chris Tsangarides (quien ya había trabajado con Airey en albums de Gary Moore, Judas Priest y Tigertailz, con éstos dos ese mismo año). Se edito por Columbia en 1990 alcanzando el puesto Nº 14 en Gran Bretaña; el Nº 100 en el Billboard 200 (ambas sus mejores posiciones solistas); el Nº 33 en Suecia y el Nº 35 en Suiza. Se editaron los singles "Tattooed Millionaire/Ballad Of Mutt/Winds Of Change" que llego al Nº 18 en Gran Bretaña; "All The Young Dudes/Darkness Be My Friend/Sin City (Live)" que llegó al puesto Nº 25 del mismo chart y se realizaron videos de ambos temas principales ("Sin City" se grabo en el Astoria Theatre de Londres el 27 de junio de 1990); "Dive! Dive! Dive!/Riding With The Angels (live)/Sin City (live)/Black Night (live)" que llego al puesto Nº 45 de las listas británicas (los temas en vivo se grabaron en el Astoria Theatre de Londres el 27 de junio de 1990; y "Born In '58/Tattooed Millionaire (live)/Son Of A Gun (live)" (las grabaciones en vivo corresponden al mismo show de los anteriores) que llego al puesto Nº 81 de las listas británicas.

Dada la cantidad de temas y que en lo que respecta a Deep Purple solo hay como referencia el tema con la participación de Airey y el cover de "Black Nigth" solo voy a comentar éstos por cuestiones de tiempo; "Darkness Be My Friend" es una balada acústica de clima oscuro con la voz y la guitarra en soledad hasta la mitad del tema donde ingresa un acompañamiento de teclados muy acertado. "Black Night" es una versión potente y respetuosa de la original, con Gers y Dickinson rindiendo un perfecto homenaje a sus idolos Blackmore y Gillan.

Un muy buen album (salvo para quienes esperen una imitación de Iron Maiden).

"Jazz Tribute To Deep Purple" Air Jazz Quartet

2011-05-07T20:55:00.006-03:00

Uno de los tributos a Deep Purple más originales es el del Air Jazz Quartet, con versiones en las que los franceses se dejan volar y por momentos son irreconocibles pero en las que nunca dejan de mostrar un sello de calidad.

El cuarteto está coformado por Philippe Ballot en batería; François Barisaux en piano; Alain Gaillet en bajo y Philippe Miraille en saxos sprano y tenor.

Se grabó en vivo en estudio durante agosto de 1995 y se editó por Air Transe Music.

El inicio es con "Hush" y desde las primeras notas deja en claro que si a uno no le gusta el ja de más pura cepa, éste no es un album para dejar en el reproductor, versión casi irreconocible, con el saxo y el piano repartiéndose el protagonismo y un gran solo de bajo. Le siguen "Highway Star" y "Black Night", ambas en el mismo estilo y con excelente modificación en la segunda. "Smoke On The Water" es una gran trabajo del cuarteto, nuevamente cambian las melodías (fantásticos el piano y el bajo) y no caen en la tentación fácil de hacer algo parecido a "Maria Quiet" de Astrud Gilberto, versión que originara el tema original. Luego llegan "Woman From Tokyo" y "Strange Kind Of Woman". "Burn" se inicia con el piano en tono melancólico y luego repite el riff casi de manera excata pero prontamente es modificado por el ingreso del saxo. Los temas finales son "Fireball" y "Child In Time".

Un tributo excelente, aunque toma los temas como base para improvisar y llevarlos a otra dimensión. Imperdible para todos lo que gusten del formato de cuarteto de jazz clásico.

"Sense Of Time" The Jan Holbert Project (Joe Lynn Turner)

2011-05-01T18:59:00.010-03:00

Jan Holberg es un bajista de sesión noruego con un gran número de trabajos sobre sus espaldas, finalmente en 2008 decide que es hora de realizar su primer trabajo solista, un trabajo en el que desea plasmar todas sus influencias y estilos en los que ha participado a lo largo de su carrera.

Una vez compuestos los temas, a mediados de 2009 Holberg ingresa en estudios junto a músicos locales para las primeras grabaciones, una vez terminado el trabajo, ya con los demos en sus manos Holberg decide tentar a músicos que lo influenciaron o trabajaron con él para finalizar el trabajo y editarlo; el elegido para la voz es Joe Lynn Turner que una vez escuchados lo demos accede a ser parte del proyecto. A comienzos de 2010 la banda se reune en Islandia para las grabaciones finales, excepto JLT que graba las voces en su estudio de Nueva Jersey y las guitarras que fueron grabadas en Trondheim.

Acompañan al bajista en su presentación solista: Joe Lynn Turner en voz; Gulli Briem (Mezzoforte, Earth Affair) en batería; Eythor Gunnarsson (Mezzoforte) en teclados; Skalg Mikaelson Raaen (Sambandet, Espen Lind) en guitarra; Bente Smaavik (Blonde On Blonde, Perfect Crime) en coros; Oskar Gudjohnsson en saxofón y Vegar Nesset en coros.

Se editó el 28 de marzo por Nordic Records.

El inicio es con el tema título, "Sense Of Time", un hard rock melódico de guitarras suaves y un excelente trabajo de JLT, una joya de mejor A.O.R., buen solo de guitarra. "Mesmerized" es un funk rock que se mantiene en el estilo melódico destacándose el bajo y la voz y un muy buen solo de gutarra. "Sorry" es una balada hecha a la medida de Turner. "Heart Of Summer" en otra balada suave en el comienzo que luego va tomando velocidad y termina en tono A.O.R., otra muestra del talento de Turner para meter voces melódicas. "Wild Eyes" es una intro de bajo de poco más de veinte segundos que sirve para demostrar la técnica de Holberg en su instrumento. "The Meadow" es un instrumental de tono jazz con el saxo como gran protagonista con el bajo mostrando muy buen nivel. "Invincible" es otro tema con influencia funk pero en un tono en un tono más melódico. "Vision Of Lust" es un hard rock bien melódico con una base rockera y buenas melodías. "Come Rain Come Shine" es una balada suave y delicada con buenas guitarras. El final es con otro instrumental, "Mother Nature" con un gran trabajo del saxo y el piano.

Un buen album.

"Richie Kotzen" Richie Kotzen (Stuart Hamm - Joe Satriani; Richie Kotzen - Glenn Hughes)

2011-04-24T21:05:00.018-03:00

En esta seguidilla de trabajos de gente relacionada con la familia purpura estaba buscando algún trabajo ligado a Joe Satriani y me decidí por incluir uno donde aparece Stuart Hamm, junto a Matt Bissonette su bajista más característico y que mejor que aprovechar e incluir un trabajo donde el bajista aparece acompañando a un guitarrista que ha trabajado con Glenn Hughes y además tiene a The Voice Of Rock (junto a Stevie Wonder) como su mayor influencia vocal (pese a que este, su primer trabajo, sea instrumental), estoy hablando de Richie Kotzen.

Este es el album debut de Kotzen, producido por quien fuera su profesor, Jason Becker (en su único trabajo como tal). Kotzen se había generado una ola de fans cuando con su primer banda, Arthurs Museum, con solo 17 años había realizado ya varias giras por Estados Unidos, en una de ellas Mike Varney lo va ver para una de sus columnas "Spotlight" de Guitar Player, terminado el show Varney queda impresionado y le ofrece un contrato para su sello Shrapnel. Su debut solista (con Arthurs Museum había grabado un mini LP "Gallery Closed") llega en 1989 y muestra un estilo mucho más maduro con respecto al trabajo discografico con su banda un año antes, pero muestra un estilo poco personal, lejos todavía del propio que aparecería recién en su tercer album, "Electric Joy" (justo antes de ingresar a Poison, y en aquel momento Brett Michaels decía: "... Para los críticos todo lo que hacemos está mal, en cambio todo lo que hace Richie está bien, de modo que es el indicado para ser nuestro nuevo guitarrista") y más cocretamente su estilo más característico aparecería completamente en su album post Poison (claro que ya en esta banda se nota la personalidad de Richie que con solo 21 años cambia completamente el estilo de la banda y comparte la voz con Michaels en 2 temas, además de meter un tema de guitarra acústica sola, el album vendió más de 2.000.000 de copias en todo el mundo y en los Estados Unidos fue platino), el cuarto solista, "Mother Head's Family Reunion", donde también en la voz se muestra mucho mejor y más personal que en su segundo album, "Fever Dream". Claro que hablar de estilo definido en Kotzen es complicado pues ha abarcado muchos géneros, del heavy/glam de Arthurs Museum o "Fever Dream", al soul rock de "Mother...", pasando por el blues de "Bi-Polar Blues" (sin olvidar su primer acercamiento discográfico al género en la serie L.A. Blues Authority, tanto en el volumen 1 como en el "L.A. Blues Authority Vol. 2 - Blues" de The Voice Of Rock donde Kotzen toca en dos temas y firma uno junto a Hughes), el hard rock de "Get Up" (acá también podemos incluir sus trabajos con Mr. Big, el primero de ellos, "Get Over It" de 1999, vendió 175.000 copias en una semana y solo en Japón, llegando actualmente sus ventas a casi 2.000.000, y al igual que antes en Poison, Kotzen comparte la voz con Eric Martin en varios temas a lo largo de los tres albums de estudio grabados con la banda y los shows y albums tanto oficiales como bootlegs en vivo; el show de despedida de la banda en 2002, en su edición especial de 150.000 copias, se agoto antes de salir a la venta), la fusion de "The Inner Galactic Fusion Experience" y sus dos albums con Greg Howe, "Tilt" y "Project" (albums que le valieron luego ser convocado ni más ni menos que por Lenny White y Stanley Clarke para el trabajo más valorado por el propio Kotzen dentro de su repertorio, "Vertú" de la banda homónima) o el schredder puro de este album debut llamado simplemente "Richie Kotzen" (tapa a la derecha); en definitiva y como el mismo lo dice, su estilo va del rock, blues, jazz y fusion al pop y el soul, lo que le ha generado el privilegio de ser uno de los escasos guitarristas con el honor de tener tres "signature model" de Fender, una Stratocaster y sus preferidas, dos Telecaster (cuyo modelo "Brown Sunburst" es el más vendido en Japón en los últimos años), lo mismo ocurre con los amplificadores, Cornford Amplification ha creado su "signature model", el "RK 100", que en gran Bretaña ha sido elegido como el mejor del año 2005; y los pedales de efectos "G2R" de Zoom han sido programados por el mismo Richie.

Como compañeros para el debut Kotzen contó con dos laderos de lujo, en el bajo Stuart Hamm, uno de los bajistas más reconocidos del schredder; y en la batería Steve Smith, no solo el responsable de la batería en los albums más famosos de Journey sino también dueño de un estilo versatil que le ha permitido pasar por el pop, el A.O.R, el hard rock y también destacarse en el dificil terreno de la fusion (entre estos trabajos contamos el muy buen album de Players, con otro hombre cercano a la familia como T.Lavitz, que comentara poco tiempo atrás).

Musicalmente es muy similar a los trabajos de Steve Vai, Kotzen toca con virtuosismo y deja escalas de veocidad asombrosa, pero no cae en la tentación de realizar un album de heavy clásico para dar rienda suelta a su técnica (la mayoría de los albums del sello por aquel momento pasaban por ahí, desde Jason Becker, Marty Friedman, Cacophony, Greg Howe, Tony McAlpine, Vinnie Moore, o Malmsteen que ya no pertenecía a las huestes de Shrapnel pero era el faro de todo guitarrista solista a comienzos de la década), Kotzen apela al humor y la diversión en sus temas, exactamente como mostrara Vai en sus comienzos (y fuera sello principal de "Eat Em' And Smile" con David Lee Roth), y entre ellos podemos notar algunos destellos propios del estilo que luego desarollaría.

Salió a la venta el 13 de julio de 1989 por Shrapnel Records, la producción fue de Jason Becker y Mike Varney y está descatalogado (lo que es una lástima pero algo entendible, en la discografía de Kotzen es el menos valorado).

El inicio es con "Squeeze Play", un tema que de movida impresiona por la técnica de un Kotzen de 19 años, con un riff entrador una gran tarea de la base rítmica con detalles excelentes de Hamm y buenos cambios de ritmo. "Strut It" sigue la misma línea agregando algunos pases de velocidad asombrososa en los que se luce toda la banda y unos solos que le van a la par. Luego llega el, ami gusto, mejor tema "Unsafe At Any Speed", hilarante, virtuoso y casi imposible de tocar, se inicia casi como jazz, pero luego acelera mostrando todo el arsenal del schredder metiendo cortes abruptos para cambiar el ritmo, un tema que de no ser por el hecho de que actualmente Kotzen se dedica en sus shows a cantar y extender los solos no debería faltar nunca en los sets. El resto del album es: "Rat Trap" que tras un inicio lento muestra algunos detalles de tono clásico. "Cryptic Script" con solos impresionantes y una tarea asombrosa de Smith. "Plaid Plesiosaur" donde Hamm nuevamente se destaca. "Spider Legs" que muestra otra vez el tono más hilarante del album al igual que "Jocose Jenny", tal vez el tema más a lo Vai con sus partes lentas y plenas de efectos. Y el final con "Noblesse Oblige" donde otra vez toda la banda sorprende.

Un muy buen album, una rareza dentro del repertorio de Kotzen que interesa más por lo poco común que por su nivel comparado con el resto de sus trabajos, sin embargo es imperdible para todo fan de las seis cuerdas.

"Cosmic Farm" Rob Wasserman-Craig Erickson-T. Lavitz-Jeff Sipe (Craig Erickson - Glenn Hughes; T.Lavitz - Dixie Dregs; Dregs; Steve Morse Band)

2011-04-23T20:11:00.017-03:00

En este trabajo encontramos una verdadera superbanda conformada por Rob Wasseman en bajo; Jeff Sipe en batería; y los cercanos a la familia, T.Lavitz en teclados y Craig Erickson en guitarras, el album resultante de la unión se llamó "Cosmic Farm" (tapa a la izquierda).

Para tener una idea de lo que es este trabajo me remito a la crítica de "Guitar Nine": "Piensa en una gloriosa unión de Jeff Beck/Tommy Bolin combinada con un poco de Scofield/Stern, y algunas pizcas de Holdsworth, Bonnie Raitt, Steve Morse, Shawn Lane y Larry Carlton".

El "lider" de la banda es Erickson, quien fuera mano derecha de Glenn Hughes en su glorioso regreso con "L.A. Blues Authority Vol. 2 - Blues" y luego compartiera guitarras con Mel Galley en una de las giras de Trapeze en los 90's en las que The Voice Of Rock amagara con rearmar permanentemente la banda y además Hughes colaboraría en el album solista de Erickson "Shine" cantando el clásico de Tommy Bolin "Wild Dogs", tema que por ciero registrara el Mk. IV de Deep Purple en vivo en "Last Concert In Japan" y su versión completa "This Time Around: Live In Tokyo" (todos albums ya comentados en el blog). La idea de la misma surge en un encuentro de Erickson y Wasserman, el duo planea un album y rápidamente Mike Varney les ofrece editarlo por la división jazz de Sharpnel Records, Tone Center. Ya en estudios, se suman T.Lavitz en los teclados, quien no hace falta recordar ha sido miembro de los Dixie Dregs y los Dregs, además de haber tenído recíprocas colaboraciónes con Steve Morse; y Jeff Sipe en la batería (de quienes Erickson ha dicho son de sus intérpretes favoritos en sus respectivos instrumentos). La mayoría de los temas son de Erickson (todos llevan su firma con la colaboración de Wasserman y Paul Hanson en tres de ellos) pero el material en realidad es más cercano a una gran jam session, con las ideas que van volando por la propia calidad de los intérpretes, de hecho la idea de la banda fue no ensayar los temas para darles más frescura, por lo que prácticamente se tra de versiones en vivo en estudio.

Colaboró con el cuarteto Paul Hanson en fagot (Hanson ya había grabado junto Sipe el album "Timeless" durante 2004) en los temas: "Interstellar Interlude"; "Strange Train"; "Jupiter East" y "Jupiter West" (salvo "Strange Train" los otros tres son los que también firma como compositor).

Se grabó en los Prairie Sun Studios, Cotati, CA y los Route 44, Rohnnert Park, CA., la producción fue de Erickson con Varney como productor exclusivo y se editó por Tone Center el 24 de mayo de 2005.

Musicalmente impecable, con solos de todos los instrumentos, gran variedad de ideas y técnica schredder, la mayor crítica pasa por el hecho de que Erickson muestra un estilo demasiado standard dentro del schredder, sin ninguna personalidad propia (por momentos me recuerda mucho a Blues Saraceno y con esto basta para darse por satisfechos), pero esto queda paliado con su muy buena composición.

El inicio es rockero con "Steel Rider", un tema con detalles funk, muy buenos solos de teclados y guitarra y un trabajo excelente del bajo. "Attitude Cat" un tema cambiante y tono fusion, los tiempos son medios y cada uno de los miembros de la banda tiene su momento para destacarse, tanto en forma grupal como con los solos con el de bajo como punto más destacado. "Heavenly Love" es un tema con un estilo entre smooth jazz y soul, con Erickson comandando (como en la mayor parte del album) y la banda destacándose alternadamente, Lavitz deja un solo excelente. "Space Rooster" es tal vez el punto más bajo del trabajo, un tema con bastante funk pero a diferencia del resto bastante lineal, sin embargo el trabajo de Erickson y el acompañamiento de Lavitz es muy bueno. "The Fine Scenery" es una balada suave, con Lavitz en el piano y delicados fraseos de Erickson en el comienzo, luego toma un tono reggae delicado y prolijo. "Interstellar Interlude" es como el nombre lo indica un interludio de sonido espacial con el agregado del uso del fagot por parte de Hanson, son apenas cincuenta y tres segundos. "Strange Train" es un tema rockero con algo de funk, Erickson deja su mejor versión y Hanson mete buenos aportes y Lavitz un muy buen solo. "Jupiter East" es otro interludio aunque más extenso, de un minuto cuarenta segundos con varias guitarras metiendo riff bastante hard rockeros. "Forecast" es el tema más extenso del album con más de ocho minutos de duración y Lavitz en esplendor con momentos de exclusivida en el piano de tono bien jazz. El final es con otro interludio, "Jupiter West", con el fagot y la guitarra como protagonistas.

Un muy buen album, para muchos el mejor lanzamiento de Tone Center en su rica historia de fusion en tono schredder.

"Daughter Of Time" Colosseum (Mark Clarke - Rainbow)

2011-04-19T17:41:00.014-03:00

El título de la entrada probablemente sea algo mentiroso, probablemente hubiera sido más justo nombrar a Jon Hiseman y ligarlo a Don Airey por la tarea que en Colosseum II pero me pareció que nombrar al baterista como ligado a Airey era desvirtuar el hecho de que fue Hiseman quien contrató a Airey (por aquellos años un novato casi desconocido que solo cargaba en sus espaldas su paso por Cozy Powell's Hammer, junto a Bernie Marsden y obviamente Cozy en la batería con lo que obtuvo un par de hits pero todos eran opacados por la personalidad del lider de la banda; y haber participado en el album "Kid's Stuff" de Babe Ruth, nuevamente con Bernie Marsden como guitarrista pero como sesionista) para la banda y no de manera inversa, de modo que aprovechando la participación de Mark Clarke en esta formación de la primera encarnación de Colosseum decidí poner en el título al bajista por su breve relación con Rainbow.

En cuanto a Mark Clarke, seguramente su nombre no le resulte recordable a muchos, y el nombre de Colosseum, como comenzara la nota, les refiera a aquella banda de fusion en la que militaba Don Airey en los primeros 70's junto con Neil Murray en el bajo (aunque solo en un album) y Gary Moore en las guitarras; pero haciendo más memoria nos encontramos con que Clarke fue uno de los bajistas que Ritchie Blackmore probó durante las grabaciones de "Long Live Rock 'n' Roll", es más, en realidad fue su primer elección luego de expulsar a Jimmy Bain en enero de 1977 pero una vez en el estudio The Man In Black no quedó conforme con el estilo de Clarke y terminó grabando los bajos el mismo junto a Bob Daisley.

También podríamos incluir en la relación con la familia al guitarrista de este trabajo, Dave "Clem" Clempson (había ingresado a la banda para el album "The Grass Is Greener" unos meses anterior a este y editado solo en los Estados Unidos dando un tono más rockero a la banda) que durante un par de semanas vivió en la casa de Jon Lord en Malibu y fue el elegido para reemplazar a Blackmore pero recordando declaracones de Lord, entre su estilo que no terminaba de encajar en Deep Purple y la aparición en escena de Tommy Bolin quien, siempre según Lord, realizó una audición que los dejo maravillados como nunca los había dejado The Man In Black, lo desplazó de lo que sería el Mk. IV (clempson ha declarado que la banda buscaba alguien que fuera un compositor sobre todas las cosas, alguien que llegara y tirara sobre la mesa varias ideas, no solo un guitarrista sino un reemplazo de Blackmore que era la principal fuerza creativa de la banda, y él no se encontraba cómodo en esa condición).

La banda había nacido en 1968 por idea de Jon Hiseman, el saxofonista Dick Heckstall-Smith y el bajista Tony Reeves, quienes habían participado del album de John Mayall "Bare Wires" (además el batersta y el saxofonista habían sido parte de la banda The Graham Bond Organisation), el trio contrata a Dave Greenslade como tecladista y para las guitarras a Jim Roche que rápidamente es reemplazado por James Litherland que además se hace cargo de la voz. El debut discográfico es en 1969 con el abum "Those Who Are About Yo Die Salute You" del cual se edita el que sería el único single en la historia de Colosseum, "Walking In The Park", ese mismo año editan el segundo album, "Valentyne Suite" (que como dato anecdótico es el primer album editado por el sello Vertigo que se convertiría en uno de los sellos top de rock progresivo y el hard rock). En 1970 Dave "Clem" Clempson reemplaza a Litherland y la banda edita solo en los Estados Unidos "The Grass Is Greener" que era una mezcla de temas nuevos y temas de "Valentine Suite". Luego llegan los mayores cambios en la formación, ingresa Chris Farlowe como cantante para permitir que Clempson se concentre en la guitarra y Greenslade en los teclados; Reeves se aleja como bajista en mayo e ingresa en su lugar Louis Cennamo pero en medio de las grabaciones de "Daughter Of Time" (tapa a la izquierda) es reemplazado por Mark Clarke, y además ingresa como apoyo a Dick Heckstall-Smith la esposa de Hiseman, Barbara Thompson (con quien Don Airey colaboraría en su album de 1978 "Barbara Thompson's Jubiaba" y en "Variations" album de Closseum II para Andrew Lloyd Webber, ambos ya comentados en el blog) aportando en el saxo, la flauta y la voz.

Esta formación, formación con Jon Hiseman en batería; Dick Heckstall-Smith en saxo; Dave Greenslade en teclados; Chris Farlowe en voz; Clem Clempson en guitarra y Mark Clarke en bajo es la considerada la clásica de la banda y fue la que se reunió en 1994.

Se grabó entre enero y agosto de 1970 y se editó por Vertigo en noviembre de 1970. En 1996 fue reeditado en CD por Sequel Records en Europa y por Castle Music Ltd. en los Estados Unidos, sello que lo reeditó nuevamente en 2002. En 2004 Sanctuary Records Group Ltd. lo reedito de manera expandida con el bonus "Jumping Off The Sun (1971 Chris Farlowe Version)". En 2005 fue reeditado por Disk Union. En 2006 Earmark lo reedito en formato de LP.

El inicio es con "Three Score And Ten, Amen", un tema cambiante, con un inicio épico que con la entrada de la voz a los cincuenta y dos segundo cambia mostrando una tarea excelente de Clarke, luego volverá a cambiar mostrando partes más lentas y con muy buenos aportes de los vientos de Heckstall-Smith y Thompson, Clempson deja un muy buen solo. "Time Lament" arranca con los teclados y el duo de Heckstall-Simith/Thompson en gran nivel con apoyo de cuerdas (Fred Alexander y Charles Tunnell en violoncello; Nicholas Kraemer en viola y Jack Rothstein y Trevor Williams en violín) y en un tono muy jazz, esta vez el bajo está en manos de Cennamo y con las apariciones de la voz el tema pasa a un etilo más cercano al blues, con permanentes cambios entre estos dos estilos con un Hiseman estupendo. "Take Me Back To Doomsday" se inicia con un muy buen piano, luego Clempson mete unas guitarras excelentes acelerando los tiempos y el duo de vientos mete muy buenos aportes. El tema título, "The Daughter Of Time", tiene un unicio casi de marcha, con muy buenas guitarras comandando las melodías y tiempos cambiantes e intercambiando el protagonismo con los vientos (éste es el último tema en que aparece Thompson). "Theme For An Imaginary Western" tiene el regreso de Clarke al bajo, es un tema con un estilo similar al de Procol Harum, con una tarea del bajo excelente y el hamond y la guitarra como protagonistas, con una gran tarea de Farlowe. "Bring Out Your Dead" es la última aparción de Cennamo en el bajo, se inicia con un trabajo impecable de Greensdale, luego Clempson se acopla magistralmente y mete un solo fantástico, nuevamente la tarea de Hiseman es magnífica. "Downhill And Shadows" se inicia con un solo de saxo excelente de casi un minuto de duración, paseandose entre el jazz y el blues que será el estilo que domine el tema al que se le suma una guitarra blusera que saca lágrimas con una interpretación vocal de Farlowe fantástica. El final es con "The Time Machine", un impresionante solo de batería de más de ocho minutos grabado en el Royal Albert Hall en julio de 1970. El bonus es la versión en vivo de "Jumping Off The Sun", editado originalmente en "The Grass Is Greener", con Farlowe en la voz.

Un muy buen album, imperdible para los fans del rock progresivo.

"Quatermass" Quatermass (Mick Underwood - The Outlaws, Episode Six, Gillan ; John Gustafson - Ian Gillan Band)

2011-04-17T21:15:00.044-03:00

Mick Underwood fue compañero de Ritchie Blackmore en The Outlaws durante los 60's, luego, afines de la década sería compañero de Ian Gillan y Roger Glover en Episode Six, y gracias a su recomendación a The Man In Black, Gillan llega a Deep Purple como reemplazante de Rod Evans, claro que también llegaría Glover dejando sin trabajo a su amigo Nick Simper, junto a quien reformaría esta banda que motiva la entrada, Quatermass, en los 90's bajo el nombre Quatermass II y con Don Airey en los teclados (ya comentado en el blog con anterioridad).

Además Underwood realizó trabajos que fueron producidos por Gillan ("Sammy" de Sammy en 1972, ya comentado en el blog) y Glover ("Strapps" y "Secret Damage" de Strapps editados en 1976 y 1977 respectivamente, también ya comentados). Posteriormente Underwood reemplazaría a Pete Barnacle en la batería y formaría parte de Gillan hasta su disolución en 1983.

El bajista/cantante John Gustafson por su parte compartió con Ian Gillan las grabaciones de "Jesus Christ Superstar" en el rol de Simon Zealotes, luego sería parte del fantástico "The Butterfly Ball And The Grasshopper's Feast" de Roger Glover en 1976 donde volvería a compartir espacio como cantante con Gillan, que luego, al formar la Ian Gillan Band lo llamaría para ser el bajista a lo largo de toda su existencia antes de cambiar la fusion por heavy y pasar a ser llamada simplemente Gillan. Gustafson también fue parte de Episode Six, pero en tiempos posteriores a la partida de Gillan y Glover (fue su reemplazante) a Deep Purple, por lo que solo fue compañero de Underwood en la banda y en los reformados Quatermass II aportaría un par de temas aunque no tocaría con Simper y Airey en "Long Road" (vale aclarar que salvo el nombre y la presencia de Underwood no hay nada que ver entre una banda y otra, de hecho en las presentaciones en vivo de Quatermass II durante la gira de "Long Road" nunca se toco tema alguno del album "Quatermass").

Pero a fines de 1969, en el mes de septiembre, Gustafson y Underwood se unen junto al tecadista y compositor de música para películas J. Peter Robinson para formar Quatermass, el debut de la banda llegaría en 1970 con "Quatermass" (tapa a la izquierda, arte original del LP abajo a la derecha), un disco fundamental para el rock progresivo y que contedría el tema que sería la gota que rebalsaría el vaso y haría dejar Deep Purple a Ritchie Blackmore cuando a su propuesta de grabarlo, Glenn Hughes le contestó con un rotundo no, hablamos de "Black Sheep Of The Family", luego versionada por Rainbow. La primer presentación de la banda en el 6 de diciembre en el Marquee de Londres y apenas comenzado el año 1970 comienzan la sesiones de composición y grabación del album para las que cuentan con la colaboración de Steve Hammond, quien había compartido un par de sesiones con Robinson anteriormente (y es quien firma el tema más conocido de la banda, "Black Sheep Of The Family").

Además del trio que conforma la banda y la participación de Hammond, participó del album una orquesta sinfónica de 16 violines (con Tony Gilbert como lider, Gilbert es un hombre proveniente del jazz y grabo "Eleanor Rigby" con The Beatles)

Se editó en mayo de 1970 por Harvest Records, en 1975 es reeditada por Harvest con un arte de tapa diferente (tapa a la derecha), en 1990 es reeditado por Repertoire Records con bonus tracks, el mismo sello repite la reedición en 1996 y en 2001 es reeditado por Akarma Records, siempre con los bonus tracks de 1990 (Akarma también lo edita como LP doble). En 2005 el sello AMR de Japón realiza la mejor de la reediciones, limpiando completamente el sonido y manteniendo el arte del LP original. El arte de tapa fue realizado por Storm Thorgerson para Hipgnosis (empresa que realizara trabajos ya comentados para Black Sabbath y Rainbow, además de Pink Floyd y otras de gran renombre).

Se editaron los singles: "Black Sheep Of The Family/Good Lord Knows" (tapa de la edición sueca a la izquierda y alemana a la derecha); en Italia se editó "Gemini/Black Sheep Of The Family" (tapa abajo a la izquierda) y de forma exclusiva en Alemania se editó en 1971 el single "One Blind Mice/Punting" (ambos temas firmados por el trio), lo que sumado al tema "Monster In Paradise", que solían tocar en vivo (y luego fuera utilizado por Gustafson en su banda posterior, Hard Stuff) y aparece en el bootleg "Pteranodon In Paradise" hace pensar en que la banda estaba preparando un segundo album que nunca llego a editarse.

El inicio es con "Entropy", un instrumental de teclados compuesto por Robinson, es de naturaleza cíclica y casi académico en su composición y ejecución. Luego llega el tema más famoso de la banda, "Black Sheep Of The Family", un tema bien rockero compuesto por Steve Hammond, la batería marca el ritmo con mucha potencia y los teclados conforman un muy buen riff, Gustafson se destaca en su tarea con el bajo y la voz. "Post War Saturday Echo" es un tema que lleva la firma del trio Peter Robinson/John Gustafson/Graham Ross, se inicia con los teclados y una batería potente que anuncian un hard rock fuerte, pero se va transformado en una suerte de blues, con excelentes aportes del piano en un solo marvilloso de Robinson. Llega el turno de otro de los singles, "Good Lord Knows", compuesto por Gustafson, es una balada melancólica con el sonido personal y barroco de un clavicordio acompañando a la voz al que luego se le suman las cuerdas en un ambiente espectacular. "Up On The Ground", otro tema de Gustafson pero a diferencia del anterior se trata de un hard rock potente y entrador con tareas instrumentales formidables de los tres. Es turno de otro de los singles, "Gemini", compuesto por Hammond, se trata de un tema que había sido grabado en 1968 por Eric Burdon & His New Animals pero, según las críticas, la versión de Quatermass es mucho mejor con tiempos cambiantes, una tarea formidable de la batería, una voz muy rockera y solos excelentes de los teclados, tanto organo como piano. "Make Up Your Mind" es otro de los temas de Hammond para el album, un tema cercano al pop psicodelico, con una lína de bajo excelente. "Laughing Tackle" de Robinson es el tema más extenso del album y para mucho su obra maestra, se inicia lento con el bajo y en una muestra del mejor tono progresivo contiene a la orquesta en pleno, fabuilosos solos de batería y teclados y melodías cambiantes que siempre sorprenden con algo nuevo. El final es con la repetición de "Entropy".

Los bonus de la edición en CD son: "One Blind Mice" y "Punting", ambos de Gustafson, el primero es un hard rock potente y excelente, en tanto que el segundo es un instrumental muy extraño y 100% progresivo, son esos viejos temas que luego de escucharlos nos damos cuenta que el "Flex-Able" la "locura" de Steve Vai no era nada original.

Un muy buen album de rock progresivo, uno de los fundamentales del género.

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"TYR" Black Sabbath (Cozy Powell - Rainbow, Whitesnake; Neil Murray - Whitesnake)

2011-04-16T10:56:00.018-03:00

Cozy Powell y Neil Murray fueron parte de Black Sabbath en los 80's y 90's, luego del período de confusión que le siguió a la partida de Ronnie James Dio. En realidad podríamos decir que la crisis de estabilidad de la banda comienza con el abandono de Ozzy antes de las grabaciones de "Never Say Die!" (y la aparición en vivo como cantante de Dave Walker en el programa de la BBC "Look! Hear!"), pero su eventual regreso postergó las cosas; luego tras su expulsión de la banda Dio reverdeció los laureles, lo que dejo oculto que poco antes haía sido Geezer Butler quien dijo basta por un par de meses antes de regresar para grabar "Heaven And Hell". Pero de ahí en más los cambios no pararían, en agosto de 1980, en plena gira de promoción del album, es expulsado Bill Ward, y luego en noviembre de 1982 con Dio marchándose para formar su propia banda y llevándose al reemplazo de Ward (Vinnie Appice), lo que fue un golpe definitivo a la estabilidad de la banda pese a que si uno se limita a ver quién grabó "Born Again" podría pensar que no era así pues se trata de tres cuartas partes de la formación original, más el agregado de Geoff Nicholls (que había comenzado a colaborar con la banda en "Heaven And Hell") como tecladista estable y la presencia de Ian Gillan en la voz, pero prontamente Ward vuelve a dejar su puesto (esta vez en manos de Bev Bevan) y a continuación lo ya conocido de los 80's, tras la gira la banda se disuelve, luego regresa la formación original para el "Live Aid" y posteriormente la sucesión de cambios de formación y el intento de Tony Iommi para grabar su debut solista con las voces de Rob Halford, Glenn Hughes, Ronnie James Dio y Robert Plant como invitados que termina siendo "Seventh Star" (y finalmente cuando Iommi editó su debut solista lo hizo de esta manera, con varios cantantes), un nuevo album de Black Sabbath con Hughes como único cantante luego de que se complicara la grabación con tantos invitados y que Tony declarara que The Voice Of Rock era el cantante con el que mejor trabajaba. Claro que la elección de Hughes era buena por la voz, pero no por el momento pues la adicción de Glenn a las drogas pesadas hace que solo dure cinco fechas de la gira tras lo cual lo reemplazaría Ray Gillen, pero con el siguiente album listo, y solo faltando detalles de grabación y las mezclas finales, es expulsado según algunos o deja la banda para formar Blue Murder según otros (pero esto es solo por mencionar los problemas con los cantantes, el resto de los músicos, salvo el guitarrista obviamente, entraban y salían de la banda a toda velocidad). Finalmente un desconocido total como Tony Martin se hace cargo de la voz regrabando la tarea de Gillen en "The Eternal Idol", y se queda por unos cuantos albums más.

Cozy Powell llega a la banda para grabar "Headless Cross" y a la presencia en la banda de tres miembros directos de la familia purpura (a Gillan y Hughes hay que sumar a Don Airey que había grabado "Never Say Die!" y luego, ya en el siglo XXI, sería reemplazante de Jon Lord en Deep Purple) y uno indirecto como Ronnie James Dio sumamos otra presencia con pasado en Rainbow donde fue compañero de Don Airey, Roger Glover y obviamente de Ritchie Blackmore (sin olvidarnos del mismo Ronnie James Dio). Un album más tarde, en éste que motiva la entrada, "TYR" (tapa a la derecha), se suma a la banda otro pariente cercano de la familia como Neil Murray con pasado en Whitesnake donde fue compañero de David Coverdale, Jon Lord, Ian Paice y Don Airey. Si hicieran falta más relaciones con la familia podemos agregar que además de "Seventh Star", The Voice Of Rock grabó dos albums más con Iommi; uno de ellos en dos versiones, la original y solo disponible como bootleg ("Eigth Star") y la regrabada y editada de manera oficial ("DEP Sessions"), y el otro un potentísimo trabajo como power trio llamado "Fused" (todos ya comentado en el blog oportunamente); a su vez Iommi fue uno de los participantes del Rock Aid Armenia por el terremoto en Armenia de 1988 y grabó "Smoke On The Water" para el album resultante, llamado "The Earthquake Album" donde también participaron, entre una gran cantida de estrellas, Ritchie Blackmore e Ian Gillan (y en los créditos se menciona a Jon Lord que junto a John Paul Jones habrían ayudado en la filmación/grabación del tema); y más acá en el tiempo, en 2010 Iommi vuelve a unirse a Gillan en un nuevo proyecto de ayuda a Armenia que se llamó "Who Cares - Ian Gillan, Tony Iommi & Friends" en un single cuyo lado A ("Out Of My Mind") tiene como acompañantes al ex bajista de Metallica, Jason Newsted, a Nicko McBrain (Iron Maiden) en la batería, a Jon Lord en los teclados y acompañando a Iommi en la guitarra a Mikko "Linde" Lindström (HIM). En fin la relación de la familia purpura con Black Sabbath es incontrastable. Como dato final se puede agregar que en la gira de presentación de "Headless Cross" (ya con esta misma formación de Black Sabbath que luego grabaría "TYR"), las fechas del 11 y 15 de septiembre de 1989 (en Bristol y Copenagüe), Ian Gillan volvió a subir al escenario para tocar con la banda luego de seis años en lo que luego se editó como un bootleg (llamado "Copenhagen 1989") que tal vez más adelante sea motivo de una entrada pero que tiene muy mal sonido donde canta a duo con Martin "Smoke On The Water" y "Paranoid".

"TYR" es el decimoquinto album de Black Sabbath y continúa el estilo que comenzara con "Seventh Star", un Black Sabbath de sonido moderno, ya muy lejano de los inicios con Ozzy como cantante, más emparentado con el sello que le impusiera Dio en su primer paso por la banda (con bastantes influencias del estilo de Rainbow en la era Dio), un estilo épico y más cercano al power metal que a los ambientes densos y pesados que eran la marca de fábrica de la banda en los 70's (claro que nunca faltara uno de esos riffs tenebrosos de Iommi). Paralelamente se incluye en todos los temas la firma de la banda en pleno (con las letras de forma exclusiva a cargo de Martin), algo que no ocurría desde "Born Again"; en "Seventh Star" llevan la firma Iommi con las letras a cargo de Hughes/Nicholls/Jeff Glixman; en "The Eternal Idol" edición LP los creditos son todos para Iommi, mientras que posteriormente se dijo que las letras originales (las cantadas por Gillen) fueron de Bob Daisley (otro Rainbow que paso luego por Black Sabbath), y antes de la edición definitiva del trabajo Martin y Nicholls hicieron algunos cambios (que luego de escuchar las grabaciones originales salta a la luz que los mismos no son demasiado notorios); en tanto que en el anterior album, "Headless Cross", ya aparece nuevamante el espíritu de banda con Black Sabbath como firma de todas las composiciones excepto la que le dió título al trabajo que solo lleva la firma de Iommi/Martin/Powell). En cuanto a el desempeño de los músicos en este album Tony Martin y Geoff Nicholls realizan sun mejores registros y la tarea de Powel entra dentro de sus mejores performances rockeras, con un esplendor que no se le escuchaba (por lo menos a mi gusto) desde las épocas de Rainbow.

Se grabó en los Rockfield y los Woodcray Studios entre febrero y junio de 1990 con la producción de Iommi y Powell y se editó por IRS el 20 de agosto de 1990 en Gran Bretaña y el 31 del mismo mes en los Estados Unidos por Capitol Records, estando disponibe en formatos de CD, MC y LP. Fue reeditado en 2001 y 2004 por EMI/Capitol Special Markets y a partir de 2003 está disponible por EMI Digital. El album alcanzó el puesto Nº 24 en ventas de los charts de Gran Bretaña; Austria; Suecia y Suiza mejorando las ventas de sus antesesores en Europa, pero se convirtió en el primero de la banda en no poder ingresar en el Billboard 200. Se editó como single "Feels Good To Me (Edit)/Heaven & Hell (Live in Moscow '89)/Paranoid (Live in Moscow '89)" (tapa a la izquierda), del tema principal del single también se realizó un video de promoción (sobre esta power ballad, la banda ha declarado que pese a no estar en línea con el resto del material fue puesto en el album para editarse como single por presión de la discográfica).

La inscripción de la tapa fue tomada de una famosa roca en Suecia que contiene una de la inscripciones más antiguas en piedra.

El comienzo es con "Anno Mundi (The Vision)" que tiene alguna similitud sonara en la apertura de la guitarra con la de "Children Of The Sea" pero en la que Martin mete unos coros de tono gótico y en latín impresionantes que se complementan con un riff que tiene bastante de la época de "Born Again" con un ambiente fantástico de los teclados y una base extremadamente potente. "The Lawmaker" arranca a plena potencia con la batería y luego se suma un excelente fraseos de la guitarra, es un hard rock muy potente de tiempos rápidos, talvez el tema más rápido que haya grabado la banda, las tareas de Martin y Powell son sensillamente asombrosas. "Jerusalem" es nuevamente abierta por la batería pero los tiempos y el riff son más clásicos de la banda, los teclados nuevamente crean un ambiente denso y misterioso redondeando otro tema más cercano al power metal que a los viejos Black Sabbath. Luego llega el tema de sonido más clásico, "The Sabbath Stones", un tema denso y de tiempos lentos con el sello de la banda en los 70's, riff densos, clima muy oscuro y Martin mostrando que aquí, en un estilo vocal más cercano al legado de Ozzy que al de Dio, también puede lucirse. "The Battle Of Tyr" comienza una trilogía de temas que bie pueden tomarse como uno de tres partes, esta es la "intro" de los teclados de Nicholls, de un clima denso épico y misterioso. Continúa con "Odin's Court", una balada de tono electroacústico y tono oscuro (este tema, tomado solo, fue un hit en los países asíaticos). El final con "Valhalla" explota mostrando nuevamente a la banda en un tema rápido y de tono power metal. El single del album, "Feels Good To Me", es una power ballad que en verdad poco tiene estilístricamente con el resto del trabajo, sin embargo, y como balada del estilo comercial es muy buena y con una tarea excelente de Powell. El final es con "Heaven In Black", un tema donde Martin aborda la historia rusa y nuevamente Powell deslumbra desde el solo del inicio, es otro hard rock potente y con tiempos más bien rápidos donde los coros son muy pegadizos.

Un muy buen album.

"Back To Babylon" Tormé (Bernie Tormé & John McCoy - Gillan; Collin Towns - Ian Gillan Band, Gillan)

2011-04-14T15:47:00.019-03:00

Luego de lograr el éxito público con Gillan, con tres albums que habían llegado al top ten de ventas británico entre 1979 y 1981, pero cansado de que eso no se tradujera en ganancias económicas (los albums charteaban bien pero luego rápidamente bajaban sus ventas y solo dos de ellos consiguieron ser albums de plata; "Glory Road", N° 3 del ranking británico en 1980 y "Future Shock", N° 2 en 1981), Bernie Tormé deja la banda y se une a Atomic Rooster (quienes habían logrado éxito a fines de los 60's y principios de los 70's en los dos lados del atlántico), justo antes de que su sueño de lograr a nivel global estrellato y fortuna al reemplazar a Randy Rhoads en Ozzy durara menos de un mes durante abril de 1982. Luego Bernie forma Electric Gypsies grabando tres albums que no logran mayor repercusión salvo el debut que tiene muy buenas ventas en el Reino Unido, luego la banda se modifica y pasa a ser simplemente Tormé, uniéndoseles como cantante Phil Lewis, quien luego ganaría fama y fortuna al formar equipo con Tracii Guns en L.A. Guns. Con Tormé (foto de promoción a la derecha) graban dos albums de estudio, el primero de ellos es este "Back To Babylon" (tapa de la edición japonesa a la izquierda, a la derecha la más común), luego de esos dos albums de estudio (el otro es "Die Pretty Die Young") y uno en vivo, "Official Live Bootleg", la banda se separaría por la escasa repercusión de su trabajo.

La banda que grabó "Back To Babylon" está conformada por: Bernie Tormé en guitarras; Phil Lewis en voz; Chris Heilmann en bajo y Ian Whitewood en batería. Los teclados fueron puestos por el otro eje de lo que fuera instrumentalmente Gillan, Colin Towns.

Las grabaciones fueron realizadas en 1984 con otro ex Gillan, en este caso ocupando el lugar de productor, como John McCoy. Se editó por Zebra Records (tapa del LP original en celeste abajo a la izquierda) y Jem Records en enero de 1985 con formato de LP y MC, pero durante 15 años fue inédito en CD. Fue reeditado por Lemon Records en 2000 con la inclusión de "Love, Guns & Money" que originariamente era un bonus para Japón. El 9 de noviembre de 2004 fue reeditado en CD por Cherry Red con tres bonus tracks, "T.V.O.D.", "Kerrap" y "Love, Guns & Money". Se realizó un video de promoción del tema "Star" en el que se puede ver y escuchar a la perfección el estilo 100% glam cultivado por la banda.

Originalmente se buscaba este trabajo por los fans de Gillan ya que sumaba la presencia de Tormé, Towns y McCoy; pero hoy por hoy es buscado mayoritaria y casi exclusivamente por los seguidores de L.A. Guns, el glam y del hard rock americano por la presencia de Lewis.

El estilo de la banda es bien de los 80's, Tormé venía de la escena punk pero después de Gillan fue cada vez más hacia el hard rock melódico (llegando a la perfección en Silver junto a Gary Barden y Don Airey, una banda que cultivó el hard rock melódico en su mejor expresión), y la presencia de Lewis da el toque glamoroso que faltaba (el muchacho es británico pero siempre pareció americano en su estilo, y ya cultivaba el glam en las épocas de su primer banda Girl en la que también militaba otro que haría fortunas en los Estados Unidos, el guitarrista Phil Collen luego en Def Leppard; y por cierto que en la banda militaba un ex Gillan como el baterista Pete Barnacle que es quien presenta a Lewis y Tormé. Girl había conseguido éxito en Japón con algunosalbums de oro y en Gran Bretaña habían charteado favorablemente sus albums, parecían tener un futuro de "million sellers", claro que la partida de Collen a Def Leppard termino con la banda), en consecuencia los temas suenan en un estilo a medio camino entre el glam con espíritu más punk como Mötley Crüe y el más estilizado de los L.A. Guns (aunque sin llegar al sonido más suave de bandas como Winger, Poison o Warrant).
Bernie aporta en la composición con siete de los diez temas del LP original en soledad y co-escribe otros dos que son firmados por la banda en pleno (sin incluir a Towns que no era parte estable sino sesionista), el tema restante restante pertenece a Lewis. Los bonus son firmados uno por Tormé, uno por Lewis y otro por Heilmann.

"All Around The World". Luego llega el que fuera tema de promoción del album, "Star", que originalmente había sido grabado por The Electric Gypsys, la banda anterior formada por Bernie. "Eyes Of The World". "Burning Bridges". "Hardcore". "Here I Go". "Family At War". "Front Line". "Arabia". "Mystery Train".

Un buen album de glam metal con algunas dosis de punk.

"Come Into My Room" Norma Jean Bell (Tommy Bolin Band)

2011-04-13T12:14:00.008-03:00

Norma Jean Bell había comenzado su carrera participando del album "It's Like You Never Left" de Dave Mason (uno de los miembros fundadores de Traffic) en 1973 (album que llegaría al Nº 50 del Billboard 200 y contaría con colboradores como Stevie Wonder, Graham Nash y George Harrison), luego tomaría repercusión como saxofonista de Frank Zappa en su banda en vivo (seguramente será motivo de comentario el album postumo en vivo "Joe's Menage", grabado en el College Of William And Mary de Williamsburg el 1 de noviembre de 1975; foto de ambos a la derecha), y posteriormente, tras la separación de Deep Purple en marzo de 1976, se unió a la Tommy Bolin Band con la que permanecería hasta la muerte de Tommy Bolin en diciembre de 1976 (foto a la izquierda junto a Tommy y Jimmy Haslip durante un show). Luego Norma pasaría a formar parte de Parliament y colaboraría con su compañero de banda en las épocas de Bolin, Narada Michael Walden en sus trabajos solistas "Garden Of Love Light" y "I Cry, I Smile" compartiendo espacio con Jeff Beck y Carlos Santana entre otros durante las grabaciones.

Sin embargo, a diferencia de Narada, Norma no lograría cimentar una carrera sólida sino hasta los 90's, y en un terreno distinto al que la viera emerger en los 70's; Bell aprovecharía su excelente voz y su técnica con el saxo, le sumaría sus conocimientos adquiridos en Parliament con George Clinton que la pusieron muy al tanto del estilo forjado por Motown Records desde los 60's y uniéndose al productor de Detroit Kenny Dixon Jr. (Moodymann) se afirmo en el terreno del house al tiempo que creo su propio sello, Pandamonium en 1996.

Ese mismo año, se une al DJ francés Laurent Garnier (uno de los pioneros de la explosión del house y lo que fuera la escena de Manchester en los 90's, con bandas como Stone Roses y Happy Mondays) y el sello francés F Communications edita el single "I'm the Baddest Bitch" en septiembre de ese mismo '96, single que la regresaría a la fama, aunque claro que en un ambiente más limitado y muy diferente del rock como lo es la música electrónica y el house. De allí en más Bell edita ocho singles, todos consiguiendo muy buenas ventas en los charts disco/funk/house y en 2001 el sello británico Peacefrog Imprint realiza una compilación de esos singles editando "Come Into My Room" (tapas europea y americana a la derecha e izquierda, con la leve variante de la presencia de título y la orientación del dibujo) junto a algún material que permanecía inédito.

Colaboran con Norma en el album (ella se hace cargo de la voz, los saxos tanto soprano como alto, las baterias programadas y los teclados): Armon Davis en teclados, Dwayne y Vince Davis en instrumentos varios; K Hand en programación de baterías y Debbie Welch y Sharon Jones en voces.

Se editó en octubre de 2001 por Peacefrog Records con la producción de Bell, Dixon y la colaboración adicional de Theo Parrish. Tambien se realizo una edición de 2 LP.

El inicio es con "You Belong To Me (I'm The Baddest Bitch Remix)", un tema chill out, con una base suave de teclados y aportes jazzeros del saxo, la voz de Norma va de maravillas con el estilo, muy relajado, ideal para un descanso tomado algo luego de un día de oficina. "One Of Those Nites" tiene a Armon Davis en los teclados como invitado y retoma el estilo del inicio pero con una mayor dosis de electrónica dada por las baterias programadas, los teclados realizan solos contantes y el saxo acompaña con fraseos que parecen en un segundo plano, en momentos el tema parece quedar en un segundo plano con la aparición de conversaciones y aplausos, dando la sesación de encontrarnos escuchándolo en medio de un bar. "Dreams" es un clásico underground de Bell con la voz de Welch, bien electrónico en lo que se denomina "deep Detroit house/soul". "Yes I Am (I'm Gonna Get You)" llega con la voz de Sharon Jones y es el mismo estilo electrónico house. Luego aparece otro colaborador K. Hand quien realiza las baterias programadas en "Nobody", un tema que se mete más profundamente en las aguas profundas de la electrónica. "Mystery" tiene raices profundas en el deep house. "Your Perfect" es más bailable, de tono más propio de una rave que de chill out. "Feel What I Feel" tiene la voz de Debbie Welch y regresa al ambiente más lounge, con buenos saxos haciendo fraseos en medio de una base muy techno. El final es con "Late Night Show" y la presencia de Dwayne y Vince Davis, el tema más electrónico del album.

Un buen album de luonge y deep house, aunque si uno recuerda los trabajos de Norma en los 70's no lo catalogaría más que de regular.

"Players" Players (T.Lavitz - Dixie Dregs; Dregs)

2011-04-13T00:08:00.016-03:00

Tras la disolución de The Dregs en 1982 luego de editar "Industry Standard", T.Lavitz colaboraría con la banda Art In America en su album homónimo de 1983; y con Paul Barrere en su album "On My Own Two Feet" (compartiendo banda con Rod Morgenstein y Andy West) del mismo año antes de editar su primer trabajo solista en su propio sello, MACON, llamado "Extended Play", una rareza de cinco temas de los cuales tres serían utilizados posteriormente pero dos exclusivos del trabajo permaneciendo casi ineditos para la mayoría del público; "Between Coming And Going" aparecería en "Storytime" de 1986 ya comentado en el blog por la participación de Steve Morse, "Times Square" aparecería en "T Lavitz And The Bad Habitz" de 1989 y el restante "Crystal" en este proyecto motivo de la reseña llamado Players.

Entre 1984 y 1987 el tecladista colabora con Steve Morse, The Bluesbusters, Nils Lofgren, nuevamente con Paul Barrere y con el bajista Jeff Berlin (fantástico y versatil bajista que además de una prolífica carrera ha tocado con artistas que van desde Richie Kotzen a Anderson/Bruford/Wakeman/Howe, pasando por Billy Cobham y Patrick Moraz) en su album "Champion" de 1985; y es aquí donde nace la idea de Players, una superbanda de fusion a la que suman al baterista Steve Smith (Journey, Larry Coryell, Victor Wooten, Mike Stern, Randy Brecker, Frank Gambale, Stuart Hamm, Dweezil Zappa) y al genial guitarrista Scott Henderson (Chick Corea's Elektric Band y posteriormente tocaría con Joe Zawinul's Syndicate antes de formar su propia banda, Tribal Tech, junto al bajista Gary Willis; en realidad la fundación de la banda es en 1984 pero no sería sino hasta 1989 que pasaría a ser la atención principal de sus fundadores) ambos (Smith y Henderson) también participantes del album de Berlin.

La primer presentación de Players como banda es en Hop Sing's el 19 de enero de 1986, grabando la parte en vivo del trabajo; luego los miembros siguen con sus proyectos (Lavitz editaría "Storytime") y entre agosto y octubre de ese año graban en los Bijou Studios la parte en estudio del album.

A la hora de incluir un album que mostrara los trabajos de los ex compañeros de Steve Morse en los Dixie Dregs/Dregs podría haber elegido alguna grabación de Barrere con Morgenstein y West además de Lavitz, pero decidi incluir ésta por la presencia de Henderson, guitarrista que ocupa en el terreno de la fusion lo que en el terreno del rock ocupa Richie Kotzen en mis gustos, es decir mi preferido (sin contar a Ritchie Blackmore, Jimmy Page y Tommy Bolin que están arriba de mis preferencias por encima de cualquier estilo), con una gran versatilidad en su estilo que le ha permitido grabar tanto jazz y fusion como blues con idéntica calidad (ha ganado la votación como mejor guitarrista de jazz en 1991 por Guitar World y en 1992 por Guitar Player, asi como su primer album de blues, "Dog Party", fue elegido en 1994 como el mejor album de blues por Guitar Player).

En cuanto al trabajo compositivo, Henderson y Berlin aportan dos composiciones cada uno, Lavitz escribe tres (uno de ellos el mencionado "Crystal" que apareciera en "Extended Play"), y Steve Smith el restante, tema que utilizó con su banda Vital Information (Henderson y Smith se unirían al bajista Victor Wooten para formar Vital Tech Tones en 1998 editando dos albums). Por su parte "The Creeping Terror" (uno de los firmados por Scott Henderson), es una versión primaria de "The Crawling Horror" posteriormente grabada por Tribal Tech en su sexto album, "Face First", de 1993.

La producción fue de Lavitz y se editó por Passport Jazz el 1 de enero de 1987. El album lleva largo tiempo descatalogado y hay muy poca información sobre él, pero ha sido reeditado por el sello AGAT Company Ltd. de Rusia.

Los temas son: "Crystal", el ya comentado tema de Lavitz que apareciera en "Extended Play". "Valentine", primer tema de Henderson para la banda. "50/50" firmado por Smith y David Wilczewski. "Vehicle" de Lavitz. "Freight Train Shuffle" firmado por Berlin. Comienzan los en vivo con "Between Coming And Going" de Lavitz. El ya mencionado "The Creeping Terror" de henderson. Y el final es con "20,000 Players" de Berlin y donde deja un solo fantástico de bajo.

Un muy buen album.

"Sonic Boulevard" Tomas Bodin (J.J. Marsh - Glenn Hughes; HTP)

2011-04-12T21:34:00.006-03:00

El sueco Tomas Bodin es el virtuoso tecladista de la banda progresiva Flower Kings y "Sonic Boulevard" (tapa a la derecha) del año 2003 es su tercer album solista, considerado por la crítica y los fans como su mejor producción.

Lo acompañan Jonas "Reine" Reingold en bajo; Zoltan Csörsz en batería; el lider de Flower Kings, Roine Stolt, aparece con su guitarra en dos temas; Ulf Wallander en saxofón soprano en "The Happy Frog"; Jonas Knutsson saxofón soprano en "The Night Will Fall", N´nogo Bjurhäll en guitarra africana en "Walkabout"; Anders Jansson pone las voces (sin palabras cantadas, son sonidos vocales); y Hasse Bruniusson en percusión, la mayoría de ellos compañeros de Flower Kings (en realidad es casi un album de la banda bajo el nombre del tecladista que le da un estilo distinto a las composiciones, contamos a la base rímica de Flower Kings completa con Reingold, Csörsz y Bruniusson en todos los temas más los aportes de Stolt en dos) y como extra aparece representando a la familia purpura "Jocke" JJ Marsh, el guitarrista que más tiempo ha colaborado con Glenn Hughes y quien pone las guitarras en siete de los diez temas que componen el album.

La producción fue de Bodin y se editó por Inside Out Music el 9 de septiembre de 2003 en Estados unidos y SPV en Europa.

El inicio es con "The Prayer" un tema con sonidos vocales y acompañamiento de los teclados, Bodin acompaña a Jansson con los tonos bajos, pasada la mitad del tema aparecen algunos detalles de percusión y guitarras a cargo de Stolt. "The Hero From Cloud City" es el primer aporte de Marsh al trabajo, un medio tiempo melódico de más de ocho minutos cuarenta segundos, donde los fraseos de guitarra marcan el rumbo en medio de excelentes teclados que ejecutan un solo casi de iglesia pasados lo cinco minutos, pasados los seis minutos treinta segundos las guitarras recuperan el protagonismo con un final de película. "Back To The African Garden" es un tema de tono pastoral con los teclados marcando melodías alegres, hay una muy buena tarea de la percusión, el ingreso de las guitarras y la banda en pleno marcan melodías alegres y festivas, una vez más se utiliza el recurso de los sonidos vocales, muy buenos solos de teclado y luego la guitarra contestando. "Pictures" es una composición para piano clásico con acompañamiento suave de teclados, un tema para el lucimiento total de Bodin. "Walkabout" se inicia con melodías vocales, una vez más Marsh deja su sello de calidad con una tarea fabulosa en un tema que tiene mucho de jazz y de fusion, una joya excelente. "The Horses From Zaad" tiene un sonido alegre, con una gran tarea de la batería y la percusión, nuevametne los fraseos de Marsh son protagonistas (con unos solos excelentes) sobre una base melódica conformada por un arsenal de teclados. "A Beautiful Mind" podríamos denominarla la balada del album, suave y tranquila con algunas apariciones de la banda en tono épico para el solo de Marsh. "The Happy Frog" es la segunda colaboración de Stolt en las guitarras, un tema de fusion con una tarea excelente de Wallander en el saxo. "Morning Will Come" es el tema más rockero del album, nuevamente con el uso de la voz como instrumento, tiempos cambiantes y otra gran tarea de JJ, excelentes pasajes de hammond. El final es con "The Night Will Fall" una balada con piano y tono jazz con un gran trabajo del saxo, esta vez en manos de Knutsson.

Un muy buen album, con un tecladista que busca destcarse en los planos sonoros y variedad de composiciones más que con solos, de hecho, en muchos pasajes el gran protagonista es J.J. Marsh. El único punto débil es que por momentos las composiciones son demasiado ambientales, con mucho de new age.

"In The Heart Of The Young" Winger (Rod Morgenstein - Dixie Dregs; Dregs; Steve Morse Band & Reb Beach - Whitesnake)

2011-04-12T12:11:00.019-03:00

Con toda seguridad a muchos no les gustará ver en el mismo lugar a Deep Purple y una banda como Winger sin embargo la realidad es que dos miembros de la banda de Nueva York tuvo en sus filas a dos hombres ligados a la familia purpura, en la batería Rod Morgenstein viejo compañero de Steve Morse desde los Dixie Dregs hasta la primera Steve Morse Band; y en primera guitarra a Reb Beach, guitarrista de Whitesnake desde 2002.

Además Kip Winger es un gran fan de Deep Purple y ha participado de albums tributo a la banda. Kip, como se desprende del nombre de la formación, es el centro del grupo, tanto en imagen como en la composición, comenzó estudiando música clásica (admiraba a los impresionistas franceses por excelencia como Debussy y Ravel; y al más versatil y cambiante de los compositores del siglo XX, el ruso Igor Stravinsky). En 1982 se traslada a Nueva York para estudiar composición y dos años después escribe un tema para Kix, "Midnite Dynamite" y traba amistad con el produtor Beau Hill, con quien comienza a realizar tareas de sesion como bajista y cantante contratado de Atlantic Records. Además, en 1985 ingresa como bajista a la banda de Alice Cooper, grabando los albums "Constrictor" en 1986 y "Raise Your Fist And Yell" en 1987. Por las mismas fechas también se gana algunos dolares trabajando como modelo, lo que luego serviría como un condimento más para defenestrar a la banda de parte los acérrimos críticos del grupo.

Volviendo a lo extrictamente musical, durante su trabajo como sesionista, en 1986 Kip conoce en los estudios de Atlantic a Reb Beach (otro sesionista del sello por aquellos años), quien estaba realizando grabaciones para el album de Fiona Flannigan "Beyond The Pale" para el que también es contratado Winger, el duo traba amistad y poco tiempo después comienzan a componer juntos algunos demos.

Sin embargo todavía faltaba algún tiempo para que la idea de formar una banda se cristalizara. En marzo de 1987, luego de grabar y editar "Raise Your Fist And Yell" con Alice Cooper, Winger deja la banda para poner manos a la obra en su propia banda, para lo cual busca a Beach, el tema del baterista se soluciona rápidamente con un reputado profesor del Berklee College Of Music (de donde es graduado Beach) que es recomendado por Fiona (por ese entonces novia de Beach), ya que además había grabado anteriormente con ella y había sido miembro de una de las mejores bandas de fusion, los Dixie Dregs, el hombre en cuestión obviamente era Rod Morgenstein. La banda iba a comenzar como trio, pero los planes para el estilo que tendrían (comercial pero muy técnico), hacía necesario alguien más para no perder sonido en vivo, el elegido es Paul Taylor, un tecladista de sesión que había grabado con Kip los albums de Alice Cooper (además de grabar entre otros con Steve Perry de Journey, Eric Martin de Mr. Big y Tommy Shaw de Styx y Damn Yankees) y con quién el cantante/bajista había compuesto los primeros demos de lo que luego sería Winger poco después de conocerse en 1985, pero sin pensar en formar una banda. Paul seguía en la banda de Cooper (de gira en Europa presentando "Raise Your Fist And Yell") cuando Kip lo llama por teléfono para contarle que había estado componiendo más demos junto a Reb Beach, estaba terminado de formar una banda y quería que fuera el tecladista (además Taylor tenía otras ventajas, una buena composición y es un buen guitarrista con lo que en vivo Beach podía dejar más fuegos de artificio que de ser el único guitarista), Taylor acepta y pronto regresa a Nueva York con lo que la banda queda conformada como Sahara, pero debido a que ya había otra banda de ese nombre, y a sugerencia de Alice Cooper, cambian el nombre a Winger.

El album debut sale a la venta en 1988 y se convierte en platino además de provocar la nominación de la banda al Grammy como mejor nueva banda de heavy metal (permanece en los charts de Billboard 63 semanas y alcanza el puesto N° 21 del Billboard 200), las ventas en el resto del mundo también son millonarias (con Japón a la cabeza) y una nueva banda se suma al universo de estrellas que destilaba el glam metal, en el que Winger se sitúa dentro de la variante más pop.

Luego de la gira de presentación de "Winger" (mas de un año en la ruta con pesos pesados como Bad Company, Scorpions, Cinderella, Bon Jovi, Poison, Skid Row y Tesla), la banda se mete en estudios para preparar su sucesor, una prueba de fuego pues se vería si las ventas del primero habían sido "suerte de pricipiantes" (y confirmaba aquello que en los 80's se decía sobre que para vender un par de millones de discos bastaba mudarse a Los Angeles, comprar ropa de cuero y tener los pelos largos y teñidos). Las grabaciones se realizan en los estudios The Enterprise de California, nuevamente con Beau Hill como productor y la inclusión de más pasajes de tinte progresivo (incluyendo hasta un rap en el tema "Baptized By Fire") y el resultado es mejor en lo musical y en lo comercial, las ventas casi duplican las del debut en Estados Unidos y una situación similar se da en el otro coloso de los mercados musicales, Japón. Se hicieron dos versiones del album; en la primera estaban incluídas las canciones "All I Ever Wanted" (luego b-side de "Miles Away") y "Never" pero decidieron escribir tres canciones más que sustituyeron a éstas porque Hill consideraba que era demasiado heavy para el mercado que había conseguido la banda (los reemplazantes fueron dos temas que luego serían singles, "Can't Get Enuff" y "Easy Come, Easy Go"). El album alcanzó la certificación de oro apenas dos semanas después de editarse.

Colaboraron en las grabaciones Nate Winger y Paul Winger en los coros; Micheal Davis en trombón en "Rainbow In The Rose" y como frutilla del postre el trompetista Chris Botti participa del msimo tema.

La producción del segundo album fue nuevamente de Beau Hill (Alice Cooper, Kix, Streets, Warrant, Fiona, Europe y Ratt), "In The Heart Of The Young" (tapa arriba a la derecha), tal el nombre, se editó el 24 de julio de 1990 por Atlantic Records. Alcanzó el puesto N° 15 del Billboard 200. Se realizaron singles de los temas "Can't Get Enuff" (tapa abajo a la derecha) que alcanzó el puesto N° 6 del mainstream rock track chart y el N° 42 del Hot 100 de Billboard, "Miles Away" (con idéntica tapa salvo el nombre, a la izquierda) que llego al N° 14 del mainstream rock track, al N° 12 del Hot 100 y al N 56 de los charts británicos; y "Easy Come Easy Go" (tapa abajo a la izquierda) que llego al puesto N° 15 del mainstream rock track y al N° 41 del Hot 100. En 2005 fue reeditado por Wounded Bird Records y en 2009 por Warner Bros. Records.

Se realizaron videos de promoción de los temas: "Can't Get Enuff", "Miles Away", "Easy Come, Easy Go", y "You Are The Saint, I Am The Sinner", todos con gran difusión en MTV.

El inicio es con uno de los singles, "Can't Get Enuff", un hard rock de tono A.O.R. (cercano a los Def Leppard de la etapa americanizada cuando ya no quedaban indicios de la banda que había liderado la N.W.O.B.H.M.) con una clásica labor de la banda, sonido comercial pero ejecuciones técnicamente sobresalientes, melodías pegadizas, mucho uso de los coros y Beach desparramando notas con su Ibanez Reb Beach Model. Luego llega el primer tema firmado por la banda en pleno en su corta historia, el hard rockero "Loosen Up", riffs fuertes paro escuchables, una línea de bajo pesada, coros muy presentes y el schred de Beach omnipresente. Lueog llega el mayor hit, la power ballad "Miles Away", único tema que no lleva la firma de Kip Winger entre los dos albums (descontando el cover de Jimi Hendrix "Purple Haze" obviamente, incluido en "Winger"), una balada perfecta, equilibrada, pegadiza, emotiva y con guitarras potentes, se convertiría en el tema más escuchado de la banda, siendo muy común escucharlo hoy en día en cualquier radio. Le sigue otro de los hots, "Easy Come, Easy Go", un tema de Kip en soledad, un hard rock melódico con melodías terriblemente pegadizas y fuerza que contagia, uno de esos temas que con solo escucharlo de paso en alguna radio hace que lo dejemos y lo repitamos el resto del día. "Rainbow In The Rose" es un tema progresivo que muestra la parte más elaborada de la música de la banda, de tiempos medios el trabajo de la guitarra es fantástico con una excelente base de teclados y un gran trabajo de la base rítmica, los coros juegan un papel fundamental y la presencia de los vientos pone el ingrediente final, también sirve para callar a los críticos sobre lo blando de la banda, mostrando partes de un heavy potente con un Morgesntein demostrando que ningún estilo le es esquivo. El estilo glamoroso regresa en plenitud con "In The Day We'll Never See" que comienza lento y amagando una nueva muestra progresiva, con los teclados y el bajos densos y Beach fraseando en gran nivel, pero poco antes del minuto la banda acelera y ataca con un nuevo tema pegadizo de estribillos imposibles de olvidar, con unas tareas impresionantes de Morgenstein y Beach. "Under One Condition" es la otra balada del album, un tema que de no tener como referencia en el mismo trabajo a "Miles Away" sería muy buena, pero queda opacada por la anterior. "Little Dirty Blonde" es otro tema de tinte bien ochentera con un solo fantástico de la guitarra. "Baptized By Fire" esotro de los temas progresivos, comienza con un fantástico solo de Kip en el bajo, luego aparece un riff rockero con un implacable Morgestein detrás y unas armonís vocales que encierran algo extraño entre estribillo pegadizo y puente, claro se va preparando el camino para que Kip meta un rap al mejor estilo Run DMC en medio del tema. Luego llega otro de los hits, "You Are The Saint I Am The Sinner", rapída, con otra gran tarea de Beach y totalmente pegadiza además de meter algunos cambios de ritmo bastantes progresivos entre demostraciones técnicas de la banda para que se luzca la guitarra. El final es con el tema título del album, "In The Heart Of The Young" se inicia con gran presencia de los teclados y una batería fuerte en segundo plano, el ingreso de la guitarra mete un tono más hard rock melódico, los coros son de gran calidad y Kip realiza una de las mejores performaces vocales del album (siempre acompañado por coros excelentes) con un Beach que termina el trabajo a pura orquesta, con demostraciones schredder asombrosas.

Un album impecable, muy bueno. Salvo claro para quienes detesten el glam metal, el hard rock californiano y el A.O.R. pues Winger transita esos rumbos sonoros. Instrumentalmente excelente, con ejecutores de alto nivel técnico.

"Manic Eden" Manic Eden (Vandenberg & Sarzo - Whitesnake; Aldridge - Hughes-Thrall & Whitesnake)

2011-04-11T21:49:00.023-03:00

Whitesnake paso de la gloria de ser la banda record en participaciones en el Monsters Of Rock de Donington Park a la disolución casi al mismo tiempo, David Coverdale decidio tomarse un descanso de las críticas por su americanización y con ello Steve Vai, sin hacerse mucho problema (solo toco en la banda por la fortuna que se pago para que lo hiciera) se avocó a su carrera solista y el resto del quinteto oficial (Don Airey y David Rosenthal eran sesionistas en la parte de teclados del album "Slip Of The Tongue", no miembros permanentes de la banda), es decir Adrian Vandenberg, Rudy Sarzo y Tommy Aldridge conforman en 1993 la superbanda Manic Eden llamando al cantante de Little Caesar, Ron Young (foto de promoción a la derecha con Aldridge, Sarzo, Young, y Vandenberg de izquierda a derecha) para unírseles.

Originalmente el cantante elegido era James Christian (compañero de Aldridge en House Of Lords) pero rápidamente queda fuera ingresando Young en su lugar.

Lamentablemente, muy lamentablemente, la banda solo realizó un album debido a la poca respuesta comercial del trabajo, sin embargo, si cuando comentaba el debut de los Blue Murder de John Sykes decía que era superior a "Slip Of The Tongue", en este caso debo decir que cuando Coverdale decía (tirando por elevación a Steve Vai) que, "habían convertido un gran album en un jodido árbol de navidad de Harrol's", al escuchar este trabajo debe haber sentido bastante envidia y arrepentimiento de haber gastado una fortuna en pagar los servicios del "pequeño italiano", como denominara Frank Zappa a su discipulo Vai en los viejos tiempos. Este album tiene un crudeza rockera y una fuerza impresionantes (y por cierto, nobleza con Adrian Vandenberg obliga, este trabajo es superior al segundo trabajo de Blue Murder, "Nothing For Trouble", editado poco antes en el año, 1993).

Junto al cuarteto colaboraron: CeCe White y Sara Taylor en coros; y Chris Trujillo en percusión.

La producción fue de Tom Fletcher (Ozzy, Suicidal Tendencies, Steve Lukkather, Yes, Air Supply, Jeff Beck, Scorpions) y Manic Eden y se editó el 31 de marzo de 1994 por Victor Records. Se realizó un single del tema "Do Angels Die" (tapa a la derecha). Se reedito en 2003 por Victor Records y en 2007 por Steamhammer. La edición japonesa trae como bonus el tema "Crossing The Line".

Musicalmente, como ya comentara antes, es de un hard rock crudo, metido de lleno en la historia del r&b británico de los 70's, a años luz de los trabajos anteriores de Vandenberg (Vandenberg, Whitesnake) y Sarzo (Quiet Riot, Ozzy, Whitesnake), similar a lo que Young realizara en Little Caesar o Aldridge con Pat Travers a fines de los 70's. Un estilo que hoy es común escuchar en los albums más rockeros de Richie Kotzen (aunque muy lejos de sus momentos más schredder de los comienzos, o los de fusion, y algo menos lejos de los soul, los bluseros de tono clásico, hablo de albums como "Get Up", "Nothing To Lose" o "Go Faster"), los trabajos de Badlands, o los de Little Caesar; con más relación con los Whitesnake clásicos o británicos que con el Whitesnake glamoroso que tuviera como miembros a Vandenberg, Sarzo y Aldridge.

El arranque es con "Can You Feel It", y de inmediato aparece un hard rock crudo, con una batería potente y una guitarra muy al viejo estilo, la voz de Young es potente, blusera y aspera, muy buen solo de la guitarra. "When The Hammer Comes Down" se inicia con guitarra acústica y la voz en tono de balada pero luego pasa a ser un hard rock potente, con una base marcada por la batería que lleva el ritmo en forma contundente. "Ride The Storm" es una power ballad muy blusera, emotiva y lejos del tono comercial. "Can't Hold It" es otro hard rock potente, de tiempos cambiantes y algunos yeites de rock clásico en las guitarras. "Fire In My Soul" tiene un inicio lento y acústico que se transforma en un blues rock fuerte, muy buen solo de Vandenberg. Luego llega el single, "Do Angels Die", una balada dominada por las guitarras bluseras de Adrian, con tonos melosos y suaves de Young. "Dark Shade Of Grey" es otra balada blusera, electroacústica y de tono comercial, con estribillos pegadizos y un emotivo trabajo de las guitarras. "Pushing Me" nos regresa al estilo más rockero de la banda, con algún guiño al funk. "Gimme A Shot" es un hard rock clásico y fuerte, con riffs crudos y Young mostrando una labor excelente. El final es con "Keep It Coming" que repite la formula rockera y cruda, con estribilos pegadizos y con mucha participación de los coros y un Aldridge impresionante. El bonus japones, "Crossing The Line", es un hard rock más cercano al sonido de los 80's, pero sin dejar de lado el estilo r&b que domina el album, una suerte de Black Crowes cruzados con AC/DC.

Un muy buen album.